Preferiría no hacerlo

Siempre que entro en el espacio que tiene La Gran en el centro de Valladolid tengo la sensación de llegar a casa. Y no sólo porque la galería esté ubicada en un apartamento que recuerda más a un hogar que a un espacio expositivo, sino porque el director (Pedro) y sus colaboradores más habituales suelen recibir a todo visitante con una gran sonrisa... muchas veces acompañada de una buena taza de té caliente. Un lujo en los tiempos que corren.

La última vez que pude acercarme fue hace tan sólo una semana y visite, con sorpresa y agrado, una iniciativa organizada por el recientemente formado Colectivo Resituación. Se trata de Preferiría no hacerlo, un pequeño tesoro expositivo en el que se presentan intervenciones realizadas por los artistas vallisoletanos Juan Carlos Quindós y Julio Falagán, además de por el propio colectivo… una exposición muy pequeñita pero inteligente que pretende hacernos reflexionar, pensar y recapacitar sobre el sistema del arte establecido hoy en día.

Nada más entrar en la galería, el visitante se encuentra de frente con dos videos reproducidos en gran formato en la sala principal. Realizadas por Quindós, ambas piezas pertenecen a su serie Densigramas y exploran “los significados de los símbolos (…) y su relación con la identidad nacional”: mientras que la obra Llama de combustión lenta presenta uno de los símbolos nacionales por excelencia (la bandera española moviéndose en lo alto de un mástil), el video 15-M-51 nos acerca a la arquitectura efímera surgida durante el movimiento 15-M en las plazas españolas (una arquitectura que creó ciudades utópicas, ciudadanas, colaborativas). Dos mundos simbólicamente opuestos, pero tratados de una forma tan sutil, elegante y delicada que nos mantienen en vilo hasta el final. Las imágenes lentas y superpuestas, los sonidos de fondo que se intercalan y complementan, y la iluminación son capaces de enganchar, atrapar, atraer hasta dejarnos exhaustos pero enamorados.  

Los dos videos instalados en el espacio de La Gran

El recorrido continua por los pasillos de la galería, donde Falagán ha pegado una serie de carteles que muestran varias imágenes acompañadas por una simple pregunta: ¿esto es arte? El artista nos hace cuestionarnos “la validez del arte contemporáneo, su sistema de legitimación y su vinculación con la vida”. Quiere que seamos capaces de reflexionar sobre aquello que nosotros consideramos arte, sobre nuestros gustos, nuestros pensamientos, nuestras ideas… más allá de aquello que nos dicen los grandes gúrus.

Carteles de Julio Falagán

Uno de los aspectos más interesantes de esta pieza es que el artista ha distribuido dichos carteles también por diversos puntos de la calle, expandiendo la exposición más allá de las fronteras de la galería… una forma de enfrentar al público de la calle con el arte contemporáneo sin necesidad de que este entre en un espacio especializado, haciéndole reflexionar sobre los límites o definiciones del arte en su espacio de confort. No os asustéis si algún día me veis en plena calle, cual ladrona, descolgando un ejemplar de alguna pared… ¡avisados estáis!

Carteles en la calle

Pero volvamos a la galería antes de cometer ningún delito de hurto. La exposición termina en una de las habitaciones que hay al fondo de la galería, lo que parece (a simple vista) un pequeño dormitorio. La intervención creada por el Colectivo Resituación en este espacio es, ya de por sí, muy curiosa: las dos integrantes del grupo, Marta Álvarez y Alba Folgado, han llenado las paredes de referencias, conceptos e ideas. Con ello han querido recalcar la importancia de las investigaciones y los procesos creativos frente a los objetos físicos. Han creado un canto en contra del sistema mercantilista y del culto al objeto que impera hoy en día en el mundo del arte, reivindicando el rol del artista en la cultura y sus procesos, su desarrollo, su creatividad. Un mapa de ideas y conceptos plasmados en un cuarto blanco, pero que tiene su extensión en la web https://pnhacerlo.wordpress.com/.

Mapa conceptual creado por Colectivo Resituación

Ante todas estas obras, me enfrenté de lleno ante toda una declaración de intenciones bastante curiosa y poco habitual: los personajes involucrados en este proyecto han querido defender “la producción artística como un posicionamiento antisistema.” Me di cuenta de que muy pocas veces nos cuestionamos lo establecido, discutimos aquello que dicen los grandes gurús del arte, nos planteamos nuestros propios pensamientos. Esta exposición pone su pequeño grano de arena para hacer temblar lo que ya consideramos arte y hacernos pensar más allá de los límites.

Si queréis disfrutar de la muestra, aún estáis a tiempo: estará abierta en Valladolid hasta el 10 de abril. Y os aviso de que forma parte de un programa más amplio de actividades  que, bajo el mismo nombre, pretende relacionar el arte y los movimientos sociales e implicar a la ciudadania en el sector. Es posible destacar, por ejemplo, el debate abierto que se celebrará el próximo 7 de abril en el Centro Cívico El Campillo bajo el título El arte como herramienta de cambio social… imposible perderselo. 

Entrevista a Ceferino López, director de Chucherías de Arte

El pasado mes de febrero se celebró la séptima edición de Justmad y allí descubrí un proyecto que me encantó, por su simpleza y atractivo. Se trata de Chucherías de Arte, una pequeña editorial especializada en ilustración y fotografía que realiza auténticas joyas de forma artesanal. Su director, Ceferino López, nos habla hoy sobre las ideas, secretos y proyectos detrás de esta empresa… y nosotros encantados. 

En primer lugar, cuéntanos cómo y cuándo surgió Chucherías de Arte.

Su nacimiento es fruto de la casualidad. Inicié un proyecto que se llamaba Circulo Vicioso, de fabricación de chapas ilustradas por amigos dibujantes o pintores, para que mis hijas sacaran algún dinerillo en verano. A partir de ahí me quedé enganchado al mundo de las chapas y al de la ilustración. Yo soy fotógrafo y andaba un poco saturado de la imagen fotográfica; sin embargo, las ilustraciones me resultaron muy refrescantes y comencé a interesarme por este mundo pero, como editor, mi habilidad para el dibujo no me permitía pensar en hacerlo como autor.

¿Cómo se te ocurrió el nombre?

En una de mis primeras participaciones en ferias de libros de artista escuché un comentario a un cliente que dijo que mis librinos con chapa eran como “chucherías” comparados con los precios de las obras que se mostraban en la feria. Inmediatamente completé el nombre añadiéndole “de arte”.

Librino con chapa Mi abuela Isabel, 

de Max Saladrigas y Melania del Pino

En esta empresa tu te sueles encargar de todo el proceso de fabricación de cada pieza (impresión, encuadernado, packaging). ¿Nos cuentas un poco más sobre tu forma de trabajar?

Chucherías de Arte es un proyecto pensado y desarrollado desde la perspectiva del ‘hazlo tu mismo’ (DIY). Todo el proceso, salvo los contenidos artísticos que son aportados por los artistas colaboradores, está pensado para poder ejecutarlo personalmente, en casa y con mis propios medios. Salvo el troquelado de las cajas, el resto del proceso pasa por mis manos, incluyendo también la selección de los autores, el diseño, la maquetación, la impresión, el manipulado, la fotografía, la web, la difusión, los videos, la distribución, la promoción, la venta, la gestión económica y de ventas, empaquetado, etc.

Y ¿cómo sueles elegir a los artistas con los que colaboras?

Generalmente los descubro navegando por las redes e internet. A veces son recomendados por amigos, otras me solicitan directamente la colaboración, etc. Por cualquier vía es posible encontrar esa colaboración.

Uno de los trabajos que más me ha gustado es Cuadernos singulares. Cuéntanos un poco más de este proyecto.

Los Cuadernos singulares nacen de mi interés por dicho soporte, por los cuadernos de apuntes,  y por la dificultad que hay en la divulgación de dichos contenidos. En los Cuadernos singulares publicamos  una selección, significativa y con un cierto criterio argumental, de algunas de las páginas de los cuadernos (16 en concreto). De esta forma damos visibilidad a trabajos que corren el riesgo de quedar ocultos para siempre y que muestran, en muchos casos, facetas de los autores que pasan desapercibidas en su trabajo como autor.  

Panorama mental, de Mickael "Patiño" Brana.

Personas, de Jesús Martínez Flores.

Otro de los proyectos más interesantes realizados por Chucherías de Arte es La salita ambulante. ¿Cómo y cuándo nace esta iniciativa?

La salita ambulante nació como estrategia para tener presencia en las ferias de arte de una forma atractiva y singular, a la vez que resultará viable económica dicha presencia. La salita es un módulo en el que en muy poco espacio (2x2 m.) puede contemplarse una exposición de pequeño formato de hasta más de 50 piezas y una muestra de casi 100 publicaciones. Acabo de subir un video muy ilustrativo de su función.

La salita ambulante

Has participado ya en varias ferias de arte como Donostiartean o JustMad. ¿Cómo valoras estas experiencias?

La salita ambulante nació desde la intuición de que su presencia en las ferias de arte resultaría interesante desde el punto de las ventas. Dichas perspectivas se han cumplido y han incrementado considerablemente la visibilidad del proyecto. 

Stand de Chucherías de Arte 

en Justmad 2016

Y por último, ¿qué proyectos futuros tiene en mente Chucherías de Arte?

Chucherías de Arte está en continuo proceso de investigación. Tenemos una actitud fundamentalmente creativa y tratamos de aplicarla en todo el proceso que acompaña al proyecto. No estamos cerrados a nada que nos cause emoción. Si hay una objetivo concreto es conseguir participar con La salita ambulante en el mayor número de eventos posible. Nos interesa, tremendamente, la relación directa con el espectador desde esa actitud creativa y emocional, a través de los soportes editoriales y su exposición pública, más allá de otras consideraciones.

Si queréis saber más sobre este proyecto, 

podéis encontrar más información en:

Su página web.

Su página de facebook.

Varios puntos de venta.

Mujeres Mirando Mujeres: entrevista a ... Laura Salguero

Este mes de marzo se celebra la II edición de Mujeres Mirando Mujeres, una iniciativa creada por Arte a un Click que pretende reveindicar el trabajo de las mujeres dentro del sector de las artes plásticas. He tenido el honor de participar en esta edición entrevistando a una artista que me encanta, Laura Salguero (León, 1987).

Esta castellano-leonesa es prácticamente una científica, una charles darwin moderna que ha escogido la actividad artística para presentar sus descubrimientos al mundo. La joven ha rescatado el ansia coleccionista y la curiosidad científica de tiempos pasados para crear auténticos “gabinetes de curiosidades” en los que analiza y disecciona al hombre. Entremezcla, de forma insólita, sus pulsiones más salvajes, sus sentimientos escondidos y sus mundos imaginarios en obras capaces de atrapar el interés de cualquiera. Hoy la entrevistamos para conocer más a fondo sus ideas e intereses… ¿os gusta?

Para aquellos que todavía no te conocen mucho, cuéntanos de dónde eres y cuándo empezaste a interesarte por el arte.

En mi caso el arte, como tal, lo descubrí cuando empecé la carrera de Bellas Artes en Cuenca. Recuerdo descubrir maravillada la obra de artistas como Louise Bourgeois, Meret Oppenheim, Kiki Smith o Robert Gober entre otros.

En ese mismo momento en mi tierra natal, León, abría sus puertas el MUSAC, un museo en el que he aprendido mucho. La obra de Pipilotti Rist, John Gerrard o la de Enrique Marty serían un punto de partida que impulsó mi pasión por el arte.

¿Cómo fue tu paso de artista amateur a artista profesional? ¿Qué te hizo dar el paso?

En mi caso se podría decir que SELECTA, una propuesta patrocinada por la Universidad de BBAA de Valencia. Fue fundamental para pasar de producir en un entorno académico a algo más y tomar verdadero contacto con el mundo profesional.

Tus obras han sido definidas, en numerosas ocasiones, como “gabinetes de curiosidades” en las que pareces unir arte y ciencia. ¿Qué te atrae más de ese mundo científico?

Yo creo que la ciencia y el arte comparten una raíz en común, que es la magia. En origen ambas tenían que ver con ese deseo completamente primordial del ser humano de ir hacia lo desconocido y querer explicarlo de alguna manera.

La gestora cultural Marta Álvarez escribió hace tiempo que tu obra consigue indagar “los límites entre lo humano y lo no humano, lo racional y lo irracional, lo natural y lo antinatural.” Algunas de tus series como Especímenes o Mirabilia mezclan lo real y lo imaginario, creando seres monstruosos pero increíblemente atractivos. ¿De dónde surge tu inspiración para crear ese imaginario?

Indagar en los orígenes del ser humano se ha convertido en el leitmotiv que mueve mi práctica artística. Me gusta pensar que fue la imaginación lo que humanizó al hombre y no el trabajo. Por ello creo que la inspiración surge de lo más primario, de la experimentación y la disociación liberando el inconsciente de las reglas.

Utilizo mi taller como un laboratorio en el que experimento y trato de evidenciar esa dualidad del ser humano diseccionando el origen del misterio y buscando la esencia del asombro y de la maravilla.

Una de tus series más fascinantes en mi opinión es Chupópteros. Cuéntanos qué hay detrás de este proyecto.

Como mucho en mi obra, Chupopteros surge de algún encuentro fortuito (en este caso el de un espécimen y una suerte de colección entomológica). Creo que todo hallazgo que se precie hay que clasificarlo y bautizarlo; su nombre los transporta al tiempo presente y pone en relación con una especie que por desgracia abunda hoy en día.

Cambiando completamente de registro, nos gustaría poder conocer tu opinión sobre el panorama artístico en nuestro país. ¿Crees que el arte es un sector reconocido en España o falta todavía mucho por hacer?

Es evidente que tanto el arte como la cultura, a día de hoy, no son lo más representativo de la imagen de nuestro país. Parecen estar sufriendo las consecuencias de las cuatro últimas décadas de la historia española.

Me parece fundamental que se trabaje en políticas culturales que comprendan que la cultura es un bien común, que favorece el desarrollo humano social, comunitario y económico. Por lo tanto, a mi modo de ver, es fundamental que exista un apoyo público y una mejor y actualizada legislación en la educación de las artes.

Y ¿crees que se puede vivir del arte en la actualidad o es algo todavía utópico?

Conozco a much@s artistas que viven de su arte; es posible. Eso sí, nadie ha dicho que sea fácil. Hay que trabajar mucho y nunca dejar de tentar a la suerte.

En tu caso pareces tener una dificultad extra como artista: vivir y trabajar en la periferia (naciste en León, pero estudiaste en Valencia, ciudad en la que actualmente vives y trabajas). ¿Con qué dificultades te has encontrado a la hora de trabajar desde esa periferia, lejos de grandes urbes como Madrid o Barcelona?

Es cierto que Madrid y Barcelona son dos grandes urbes y, como tal, exponer en ellas supone una gran oportunidad, pero gracias al papel que está jugando Internet y las redes sociales en la difusión del arte hoy en día el panorama ha cambiado exponencialmente. Internet funciona como un gran escaparate a nivel mundial y facilita el generar vínculos entre profesionales del sector.

Aprovechando también tu condición de artista - mujer, hay que preguntarte algo esencial: ¿has sentido alguna dificultad dentro del sector por cuestiones de género?

No, hasta ahora he tenido la suerte de no haber experimentado ningún tipo de injusticia relativa a mi condición de mujer. Y espero que siga siendo así. Ojalá se respire el cambio.

Pero a pesar de tu experiencia personal, es imposible no darse cuenta de que existen muchas alumnas en las facultades de BBAA, pero solo unas pocas llegan a desarrollar una carrera artística a largo plazo. ¿Cuál es tu opinión general sobre la situación de la mujer en el sector de las artes visuales? ¿Crees que es fácil ser mujer – artista en nuestro país?

Creo que desarrollar la carrera artística propia es algo realmente difícil para todos, aunque es cierto que a las mujeres, además de este tipo de dificultades generales que todos padecemos, se les suman las inherentes a esta sociedad patriarcal.

¿Cuáles crees que podrían ser los pasos para salir de esta situación?

Salir de esta situación conlleva una corresponsabilidad entre los diferentes agentes del sector: artistas, comisarios, etc. Juntos debemos de construir un nuevo modelo de paridad. Es un asunto social que solo se puede cambiar trabajando desde la colectividad.

Existen varias iniciativas que han surgido en los últimos años para visibilizar a las mujeres profesionales dentro de las artes plásticas, como el Festival Miradas de Mujeres, la plataforma Mujer.NODO o Mujeres Mirando Mujeres. ¿Qué opinas de estos proyectos? ¿Crees que todavía son necesarias? ¿Y llegan a ser útiles?

Mi experiencia ha sido siempre muy positiva. Como he comentado en otras ocasiones, apoyo el hecho de que nos concedan un espacio que históricamente nos ha costado alcanzar. Tristemente aún es necesario la creación y fomentación de este tipo de iniciativas para dar visibilidad al trabajo de las mujeres profesionales dentro de las artes plásticas.

Para terminar, ¿qué proyectos tienes ahora en mente?

Ahora mismo estoy trabajando en mi próxima exposición individual, Rara Avis, que tendrá lugar este año en el Centro Leonés de Arte. Será la primera vez que haga una individual en mi ciudad, lo cual me hace mucha ilusión.

Mil gracias Laura por todo tu tiempo. 

Si queréis saber más sobre ella, podéis visitar 

su página web pinchando AQUÍ.

¿Qué exposiciones ver en 2016?

 “El arte es lo que resiste: resiste a la muerte, a

la servidumbre, a la infamia, a la vergüenza”

Gilles Deleuze (1925-1995)

Hace unas semanas un amigo me reto, de forma directa y divertida, a escribir este artículo. En él debía resumir las exposiciones que yo pensaba que había que visitar a lo largo del 2016. Una tarea ardua, espinosa y difícil (incluso peligrosa) por varias razones: en primer lugar, siempre es difícil elegir un número reducido de proyectos expositivos cuando muchos de ellos ni siquiera han abierto sus puertas (y hay que confiar nada más que en el don de la palabra de los departamentos de prensa); por otro lado, siempre me ha dado respeto (o quizás sea miedo) sentenciar “lo mejor” de cualquier cosa…. Sea por falta de confianza en cualquier opinión categórica o, simplemente, por falta de confianza en mi propia opinión.

Sea cual sea la explicación, he decidido tirarme a la piscina después de la intensa semana de ARCO (posiblemente empujada por la locura o la demencia), y aquí esta el resultado: 10 exposiciones que creo interesante ver (y disfrutar) a lo largo de los próximos meses. Puede que no sean las mejores, puede que no sean las únicas, pero son algunas de mis apuestas. Ya veremos si a final de año confirmo esas apuestas o me arrepiento. 

Looking at the World Around You. Contemporary Works from Qatar Museums

Fundación Banco Santander, Boadilla del Monte (Madrid)

9 febrero – 19 de junio 2016

Para empezar esta lista con fuerza creo que debo mencionar, sin duda, esta exposición comisariada por Abdellah Karroum. (director del Arab Museum of Modern Art). Lo más curioso de ella es que presenta, por primera vez fuera de Catar, una selección de obras modernas y contemporáneas pertenecientes a una de las colecciones más importantes de arte árabe del mundo, la de los museos catarís. En total se incluyen 150 obras realizadas en distintos soportes (pintura, escultura, fotografía, instalación, videoinstalación) y firmadas por numerosos artistas reconocidos.
Una ocasión estupenda para ver cara a cara piezas fundamentales de Etel Adnan, Mona Hatoum, Hassan Sharif, Faraj Daham o Shirin Neshat entre otros.

Corriente subyacente

Mona Hatoum

Arte sonoro en España (1961-2016)

Museu March, Palma de Mallorca

10 febrero – 21 mayo 2016

Otra parada fundamental para los amantes del arte en 2016 es el Museu March, en Palma de Mallorca. En este centro se inaugura en febrero una exposición que propone recorrer los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde los sesenta hasta la actualidad.

La muestra, comisariada por José Iges y José Luis Maire, cuenta por fin con instalaciones sonoras, esculturas, vídeo-instalaciones y obras por encargo, así como con una amplia selección de material documental. Y lo mejor de todo es que, cuando cierre sus puertas en Palma, la exposición visitará el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca –de junio a septiembre- y la Fundación Juan March de Madrid – de octubre a enero del año siguiente-. Como veis, este año no tenemos excusa para no aprender sobre arte sonoro, uno de los géneros artísticos más desconocidos por el gran público dentro de nuestras fronteras.

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Mikel Arce

Miró y el objeto

CaixaForum, Madrid

10 febrero – 22 mayo 2016

Aunque parezca que ya conocemos suficiente al artista Joan Miró (1893–1983), su trabajo sigue sorprendiéndonos todavía hoy. Este año podemos ver por fin en Madrid Miró y el objeto, una muestra que estuvo el año pasado en Barcelona y que profundiza en el papel que tuvo el objeto en la obra del artista. El comisario William Jeffett ha seleccionado en total 130 trabajos con los cuales viajamos a lo largo de la carrera del catalán, desde la representación pictórica del objeto hasta su incorporación física en los trabajos a través del collage, el assemblage y la escultura. Una faceta nueva de Miró que no podemos dejar de descubrir… y punto.

Parte de la exposición Miró y el objeto

Julia Margaret Cameron

Fundación Mapfre, Madrid

17 marzo - 15 mayo 2016

Y, por fin, un nombre femenino: Julia Margaret Cameron (1815–1879). A pesar de vivir en un mundo en el que las mujeres han sido consideradas artistas de segunda categoría durante gran parte de nuestra historia, hay nombres femeninos irresistibles como el de esta fotógrafa, considerada una de las más importantes e innovadoras del siglo XIX.

La Fundación Mapfre ha querido homenajear a esta artista inglesa en el bicentenario de su nacimiento organizando una de las primeras exposiciones sobre ella en nuestro país. La muestra, realizada junto con el Victoria & Albert Museum de Londres, alberga en total 100 imágenes realizadas por Cameron, además de parte de la correspondencia entre ella y Sir Henry Cole (fundador y director del antiguo South Kensington Museum). Por fin los amantes de la fotografía podremos conocer en profundidad a una pionera.

La muerte de Arturo

Julia Margaret Cameron

Estructuras de existencias: las celdas, Louise Bourgeois

Museo Guggenheim Bilbao

18 marzo – 4 septiembre, 2016

No puedo dejar de mencionar tampoco a Louise Bourgeois (1911-2010), una de las artistas más prestigiosas e influyentes del siglo XX… y una de las figuras de moda dentro de nuestras fronteras en los últimos tiempos. Todos recordamos la gran retrospectiva organizada por el Museo Picasso de Málaga el verano pasado, todo un éxito de crítica y de público. Pero a pesar de esa cita malagueña, tan cercana en el tiempo, la sucursal que tiene el Guggenheim en Bilbao ha decidido inaugurar una nueva exposición sobre la artista en 2016, en este caso dedicada a uno de sus trabajos menos conocidos: Las Celdas. Esta serie, realizada a lo largo de veinte años, está compuesta por espacios arquitectónicos que reflejan la batalla emocional entre el mundo interior y el exterior de la artista. Una oportunidad ideal para conocer alguna de las claves de Bourgeois sobre el espacio y la memoria, el cuerpo y la arquitectura, la conciencia y el inconsciente.

Araña

Louise Bourgeois

Las Metaforfosis (Una indicación), Bernardí Roig

Sala Alcalá 31, Madrid

 27 abril - 24 julio 2016

Otro protagonista fundamental de esta lista es Bernardí Roig (1965), uno de los artistas españoles más destacables en la actualidad dentro de la escena internacional. El nombre del mallorquín está presente en el calendario artístico del 2016 gracias a una gran exposición individual que se abre en abril en el centro de Madrid. La muestra, comisariada por Fernando Castro Flórez, presenta en total 25 piezas realizadas en diferentes soportes (vídeo, fotografía, escultura, dibujo e instalación), una selección que plantea una relectura de la obra del artista y que parte de dos títulos literarias: Las Metamorfosis de Ovidio y la primera entrega de la autobiografía de Thomas Bernhard,  El origen (Una indicación). Un original viaje por algunos trabajos realizados por Roig en las últimas dos décadas.

Obra de Bernardí Roig

El Bosco. La exposición del centenario.

Museo del Prado, Madrid

31 mayo – 19 diciembre 2016

Por supuesto esta lista estaría vacía sin algún gran maestro como El Bosco (1450–1516). El pintor neerlandés celebra este año el V centenario de su muerte y el Museo del Prado ha querido unirse a los festejos presentando, en primavera, la mayor retrospectiva del artista hasta la fecha en nuestro país. La muestra, organizada en colaboración con el Noordbrabants Museum de Bolduque, se divide en seis secciones de carácter temático e incluye pinturas, miniaturas, dibujos, entalladuras o grabados a buril, en los que se representan algunos de los temas principales abordados a lo largo de su carrera -particularmente el infierno y los pecados–. Una lección de historia difícil de perderse.

El jardín de las delicias

El Bosco

Georgia O´Keeffe

Tate Modern, Londres

6 julio – 30 octubre 2016

Continuamos el viaje con Georgia O´Keeffe (1887–1986), una de las pioneras del arte femenino en Estados Unidos. Este año es una de las grandes protagonistas del calendario artístico internacional al conquistar las salas de la sucursal del museo Tate en Londres durante los meses de verano. Esta exposición es, por fin, la monografía más grande e importante de la artista americana en Reino Unido en los últimos veinte años, una cita ineludible que pretende revisar su obra en profundidad, situarla en el lugar que le corresponde dentro de la historia del arte y presentar la influencia que ha tenido en futuras generaciones. Una buena forma de redescubrir (y disfrutar de) una figura fundamental dentro del arte con nombre de mujer.

Jimson Weed, White Flower No.1 

El Bosco

Caillebotte, pintor y jardinero

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

19 julio – 30 octubre 2016

Tampoco podemos olvidarnos de las numerosas propuestas que nos ofrece este año el Museo Thyssen-Bornemisza, entre las que hay que destacar su apuesta para el verano: una exposición dedicada a Gustave Caillebotte (1848–1894), un artista francés calificado durante mucho tiempo como pintor aficionado pero hoy considerado un miembro fundamental del movimiento impresionista. La exposición, organizada junto con el Museé des impressionnismes Giverny, se centra en particular en el interés del artista por el tema del jardín a lo largo de su carrera, dividiendo las piezas en 4 secciones: los 4 lugares donde el francés vivió (Paris, Yerres, Sena, y Le Petit‐Gennevilliers). Una cita obligatoria para todos los que quieran conocer a uno de los artistas más desconocidos del impresionismo.

Un balcón, boulevard Haussmann

Gustave Caillebotte

Gustav Metzger

Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), León

17 septiembre 2016 - 8 enero 2017

Para terminar este recorrido, os recomendamos visitar la primera muestra en España del artista y activista alemán Gustav Metzger, superviviente de un campo de concentración que ha dedicado su vida y su obra a promover el pensamiento crítico y provocar un cambio social que evite un nuevo Holocausto. La exposición presenta, en esta ocasión, obras producidas entre 1959 y el presente, imprescindibles para entender el activismo del artista ante problemas sociales como la inequidad, las armas nucleares, o la destrucción del medio ambiente. Y entre ellas podemos destacar especialmente dos piezas clave en su producción: Destruction in Art Symposium y Three Years Without Art, 1977-1980. Imposible, sin duda, no terminar un año repleto de arte con un soplo crítico como este… cita ineludible y necesaria.

Gustav Metzger en 1962

Estas son, de forma simple, breve y concisa, algunas de mis recomendaciones para este año. Y en este punto me viene a la cabeza una pregunta: ¿cuáles son vuestras exposiciones para 2016? Se abren las apuestas.