sábado, 31 de diciembre de 2016

Otro año más

Otro año más acaba. 52 semanas tachadas en nuestros calendarios y sin poder volver atrás. Reconozco que este 2016 ha sido un poco raro: algún mal momento, varias decepciones, pero muchas alegrías, varias sorpresas y muchos reencuentros. Sé que he tenido el blog un poco desatendido y no he publicado tantos artículos como en otros años, pero no ha sido por qué no haya querido: muchos proyectos en mente y demasiado poco tiempo. A pesar de ello, sigo poniendo muchas ganas, energía e ilusión en esta web y os prometo mucha más caña para el 2017. ¡Tengo ya tantas ideas! Espero poder cumplir todos los propósitos que tengo en los próximos 365 días. 

Os agradezco muchísimo que me acompañéis en esta aventura... y os quiero desear todo lo mejor para la noche de hoy y para este 2017. ¡Larga vida a los blogs culturales!

lunes, 5 de diciembre de 2016

Entrevista a Xabier Basterra, director de Block Madrid

Esta crisis que aún nos persigue ha provocado el cierre de numerosas galerías y espacios artísticos en los últimos años. Sin embargo, aún hay valientes que resisten y han decidido, en contra de todas las inclemencias, abrir sus puertas en horas bajas. ¡Todo nuestra suerte a estos aventureros!

Hoy entrevistamos a Xabier Basterra, fundador de uno de los nuevos espacios más sugerentes de la capital. Se trata de Block Madrid, primo-hermano del londinense Block 336 y auténtico lugar de experimentación. ¿Queréis saber más? Seguid leyendo estas líneas.

Hola Xabier. Para empezar, cuentanos cómo y cuándo surge Block Madrid.

Hemos inaugurado nuestra primera exposición hace solo unos días, el 18 de noviembre. Block Madrid es una iniciativa de Block 336, que  es un espacio fundado y gestionado por artistas situado en Brixton, Londres. Yo soy fundador y presidente del patronato de Block 336 y, coincidiendo con mi traslado a Madrid por motivos familiares, decidimos abrir nuestro espacio en la calle Ballesta.

Vuestra idea es combinar espacio de exhibición y estudio, permitiendo a los artistas trabajar in situ y desarrollar propuestas específicas. ¿Por qué os interesa relacionar ambas actividades?

Nos permite enfocarnos más en el proceso creativo y no tanto en el resultado final. Queremos crear las condiciones para que los proyectos reaccionen al propio espacio y también a lo que pasa delante de nuestra puerta en la calle. Que haya lugar para la reflexión y también para la improvisación y los errores

Habéis inaugurado el espacio con una exposición del artista londinense Mike Ballard. ¿Por qué él?

Colaboramos con Mike por primera vez en 2012 en Londres y nos interesa mucho la constante evolución de su trabajo. Después de ser durante años uno de los grafiteros más conocidos de Londres, Mike estudió en Central Saint Martins y comenzó a desarrollar una práctica que sigue explorando relaciones de autoridad y transgresión, y la dinámica de creación y destrucción inherente al entorno urbano, pero con un lenguaje visual propio muy alejado de los clichés habituales del graffiti.


¿Qué podemos encontrarnos en su muestra?

Fotografías de restos de pegamento, pegatinas y carteles arrancados que Ballard hizo en las calles de Malasaña y que luego transfiere al lienzo, creando imágenes abstractas que interviene con oleo y aerosol. También piezas realizadas con vallas de madera recuperadas de obras.

¿Con qué otros artistas tenéis pensado colaborar?

Queremos traer a Madrid a los artistas más interesantes con los que hemos tenido la oportunidad de trabajar en Londres. La idea de venir a preparar un proyecto para Block, visitar el Prado, comer, beber y vivir una pequeña temporada en Madrid es irresistible... Y queremos ir incorporando proyectos de artistas locales

Y, por último, ¿qué planes futuros tenéis en mente?

Nuestros planes pasan por aprovechar al máximo la conexión entre nuestra iniciativa en Londres y en Madrid. Potenciar proyectos de colaboración y, como hemos hecho en Londres, desarrollar un modelos de negocio alternativo al convencional de la galería comercial.


¿Os ha gustado?
Para más información sobre este espacio, 
os recomendamos entrar en 
su página web pinchando AQUÍ.

sábado, 3 de diciembre de 2016

Las Hilanderas, una nueva plataforma online

Hoy os quiero presentar un nuevo proyecto en el cual he estado trabajando los últimos meses. Se trata de Las Hilanderas, una plataforma de entrevistas que busca dar voz a una serie de jóvenes artistas contemporáneas que trabajan, de forma sorprendente, con herramientas todavía inusuales en el mundo del arte: hilos y agujas. En las siguientes líneas os cuento la historia detrás de esta idea.


Durante gran parte de la historia, el sexo masculino dominó todas las responsabilidades públicas y demás esferas de la sociedad, marginando a las mujeres al interior de sus hogares. Atrapadas en sus universos domésticos, las damas pasaban gran parte del tiempo desarrollando su creatividad a través de la costura, el bordado, el encaje o el diseño de ropa entre otras muchas tareas. En un mundo en el que era raro (incluso escandaloso) que una mujer no supiera cómo utilizar una aguja, eran ellas las responsables de crear objetos útiles para sus hogares y sus familias, aunque su talento nunca fue apreciado.

Sus habilidades artesanales, sus técnicas y sus temáticas fueron marginadas y devaluadas por el elitista mundo del arte, principalmente dominado por hombres. Las bellas artes eran una cosa y las tareas artesanales eran otras: unas eran consideradas actividades profesionales mientras que las otras eran tareas domésticas; unas eran realizadas con objetivos comerciales y las otra eran actividades meramente decorativas que requerían menos implicación intelectual. Cualquier tarea artesanal era una ocupación secundaria para entretener a un sexo también considerado secundario, incluso inferior.

Como respuesta a esta actitud centenaria, numerosas mujeres comenzaron a utilizar, ya desde finales del siglo XIX, las prácticas textiles para reivindicar su papel dentro de la sociedad. No podemos olvidar como numerosas sufragistas emplearon banderas, pancartas o estandartes bordados con consignas para protestar en las calles pidiendo, por ejemplo, el voto femenino. O como numerosas artistas, a lo largo del siglo XX, reivindicaron el papel creativo del hilo y la aguja contra la cultura patriarcal dominante.

Para seguir con esas reclamaciones feministas, surge Las Hilanderas, una página web pretende ser una plataforma de difusión y ensalzamiento de la mujer y sus tradiciones. En ella se quiere presentar, de forma periódica, una serie de entrevistas realizadas a jóvenes artistas contemporáneas que honran el trabajo de sus antecesoras mediante dos vías:
  • Desde un punto de vista formal: Todas utilizan agujas e hilos como herramientas de trabajo para subrayar la importancia de las habilidades y técnicas consideradas tradicionalmente femeninas.
  • Desde un punto de vista temático: Todas reflexionan, a través de la costura, el bordado u otras tareas, sobre algunas de las batallas de género que se han desarrollado en las últimas décadas (igualdad de derechos, revolución sexual femenina, liberación del cuerpo de las mujeres o independencia femenina entre otros temas).
Las artistas seleccionadas son “hilanderas” modernas que consideran sus obras ARTE en mayúsculas (y no artesanía). Quieren ser escuchadas, reclamar su posición y ser parte del sistema. A través de las entrevistas que se publiquen en la plataforma, queremos hablar con ellas sobre sus carreras, sus ideas feministas y sus técnicas artesanales, además de mencionar algunos ejemplos destacables dentro de su trayectoria.

En estos momentos ya se puede disfrutar de las dos primeras entrevistas publicadas:

El resto de las entrevistas se irán publicando periódicamente a lo largo de los siguientes meses en la web www.lashilanderas.net¿Os gusta la idea?

martes, 11 de octubre de 2016

Entrevista a la artista Paula Anta

Hace tan solo unas semanas se celebró la feria Estampa, uno de los múltiples eventos que conquistan la capital cada año por estas fechas. A pesar de la cantidad de artistas y galerías presentes, una de las protagonistas fue, sin duda, la fotógrafa Paula Anta (Madrid, 1977) tras recibir uno de los premios de la Comunidad de Madrid junto al barcelonés Pere Llobera. 

Para todos aquellos que amamos la fotografía, Paula no es ninguna novedad. Esta Doctorada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid ya ha mostrado su trabajo anteriormente en numerosos festivales como PhotoEspaña, Palma Photo o PhotoAlc y en centros como el CA2M, el CCCB barcelonés, el DA2 salmantino o Matadero Madrid entre otros. Una auténtica veterana cuyos trabajos son muy evocadores, atractivos y, en cierto modo, enigmáticos. 

Hoy la entrevistamos tras su paso por Estampa para que nos cuente más detalles de su trabajo, de su carrera y su mundo. ¡Todo un placer!

Paula Anta en 2015

¿Cómo y cuándo empezaste a interesarte por la fotografía?

No lo sé exactamente. A mí me interesan muchas cosas: estudiaba música, dibujaba sin parar, construía cosas, me apasionaba la arqueología… Pero podría definir tres momentos relacionados con la naturaleza de la fotografía que me atraparon. Uno fue cuando me regalaron una cámara y estuve un año haciendo, casi todos los días, fotos a los mismos lugares del Parque del Retiro. Lo atravesaba cada día para ir al instituto y el cambio que se producía en los árboles, en las plantas, en los caminos, el cambio de la luz a lo largo del año sobre ellos, me fascinaba. 

El segundo momento fue cuando, con 14 años, entré en un laboratorio de fotografía y vi aparecer unas manchas, al principio abstractas, en la superficie de un papel introducido en un líquido extraño. Poco a poco de esas manchas abstractas empezó a surgir un lugar, una situación, unas personas… ¡me pareció mágico! 

El tercer momento fue durante la carrera de Bellas Artes. Allí dibujaba mucho, pintaba, hacía grabado y escultura, pero cuando empecé a vivir los primeros cambios importantes que empezaron a producirse en el campo de la fotografía, me di cuenta que estaba viviendo un momento histórico y eso era bastante excepcional.

Y ¿cómo fue tu salto al mundo profesional? ¿Fue algo premeditado o surgió de forma natural?

Considero que en nuestro campo, el mundo del arte, no se deben premeditar las cosas. “Las cosas” surgen, nos encuentran, acontecen. Ese es el fluir natural de “las cosas”; nosotros debemos estar atentos y con nuestra sensibilidad bien despierta. 

¿Cómo crees que ha evolucionado tu trabajo desde tus comienzos?

La evolución corresponde a un aprendizaje. Ser artista es estar en un proceso de aprendizaje, de formación de la sensibilidad, constante. Cada uno de mis trabajos tiene su importancia en mi trayectoria. Hay algunos trabajos que marcan transiciones. Transición quiere decir que hay obras que me abren a una visión nueva, me abren nuevos contenidos anímicos que van a traer nuevas imágenes. 

FEFA
de la serie Borsisti 

Actualmente vives entre Madrid y Colonia. ¿Qué diferencias ves en el modo en que se trata a los artistas entre España y Alemania?

El arte, tanto en Alemania como en España, es, desgraciadamente, una actividad minoritaria y aislada. Esto no sólo ocurre aquí, es algo mundialmente extendido. Vivimos en una sociedad que, entre otras cosas, ha conseguido desvincularse de unos valores esenciales e imprescindibles. Pero sí hay distintos niveles de aceptación de esos valores y están directamente vinculados a la educación. Si no se considera el arte como un valor, no será valorado. En Alemania todavía se puede sentir que el arte es una actividad necesaria para todos; por lo tanto es más valorada y se dedican más recursos para promocionarlo. 

¿Crees que la fotografía está suficientemente reconocida en nuestro país o todavía hay mucho trabajo que hacer?

La fotografía abarca muchos ámbitos. Si te refieres a la fotografía artística, creo que empieza a extenderse su aceptación dentro del mundo del arte (¡ya era hora!). Aun así, falta más conocimiento, falta un acercamiento más profundo a ese modo de expresión, falta una mentalidad más abierta para entender su verdadera naturaleza, tanto por parte de los fotógrafos, como por parte de los artistas procedentes de otras disciplinas, así como por los observadores y “consumidores” de imágenes. 

A pesar de la “popularización” de la fotografía hoy en día, no somos expertos para entenderla en profundidad; es más, pienso que a pesar de vivir en una sociedad regida por imágenes, a pesar de la extensión de las imágenes en nuestro día a día, de arrastrarla a nuestro entorno más próximo y directo, tenemos un gran desconocimiento sobre la naturaleza de las imágenes, o por decirlo de otro modo, una analfabetización visual a la hora de leer, analizar y comprender en profundidad la imagen.

Entrando ya en tu trabajo artístico, parece interesarte mucho la naturaleza. ¿Qué te atrae de ella?

En la naturaleza uno conecta con el origen, en ella podemos observar con calma. Es un lugar al que pertenecemos y es esencial. En el paisaje no hay distracciones. Ese lugar esencial me interesa, me atrae, hay un misterio que se vincula a mí con un sentimiento invisible. Yo fotografío aquello que me permite experimentar un descubrimiento. Pero también me atrae su relación o su vínculo con su lado opuesto, con lo ficticio, con lo artificioso, con la creación artificial de la que es capaz el ser humano.

BUSAN 03
de la serie Paraísos Artificiales 

¿Y cuales son tus inspiraciones a la hora de trabajar?

Cada proyecto tiene una génesis distinta. Unos surgen de un viaje, leyendo, caminando… De repente algo me descubre y descubro que tiene que ver con una cualidad de sentimiento. Metodológicamente hay elementos comunes que tienen que ver con la creación de una situación ficticia. Yo puedo partir de un paisaje, de un espacio, de una escena, situaciones que pueden parecer aparentemente espontáneas. Hay una espontaneidad, la imagen no me impone una narrativa forzada. No hay una impostura, no hay un forzar lo que se está contando. En mis imágenes creo una situación posible, llevo a la naturaleza más allá de sus posibilidades reales. En esto hay una primera parte que es la producción de los elementos que configuran la imagen, la creación de una escenografía, un objeto que va más allá de su dimensión natural. La segunda parte es la postproducción. Aunque las imágenes parezcan espontáneas, es una espontaneidad lograda. 

El pasado mes de septiembre participaste en la feria Estampa, donde presentaste tu serie Hendu realizada en 2014 con el apoyo de Oxfam Intermón y la Galería Blanca Soto. ¿Qué hay detrás de este proyecto?

Oxfam Intermón tenía el encargo de crear un proyecto para divulgar el trabajo realizado en cooperación. La propuesta de Oxfam a través de Blanca Soto fue hacerlo a través del arte: distintos artistas, dibujantes de comic, actores, directores de cine, viajamos a diferentes países para conocer de cerca sus proyectos de cooperación y, sobre todo, la realidad de esos lugares. Nos dieron total libertad y empleamos esa libertad para crear. Fue un proyecto precioso, muy completo y lleno de experiencias inolvidables.

EMENGE
de la serie Hendu

¿Cómo fue tu experiencia en Mauritania? ¿Qué te llevarías de tu estancia en el país?

Me llevé muchas cosas, entre otras las imágenes que creé. También me llevo muchas imágenes en mi memoria y sentimientos de cariño, tenacidad, valentía, amistad, dolor, injusticia, superación, lealtad… me llevo un color que lo cubre todo y que deja ver, con dificultad, un país devastado por la avaricia de los seres humanos. También me he llevado la amistad de unas cuantas personas estupendas. 

Durante la feria recibiste uno de los Premios de la Comunidad de Madrid. ¿Qué ha significado esto para ti?

En primer lugar la motivación que supone recibir un premio. ¡Es una gran alegría! También me alegro porque ha sido el mejor comienzo con la galería de Pilar Serra y sé que ella también está muy contenta. Por otra parte pienso que estas cosas acompañan a circunstancias sobre las que uno tiene poco poder, van y vienen. Las cosas verdaderamente importantes están en otros lugares; si las descubres, si las persigues, si eres cuidadosa con ellas y si eres fiel a ellas en ti, entonces vendrán los premios. Pero esto no puede condicionar el trabajo y mucho menos la búsqueda. Hay que seguir.

FÉNIX
de la serie Journal de Hotel

Y para terminar, ¿qué planes tienes para el futuro?

Seguir caminando este apasionante recorrido y sus misterios. Como dice Octavio Paz, No hay fin, todo ha sido un perpetuo recomenzar.

¡Muchas gracias Paula! 
Si queréis conocer más su trabajo, visitad su página web 
pinchando AQUÍ.

lunes, 12 de septiembre de 2016

¿Qué exposiciones ver este otoño?

La playa, los viajes, las cervecitas en nuestras terrazas favoritas, las largas dormilonas… los parones veraniegos son necesarios para la salud mental y física de cualquiera. Desgraciadamente todo tiene su fin y la vuelta a la rutina no siempre es fácil. ¡Qué dolor cuando escuchamos, después de unos días de libertad, el sonido de esas alarmas endemoniadas a primera hora de la mañana!

Pero a pesar de todo, la vuelta al cole tiene ciertas ventajas. En nuestro sector el mes de septiembre trae consigo el comienzo de una nueva temporada de eventos interesantes. El sonido de las alarmas sigue siendo irritante, pero al menos ciertas citas culturales ayudan a pasar el trago mucho más fácilmente.

¿Qué os propongo hoy en este post? Muy fácil: una serie de exposiciones que pueden ayudaros a aterrizar y a pasar el otoño lo mejor posible. Lógicamente, por falta de espacio, no puedo poner todas las que me gustaría, pero al menos si aquellas con las cuales podéis empezar. Comencemos, entonces, nuestro recorrido…

Dreams
Halcyon Gallery (Londres)
Hasta el 15 de septiembre

Para empezar con fuerza creo que debo mencionar, sin duda, esta exposición de Pedro Paricio, abierta en una de las galerías de arte más reconocidas del centro de Londres. El tinerfeño vuelve a la capital británica para presentar, en esta ocasión, su último proyecto: un conjunto de obras que exploran, a través de sus propios sueños, el subconsciente colectivo y la naturaleza trascendental del arte.

Paricio intenta que el espectador disfrute de un colorido viaje lleno de escenas surrealistas, apariciones extrañas, estados de ensueños y personajes oníricos… y todo ello utilizando su famoso estilo compuesto por formas caleidoscópicas, brillantes acrílicos y fondos neutros. Una buena forma de descubrir a un artista que está dando mucho que hablar.  


Mom is in the studio
Galería A de Arte (Zaragoza)
Hasta el 30 de septiembre

Muchos recordamos aún las polémicas palabras con las que Marina Abramovic reabrió hace unos meses el debate sobre la maternidad en el arte. Para aquellos que se hayan olvidado, aquí tenéis una pequeña selección: “hay un montón de mujeres con talento. Entonces, ¿por qué siempre ocupan los hombres los puestos importantes? Es sencillo: por el amor, por la familia, por los niños. Porque las mujeres no quieren renunciar a todo eso.” Muchas creadoras criticaron estas declaraciones tan pronto como pudieron… y la española Bea Sánchez no ha querido ser menos: acaba de unirse a estas críticas con su última exposición en Zaragoza.

Sánchez presenta un autentico cantico a favor de la conciliación familiar en el mundo del arte. A través de unas cuantas obras, manifiesta la batalla diaria que supone ser madre siendo artista y los malabarismos que estas deben hacer, pero defendiendo sin duda que la maternidad no es el fin de la producción artística. ¿Os animáis a acercaros?


Sombras
Museo Guggenheim (Bilbao)
Hasta el 2 de octubre

A pesar de los grandes problemas que ha tenido el Museo Guggenheim con su equipo durante este verano (con huelgas y despidos de por medio), no podemos dejar de mencionar tampoco la exposición que ha organizado la institución bilbaína sobre Andy Warhol. En ella se presenta Sombras, una de las series de finales de los setenta más destacables del norteamericano.

La exposición muestra 102 lienzos serigrafiados realizadas con la ayuda del entorno del arista en la Factory. En principio fueron concebidos como una única pintura en varias partes, aunque funcionan perfectamente por separado mostrando la característica paleta warholiana, alegre en extremo y de tonos brillantes. Una cita obligatoria para todos los que quieran conocer uno de los trabajos más desconocidos del artista pop por excelencia.


In no particular hurry
Galería Sabrina Amrani (Madrid).
Del 15 de septiembre al 29 de octubre

Si estáis en Madrid, no podéis olvidar que esta semana comienza la nueva temporada artística con Apertura Madrid Gallery Weekend, una iniciativa estupenda para disfrutar de la vida cultural de la capital después del parón veraniego.

Dentro del amplio programa organizado para esta edición, me gustaría destacar la primera exposición en España del artista canadiense Babak Golkar. La muestra, que se inaugurará en unos días, presenta una serie de obras que reflexionan sobre los conceptos de creación de valor y del papel del artista en controlar este sistema. ¿Pero cómo?

Cada una de las piezas, diversas en tamaño y forma, contiene una obra de arte oculta y desconocida para todos excepto para el artista. Ninguno podrá conocer el contenido hasta dentro de 100 años, cuando los objetos vuelvan a mostrarse completamente. Si por lo que sea alguna de las capsulas se abriera antes del tiempo pactado, las obras se tornarían vacías y su valoración económica se desplomaría a cero por medio de un contrato firmado entre Golkar y el coleccionista. ¡Una idea estupenda para este mundo material que nos rodea! Aunque creo que ninguno de nosotros estaremos aquí en 2116 para ver si cada parte cumple su palabra.


Cabestro
El Cuarto de Invitados (Madrid)
Hasta el 23 de octubre

Os recomiendo continuar el viaje visitando la última exposición que acaba de inaugurarse en el madrileño espacio El Cuarto de Invitados y que participa en la primera edición del festival urbano Hybrid. Se trata de Cabestro, una pequeña muestra comisariada por Semíramis González en la que se recoge parte del trabajo de Carol Caicedo.

La pieza estrella es, sin duda, Mandela, un proyecto fotográfico a través del cual la artista documenta visualmente la vida de una de las plazas más conocidas del céntrico barrio madrileño de Lavapiés. Se muestra así la vida de un barrio multicultural y castizo que recoge en sus calles toda la realidad de la ciudad: la dureza y la amabilidad, los encuentros y desencuentros, las agresiones y celebraciones. ¡Una parada obligatoria para cualquier amante de la fotografía!


No participación
Espacio Trapézio (Madrid).
Hasta el 3 de noviembre

Podéis terminar el viaje en el barrio madrileño de Chueca visitando el espacio artístico que se encuentra en el Mercado de San Antón. Es allí donde la comisaria e historiadora del arte Lauren van Haaften-Schick ha presentado su último proyecto expositivo.

La muestra No participación recoge una colección de cartas escritas por diversos artistas para rechazar la invitación a participar en eventos culturales por razones éticas o políticas. A través de estos documentos se pretende mostrar cómo numerosos creadores han luchado por sus derechos y han intentado visibilizar, a través de su pluma, problemas que han afectado a su situación laboral / vital: la falta de honorarios para artistas, las negociaciones nefastas de la propiedad de los derechos, las censuras o la controversia sobre las fuentes de financiación de los eventos culturales. Una forma de reivindicación y de lucha a través de la palabra.

Comentaros además algo interesante: todas las cartas han sido recopiladas a través de una convocatoria abierta en curso, que se ha complementado con una investigación histórica. Si algún artista quiere ayudar a aumentar el archivo, puede enviar sus textos a lauren@laurenvhs.com.


Como véis son seis recomendaciones nada más, pero creo que todas ellas son interesantes, necesarias y diferentes. ¡Espero vuestras opiniones!

martes, 19 de julio de 2016

PhotoEspaña: entrevista a Veronica Losantos

En las últimas semanas he ido publicando, como ya sabéis, una serie de entrevistas a diversos personajes relacionados con uno de los festivales de fotografías más reconocidos de nuestro país. Y hoy os quiero presentar a otra de sus protagonistas: se llama Verónica Losantos (Logroño, 1984) y es una de las fotógrafas seleccionadas para participar en una de las iniciativas más interesantes del evento, Foro PhotoEspaña.

Gracias a esta oportunidad, la artista riojana presentará algunas de sus obras en una exposición que se inaugurá este viernes en la Sala de Exposiciones El Águila. ¿Queréis saber más sobre ella? Podéis leer la siguiente entrevista, que Verónica ha sido tan amable de contestar con paciencia y delicadeza.  


¿Cómo y cuándo empezaste a interesarte por la fotografía?

Siempre he sido una persona muy “visual” y me he interesado por el mundo de la imagen, pero la verdad es que empecé bastante tarde. Fue durante mis estudios de Comunicación Audiovisual en la universidad  donde por primera vez cogí una cámara réflex digital y vi todas las posibilidades que tenía y lo que podía hacer con ella. En seguida me di cuenta de que también tenía cierta habilidad para ello y desde entonces mi pasión por la fotografía empezó a crecer.

Y ¿cómo fue el salto al mundo profesional? ¿Fue algo premeditado o surgió de forma natural?

Vine a Berlín por un tiempo y, aunque mi idea era volver a España y hacer un master para especializarme, al final decidí quedarme aquí y estudiar Fotografía en la Lette Verein. Durante los tres años de estudio en esa escuela tienes que concentrarte única y exclusivamente en la fotografía y en cómo mejorar y evolucionar, por lo que has de tener claro si es eso a lo que quieres dedicarte.  Fue ene se tiempo cuando comencé a trabajar como fotógrafa y ahí se dio mi salto al mundo profesional.

¿Cuáles son los conceptos básicos en los que se basa tu trabajo?

Aunque  no me gusta delimitar mi trabajo a unos conceptos únicos, ya que me gusta ir probando cosas diferentes, podría decirse que ahora mismo se centra en la relación entre la fotografía y la creación de memoria, así como su influencia en el paso del tiempo y los procesos de cambio. Para ello suelo utilizar experiencias personales, así como la inspiración de temas de actualidad o de interés general y la literatura.

Y ¿tus influencias más directas? ¿Qué fotógrafos o artistas influyen en tu obra?

Hay muchos fotógrafos que me gustan, pero si tengo que elegir, algunos de los que más me han marcado son Nan Goldin, Wolfang Tillmans, Cristina García Rodero y Cristina de Middel. Y cómo no, Henri Cartier-Bresson.

Actualmente sigues viviendo en Berlín, ¿que te motivó a moverte a esta ciudad?

Nada más acabar la universidad me dieron una beca para un curso de alemán en Alemania, así que me fui a Berlín para dos meses. Después decidí quedarme, viendo las posibilidades que me ofrecía esta ciudad y ahora hace ya nueve años que vivo allí.  

¿Ves alguna diferencia en el modo en que se trata a los artistas entre España y Alemania?

Sí, muchísima. En Alemania todo es más accesible, hay muchas más ayudas, todo es más fácil y se promueve mucho más a los artistas emergentes. Por lo que yo he vivido, hay mucho más interés por el arte y la fotografía en general, y la gente también se mueve mucho más. 

Entre tus trabajos, me encantaría destacar tu serie ÉxodoEn ella tratas el tema de la emigración de jóvenes a raíz de la crisis económica y financiera. ¿Es una reflexión basada en tu propia experiencia?

Sí, totalmente.  La idea la tuve cuando de repente me di cuenta de que, aunque había elegido mudarme y quedarme en Berlín de forma voluntaria, después de cinco años ya no podía volver aunque quisiera a causa de la crisis. Me sentí muy impotente, también al ver lo que estaba pasando en España (no sólo los cambios negativos sino también las manifestaciones y el surgimiento del movimiento del 15M, etc.)  y yo no podía hacer nada desde Berlín. Era para mí una forma de explicar la otra perspectiva de lo que estaba pasando, la de los que nos teníamos que ir o quedar en el extranjero. Y también intentar provocar algo de tolerancia en el país que nos está acogiendo. Para ellos es difícil entender que no es nada fácil dejar tu país y tener que hacer tu vida de cero en un sitio donde ni siquiera entiendes el idioma o te tienes que acostumbrar al clima. Es por eso que realicé este proyecto.

Imágen de la serie Éxodo.

Me gusta también mucho Screen Memories, una obra en la que analizas la manipulación de los recuerdos y cómo la fotografía es capaz de transformarlos. ¿Cómo surgió este proyecto?

Fue a raíz de pensar en la relación entre la fotografía y el proceso de memoria. A veces no somos conscientes del poder que tiene la una sobre la otra y que muchos de los recuerdos que tenemos asociados a imágenes no son del todo ciertos. Estuve investigando sobre esto y lo apliqué a mis propios recuerdos. Ha sido una experiencia muy gratificante y esta serie está teniendo mucho éxito. Supongo que porque habla de algo bastante personal y la gente que la ve puede llegar a ver una parte mi íntima de mi.


Imágenes de la serie Screen Memories.

Este año has sido una de las seleccionadas para participar en Foro PhotoEspaña. ¿Qué ha sido para ti esta noticia?

La verdad es que me siento increíblemente afortunada. Es un sueño que se hace realidad: tener una exposición parte del festival PHotoEspaña, el más importante del país.

Mostrarás uno de tus proyectos en El Águila. ¿Con qué nos sorprenderás?

Se podrán ver por primera vez todas las imágenes pertenecientes a la serie, y también estará el catálogo publicado por Kehrer Verlag, que estará a la venta en La Fábrica. Si alguien lo trae a la inauguración estaré encantada de firmarlo.

Y por último ¿cuáles son tus próximos proyectos ?

Tengo ya un proyecto en marcha. Va también sobre la memoria y la historia de un hecho pasado,  pero esta vez me muevo a mi tierra, La Rioja, a un pequeño pueblo en las montañas. Pero el proyecto está aún en fase de desarrollo por lo que tendréis que esperar un poquito para saber más.

Si queréis conocer más a Verónica Losantos, 
podéis visitar su página web pinchando AQUÍ.