sábado, 26 de septiembre de 2015

`Materia es lo soñado´ de Irene Cruz

Irene Cruz es una de las artistas emergentes más interesantes y con más personalidad dentro del sector fotográfico actual. A pesar de tener una breve trayectoria artística, ha conseguido crear un estilo propio que cautiva, seduce y enamorar, sobre todo por el misterio y la poesía que desprenden sus trabajos.

Esta temporada de otoño colaboro con la artista comisariando su próxima exposición en el espacio que tiene Lamosa en el Barrio de San Antón (Cuenca). Para celebrar esta colaboración quiero presentaros hoy la nota de prensa que hemos elaborado para esta muestra. ¡Esperamos que os guste y os anime a visitar Cuenca durante el mes de octubre!


Nota de prensa

La asociación cultural Lamosa tiene el placer de inaugurar el próximo 1 de octubre la primera exposición individual en su espacio de la artista Irene Cruz (Madrid, 1987).

Titulada Materia es lo soñado, la muestra recorre los últimos años de la corta pero intensa carrera de la artista. Para ello reúne algunas de sus obras más actuales, entre las que podemos destacar sus series fotográficas What Dreams Are Made Of, Urlaub y Bjork; sus fotolibros Lurra, Equus y Habitat; o sus videos Waldeinsamkeit, Die stille o Native entre otros.

La exposición, distribuida a lo largo de tres salas, es capaz de resumir la imaginería tan personal y reconocible de Cruz. Las piezas elegidas son claros ejemplos de las escenas casi cinematográficos que suele crear la artista y en ellas podemos disfrutar de algunos de los elementos más frecuentes de su producción: mujeres sin rostro ni identidad que ocupan enigmáticos paisajes y se enfrentan, de algún modo, a su soledad y su deseo, su melancolía y su vulnerabilidad. Con estos elementos la artista presenta un universo intimo y personal … un universo con el que quiere hacernos sentir, reflexionar, imaginar: “quiero que imaginen, que sientan la tierra mojada bajo sus pies descalzos, que se pierdan en el espacio natural y a su vez en el temporal, que reflexionen atraídos por el misterio de mis imágenes.


La exposición busca especialmente destacar el aire onírico y casi surrealista que se respira en todas las obras de Irene Cruz, en parte gracias a la atmósfera casi cinematográfica y a una luz poética, bucólica, melancólica. A pesar de ser escenas construidas con elementos reconocibles y palpables, nos trasportan a un mundo casi onírico en el que se entremezcla realidad y ficción, memoria y presente, vida y sueño. En las fotografías y videos de Cruz parecen materializarse por fin los sueños y los recuerdos haciéndonos evocar, sin lugar a dudas, unas palabras del conocido filósofo alemán Walter Benjamin (1892 – 1940): “materia es lo soñado.”

Por último, esta exposición también muestra un dialogo entre los diferentes soportes utilizados por la artista a lo largo de su carrera: la fotografía y el videoarte. A pesar de ser formatos a primera vista diferentes, la madrileña considera que el videoarte es una evolución formal lógica dentro de su producción fotográfica que ayuda a dar vida, movimiento y cierta continuidad temporal a sus imágenes. La exposición pretende enseñar, pues, como esos medios artísticos se nutren de las mismas fuentes, mismas historias… e incluso de si mismas.  

La exposición está comisariada por Naiara Valdano (Madrid, 1985) y puede visitarse hasta el 31 de octubre de 2015.


Biografía de la artista

Tras licenciarse por la Universidad Complutense de Madrid en Publicidad, Relaciones Públicas y Comunicación Audiovisual, Irene Cruz realizó el máster internacional EFTI, especializándose en Fotografía conceptual y creación artística, y un curso especializado sobre iluminación narrativa cinematográfica.

Actualmente vive y trabaja en Berlín, y cuenta ya en su currículum con más de 250 exposiciones de fotografía, videoarte y videoinstalaciones en todo el mundo (destacando lugares como el Palais de Tokyo de París, el círculo de BBAA en Madrid, La KunstHalle de Berlín, Project Art Space de Nueva York, el MUA de Alicante, o el Da2 de Salamanca). Ha ganado premios importantes tales como el accesit de Fototalentos de la Fundación Banco Santander en 2010, el segundo premio de Fotografía Fundación AENA, el primer premio en el II Certamen de Fotografía CFC-Iberdrola en 2014, y el premio a mejor pieza de Videoarte de 2014 por la plataforma internacional Elmur.net. En 2015 ha participado en Photoespaña con la prestigiosa galería BAT, dirigida por Alberto Cornejo, convirtiéndose así en la artista más joven que ha participado en dicho festival este año.

Irene Cruz además tiene obras en importantes colecciones nacionales e internacionales.


Página web de Irene Cruz:
www.irenecruz.com

Página web de la exposición:
www.lamosa.es/exposiciones/52_materia-es-sonado

Lamosa Lab.

C/ Nohales, 25. 
Barrio de San Antón · Cuenca


Horario
Jueves y viernes: de 18h a 21h
Sábado: de 11h a 14h y de 18h a 21h

martes, 15 de septiembre de 2015

La agenda revuelta: del 15 al 30 de septiembre

Como todos los años, septiembre abre la temporada post-estival con fuerza. Durante este mes se inauguran una cantidad desmesurada de eventos culturales y muchos de nosotros, a pesar de nuestros intentos, no tenemos tiempo material para ir a todos aquellos lugares a los que queremos. Hoy os quiero recomendar una serie de exposiciones, cursos y otros eventos a los que creo que debéis intentar asistir en algún momento durante los próximos quince días. ¿Os interesa alguno?

Overlapping view
© Ernesto Cánovas

EXPOSICIONES

Exposición Fotografía introspectiva de Misterpiro.
Lugar: espacioBRUT, Madrid.
Fechas: del 18 de septiembre al 28 de octubre.
Más información AQUÍ.

Exposición Overlapping View, de Ernesto Cánovas.
Lugar: Halcyon Gallery, Londres.
Fechas: hasta el 20 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Exposición En cuerpo y alma. Mujeres artistas de los siglos XX y XXI.
Lugar: Sala Kubo, San Sebastián.
Fechas: hasta el 27 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Exposición Associated nostalgia, de Eugenia Máximova.
Lugar: galería La Fábrica, Madrid.
Fechas: hasta el 18 de octubre.
Más información AQUÍ.

Exposición Agujero Negro de Raúl Artiles.
Lugar: Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Palmas de Gran Canaria.
Fechas: hasta el 10 de enero.
Más información AQUÍ.

FORMACIÓN

Curso Pintura inspirada en mujeres artistas.
Lugar: Tate, Liverpool.
Fechas: del 23 de septiembre al 9 de diciembre.
Más información AQUÍ

Conferencia Herencias de la dictadura en Chile.
Lugar: Instituto Cervantes, Londres.
Fecha: 29 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Ciclo de conferencias Charla con inmortales.
Lugar: Institut Français, Madrid.
Fechas: hasta el 12 de noviembre.
Más información AQUÍ.

OTROS EVENTOS

Festival internacional de cine de San Sebastián.
Lugar: San Sebastián.
Fechas: del 18 al 26 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Valladolid Creative Commons Film Festival.
Lugar: Valladolid.
Fechas: del 18 al 27 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Festival internacional de arte urbano Asalto.
Lugar: Zaragoza.
Fechas: hasta el 20 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Hay Festival.
Lugar: Segovia.
Fechas: del 23 al 29 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Feria de arte Estampa.
Lugar: Matadero, Madrid.
Fechas: del 24 al 27 de septiembre.
Más información AQUÍ.

Festival de cine español.
Lugar: Ciné Lumière y Regent Street Cinema, Londres.
Fechas: del 24 al 30 de septiembre.
Más información AQUÍ. 

lunes, 14 de septiembre de 2015

Convocatoria LABjoven_Los Bragales: rebuscando en la historia

Artículo publicado en LABlog, blog de bloggers de LABoral

A principios de este año LABoral Centro de Arte y Creación Industrial presentaba, en colaboración con la Colección Los Bragales, una beca de producción destinada a artistas asturianos menores de 40 años. La convocatoria, titulada LABjoven_Los Bragales, estuvo abierta varios meses y recibió numerosas propuestas provenientes de toda la región. Aun así, el premio recayó finalmente en el proyecto Menhir, diseñado por la artista asturiana Coco Moya y el músico conquense Iván Cebrián. Una de mis compañeras de LABlog, Semíramis González, fue capaz de resumir a la perfección este trabajo hace tan solo unas semanas en su artículo Menhir traslada la mina a la sala de exposiciones”, un texto que os recomiendo leer encarecidamente (pinchar AQUÍ).

Pero ¿cuándo nació esta convocatoria? A pesar de estrenar nombre este mismo año, LABjoven_Los Bragales recoge el espíritu de una antigua convocatoria que estuvo vigente durante seis ediciones, del 2007 al 2012. Dicha iniciativa, titulada en sus inicios LABjoven_experimenta, dio la oportunidad a varios artistas emergentes de realizar un proyecto artístico experimental y exponerlo en el centro asturiano durante unos meses. En este texto quiero recordar a dos de las antiguas ganadoras de esta propuesta con la intención de volverlas a poner de actualidad. Una forma de recordar, honrar y conmemorar sus trabajos.

Alicia Jiménez: el arte como proceso vivo

En primer lugar me gustaría hablar de Alicia Jiménez (Gijón, 1977), artista plástica y visual que trabaja en el ámbito de la instalación y la creación de intervenciones. Consiguió la beca de producción de LABoral en 2009 gracias a En Barbecho, un proyecto con el cual pretendía introducir un campo de siembra en el interior de la institución asturiana.

Tras unos meses de trabajo consiguió cumplir su objetivo y dividió el campo en dos zonas diferenciadas: una zona fértil en la cual se plantaban semillas y otra zona desocupada cuya tierra se dejaba descansar. Entre los surcos la artista plantó además pequeñas pantallas de vídeo, en las que mostraba imágenes que confrontaban los valores asociados a la productividad con otros que se relacionan con el descanso, la espera, la improductividad. Con todo ello quería mostrar “una metáfora de la sociedad” actual y reflexionar sobre la lucha existente hoy en día entre el trabajo y el tiempo de ocio: “el que la pieza se llame En Barbecho nos invita a reflexionar – afirmó Jiménez – sobre nuestros propios ritmos de vida, sobre cual es el momento en el que debemos descansar y cual es el tiempo en el que debemos producir y de que manera tenemos que mantener el equilibro entre las dos cosas” (1).

En Barbecho
© Alicia Jiménez

Puedo decir que uno de los rasgos que más me gusto de este proyecto fue el hecho de que la obra estuviera abierta a la participación del público: los espectadores  estaban invitados a plantar semillas, cuidar las plantas y vigilar a sus retoños. Al final de la exposición la artista incluso invitó al público a llevarse a casa parte de la tierra fértil para que el proyecto siguiera existiendo fuera de los muros del museo. La instalación se convirtió así en una obra viva, un trabajo en continuo crecimiento y evolución que continuó creciendo incluso después de cerrar la exposición.

Esta obra es pues un ejemplo claro de la filosofía personal e intima de la artista: Jiménez ve el arte como un proceso vivo, una experiencia abierta, una acción en movimiento. Para ella el arte es el camino más que la meta. Disfruta más del proceso artístico que del objeto en sí mismo… y seguramente consiguió que muchos espectadores disfrutaron igualmente de ese proceso con En Barbecho.

Cristina Busto: el placer de las sombras

La segunda persona de la cual quiero hablar hoy es Cristina Busto (Avilés, 1976), artista conocida en especial por querer fusionar video y artes plásticas. Al igual que Jiménez, ella también disfrutó de la beca de producción de LABoral, pero en su caso fue en 2011 gracias a un proyecto titulado Generadores de sombras.

Con esta obra la joven asturiana creo un set de rodaje dentro de la sala de exposiciones con el fin de realizar una pieza de vídeo en vivo. Y todo ello utilizando una serie de elementos bastante interesantes: por un lado, utilizó materiales encontrados en diversas circunstancias que ella misma recicló, dándoles una nueva función; por otro lado, utilizó pantallas de retroproyección en los que quiso reflejar, a través de un juego de luces y sombras, las siluetas de esos materiales reutilizados. Con todas estas piezas la joven artista consiguió dar vida a sus sueños, fantasías e ilusiones dentro del museo y mostrar al público la importancia del proceso creativo in situ.

Generadores de sombras
© Cristina Busto

Pero, a parte de enseñar a los espectadores ese proceso, ¿qué más quería transmitir la joven artista con este proyecto? La propia Busto respondió planteando dos teorías diferentes pero igual de interesantes. Por un lado, pretendía “dar forma a la idea de que luz y sombras son conceptos indivisibles, que no podrían existir por separado, y que por lo tanto se complementan sin necesidad de que uno sea positivo y otro negativo. Tal y como están las cosas, no deja de ser un mensaje optimista” (2). Por otro lado, añade que la obra parte en cierta medida de las teorías del psicólogo Carl Gustav Jung, quien decía que nuestra sombra era aquello que proyectábamos fuera de nuestro ser, lo que rechazábamos de nosotros mismos: “yo soy de la idea de que, en ocasiones, la gente es capaz de sacar de nuestro cuerpo esa sombra, esa parte agresiva o negativa que tenemos. Pero tenemos que ser conscientes de que, aunque forma parte de nosotros, debemos ser capaces de que la parte positiva domine a la negativa” (3).

¿Con qué teoría os quedáis vosotros? Yo, quizás, elijo la primera: me gusta la idea casi novelesca de que dos mundos que parecen opuestos convivan en equilibrio, en armonía.

Como veis hoy os presento dos trabajos que merece la pena recordar, porque fueron capaz de enriquecieron el museo durante unos meses y enseñar que, en muchas ocasiones, el proceso artístico es igual de importante (o incluso más) que el objeto final. ¿Qué os parecen ambos proyectos?


Notas:

(1). Entrevista a la artista en el programa “La mañana en Asturias” (Radio Cope, 09 de marzo de 2010). Audio disponible en: 
http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/prensa/hemeroteca/2010/radio/2010.03.09.%20Cope.%20Entrevista%20Alicia%20Jimenez.mp3/view?searchterm=Alicia%20Jiménez%20cope

(2). Miguel Rojo, “LABoral Centro de Arte abre sus puertas a las penumbras” (El Comercio, 30 de mayo de 2012). Artículo disponible en: 
http://www.elcomercio.es/v/20120530/cultura/laboral-centro-arte-abre-20120530.html

(3). Idem. 

domingo, 6 de septiembre de 2015

Entrevista al artista David Crespo

Tras unas largas (y merecidas) vacaciones, vuelvo a la carga con muchas ganas de seguir trabajando y presentaros aquellos proyectos y artistas que me han atrapado de alguna forma u otra. Para empezar la nueva temporada hoy quiero publicar una entrevista realizada a David Crespo, artista leonés que ha expuesto ya en numerosas ciudades tales como Madrid, Barcelona, París o Berlín. ¿Qué os parece?

Retrato

Hola David. Para aquellos que todavía no te conozcan, cuéntanos de dónde vienes. ¿Cuándo empezaste a interesarte por el arte?

Soy de León pero por circunstancias familiares me he tenido que mover mucho. He residido en algún que otro pueblo asqueroso, en zonas poligoneras, al lado de una ría que olía a cadáver, en un montón de sitios bizarros. Siempre he tenido inquietudes artísticas, sobre todo en el campo de la música electrónica, la danza y la instalación. Estas inquietudes no sé de donde surgieron, quizá de las zonas poligoneras, porque en mi casa nunca he presenciado ningún tipo de interés hacia el arte.

A partir de los 15 años empezó mi formación y a los 18 comencé a estudiar Bellas Artes en Pontevedra. Desde el principio tuve claro que quería ser artista. Tenía la idea de que el artista era una persona que podía hacer lo que le diera la gana sin tener que dar explicaciones, pero esa idea se me desvaneció enseguida.

¿Qué medios expresivos te interesan más a la hora de trabajar? 

Mi trabajo tiene un carácter muy performativo, aunque no suela realizar performances propiamente dichas. Me interesa el formato happening: crear situaciones, construir espacios e instalaciones para ser intervenidos. Me interesa la experiencia compartida con otras personas, el proceso y ver lo que ocurre (si es que ocurre algo). También trabajo mucho con el vídeo, pero siempre con el interés de registrar acciones. Hace años trabajaba con la fotografía pero desde que tengo i-phone la cámara ha ido desapareciendo. Hacer fotografía es como pintar o dibujar, me hace sentir en otro siglo.

Colección de 9 yoyós reconstruidos

¿Y cuáles son tus referentes o fuentes de inspiración?

Mis fuentes de inspiración son David Bowie, Peter Parker, Ned Flanders, Daft Punk, Pokemon, lo kinki cuando es minimal, salir a correr, caminar, Hedwig, rajar con mis amigas, el polígono industrial, How to Basic, Toroporno, Vice, Storm and Drunk, Transparent y un largo etcetera.

Respecto a otros artistas, sigo el trabajo de muchísima gente. Algunos que para mí son una referencia, ya sea por su actitud, sus intereses, o porque creo que cuentan algo de gran relevancia en el presente. Algunos ejemplos son Andrés Senra, Raisa Maudit, Olalla Gómez, José Jurado, Arantxa Boyero, Nuria Güell, Ana Esteve Reig, Marco Godoy y Cristina Garrido, entre otros.

En varias ocasiones has comentado que te interesan temas relacionados con el territorio y lo social. ¿Qué te atrae de estas cuestiones?

Territorio y social no dejan de ser dos términos muy amplios que uso a la hora de elaborar los engorrosos statements y ese tipo de mierdas que nos piden a los artistas constantemente.

De lo social me interesa narrar y dar visibilidad a situaciones que creo que deben ser contadas, siempre con una intención de construir una crítica hacia situaciones que generan crisis, estados de vulnerabilidad o violencia en la sociedad. Del territorio me interesa trabajar en lugares concretos, para realizar proyectos donde reconstruyo o cuestiono las reglas y formas del lugar. Muchas veces juego con ciertos grados de ironía o estupidez sarcástica, para dejar en evidencia lo ridículo de estas.

Fussballplatz

En tu trabajo el deporte tiene mucha presencia y nos gustaría saber por qué. ¿Prácticas además algún deporte?

Yo sólo voy a correr de vez en cuando. Nunca me ha gustado el deporte a excepción de la natación sincronizada, de la cual siempre he sido super fan. Yo era el típico manta en educación física, gordo y torpe, que no daba una. Nunca practicaba deportes de equipo o en público porque me daba mucha vergüenza.

Empezar a trabajar con el deporte fue casi de casualidad. En mi trabajo el deporte no deja de ser una base o un manto que me sirve para construir y desarrollar otros temas, dando como resultado proyectos de los que emergen varias capas.

Entre tus trabajos me interesa especialmente es Pentatlón. Cuéntanos más de este proyecto.

Pentatlón es un proyecto que comencé tras mi segunda estancia en Grecia entre el 2013 y 2014. Yo ya había estado en el 2012 y por aquel entonces había realizado algunas piezas de vídeo en torno al paisaje, metáforas visuales que hacían referencia a la situación económica y social de allí.

Durante mi segundo viaje quise realizar un proyecto más complejo, para hablar sobre las formas de violencia llevadas a cabo en las actuales revueltas griegas. Para ello partí del Pentatlón Antiguo, una disciplina que se originó en Grecia en los primeros Juegos Olímpicos, una combinación de cinco pruebas (stadion, lucha, salto de longitud, lanzamiento de disco y lanzamiento de jabalina), disciplinas que para los antiguos griegos eran las que debía cumplir un buen guerrero.

Con esa base, el proyecto consistió en una investigación sobre las diferentes formas de ocio deportivo realizadas en el contexto de Grecia hoy. Tras un trabajo de campo desarrollado en Atenas y Tesalónica seleccioné cinco (backgammon, baloncesto, tenis, ciclismo y pesca), las cuales mezclé con las disciplinas antiguas para crear una hilarante combinación de ambas, que además, hacían referencia a varias de las acciones de revueltas desarrolladas en estos últimos años allí, sobre todo en Atenas. La idea era generar cinco nuevas competencias, las cuales debían saber dominar los buenos revolucionarios, haciendo así una alusión al Pentatlón Antiguo.

Fue un proyecto bastante complejo de desarrollar. Para su exposición sentí la necesidad de construir un archivo como mapa conceptual para que el espectador pudiera hilar todo el proceso del proyecto. En esa ocasión tuve la suerte de trabajar con la comisaria Nerea Ubieto. Poder contar con su ayuda y talento para poder articular y cerrar el proyecto fue de una absoluta trascendencia.

Pentatlón

Pentatlón

Este año has estado exponiendo en el Palais de Tokyo de París, representando junto a otros artistas a Matadero Madrid en la exposición Do Disturb. ¿Cómo fue la experiencia?

Do Disturb era un proyecto de unas dimensiones enormes, tanto por los centros que participaban como por el número de artistas que eramos. Yo lo disfruté al máximo y con mucha intensidad. Me fui de París muy contento de los resultados y de la experiencia.

Allí presentaba Terrain d'Action, una nueva adaptación de mi proyecto Campo de Acción. Es una instalación que consiste en reconstruir de forma colectiva un campo de fútbol para dar nuevos usos y planteamientos al terreno de juego. Durante los días de exposición realicé un total de cinco happenings, como The Football Rave, una pinchada de tecno industrial donde se iban desarrollando juegos improvisados con la gente, o El Campeonato de Fútbol Expandido, donde los espectadores jugaban por toda la planta, corriendo entre los espectadores, chocando con otras piezas o dando balonazos a las ventanas. Este último se me fue de las manos y eso fue genial, dando pie a mucha violencia y estupidez.

Terrain d'Action

Terrain d'Action

Y para terminar, ¿qué otros proyectos tienes ahora en mente?

Ahora mismo estoy en Ceuta trabajando, un viaje que me he propuesto de unas cinco semanas. Era un contexto que desconocía, bastante intenso para lo pequeño que es. Estoy realizando una serie de piezas entorno a la crisis migratoria.

Después, si no falla nada, viajaré a París y luego a Berlín, para trabajar en dos trabajos independientes. Ambos son proyectos cuyo proceso es compartido con otras personas. El primero será entorno a las ideas de fútbol, política y negociaciones de territorio, junto a sociólogos, artistas y futbolistas; el segundo será dentro de un festival que pretende dar visibilidad al colectivo LGTB en el deporte.

Para el 2016 realizaré mi próxima exposición individual con Addaya, la galería con la que felizmente trabajo en Mallorca. La exposición girará entorno a lo que estoy realizando ahora en Ceuta y hasta aquí te puedo contar.

Si queréis conocer más al artista, os aconsejo visitar su página web 
pinchando AQUÍ. ¡No lo dudéis ni un segundo!