sábado, 26 de diciembre de 2015

El proyecto `Toy Stories´ de Gabriele Galimberti

Las fiestas ya están aquí y es imposible no haberse dado cuenta: luces y decoración navideña inundando las ciudades desde hace semanas, catálogos cada vez más gordos en nuestros buzones, todo tipo de dulces en las estanterías de los supermercados… y, por supuesto, anuncios de juguetes conquistando nuestros televisores.

El post de hoy está relacionado justo con eso, los juguetes. Hoy, sumergida en unas fiestas tan consumistas como estas, ha venido a mi cabeza un proyecto fotográfico que presentó el fotógrafo italiano Gabriele Galimberti hace unos años: se llama Toy Stories y está compuesto por imágenes que representaban a niños de todos los rincones del mundo con sus juguetes más preciados.

El proyecto fue realizado durante 18 meses y su función inicial era clara: mostrar lo diferente que puede ser la vida de un niño, dependiendo de dónde viva. Todas las imagenes invitan, sin lugar a dudas, a la reflexión: gracias a ellas somos capaces de radiografiar la realidad de cada crio y ver las diferencias sociales, económicas y culturales entre ellos. 

Pero pese a las notables diferencias entre los protagonistas, Galimberti insiste siempre en que los niños de su serie tienen algo en común: "¡a todos los niños de 3 a 6 años les encanta jugar!" 

Aquí abajo os dejo una serie de imagenes de esta serie que espero que os atrapen.














El proyecto triunfó tanto que Gabriele Galimberti terminó 
publicando un fotolibro que podéis encontrar AQUÍ. ¿Os gusta?

jueves, 17 de diciembre de 2015

Entrevista a Enrique del Rio, director de WeCollect Club

Un grupo de expertos y profesionales acaba de fundar, hace pocos meses, WeCollect, un nuevo club para coleccionistas de arte. Entre sus servicios, esta agrupación propone asesoría especializada con expertos en mercado del arte, cursos de formación en coleccionismo, y eventos exclusivos para coleccionistas (inauguraciones, visitas privadas a ferias y exposiciones, viajes organizados, fiestas, etc.).

Enrique del Río, fundador y CEO de este club, ha hablado con este blog sobre la situación del mercado español del arte y sobre WeCollect. ¿Os animáis a seguir leyendo?


El mercado español del arte ha sufrido un gran crecimiento en los últimos años, pero todavía hoy representa menos del 1% del mercado global según algunos estudios. A pesar de esta situación, ¿cómo ves tú el mercado de arte dentro de nuestras fronteras en estos momentos?

Lo veo como un mercado repleto de oportunidades. Es cierto que España no acapara mucha cuota del mercado del arte internacional, pero lejos de ver esto como algo negativo yo lo veo como algo positivo. Creo que hay mucho hueco para nuevas propuestas que ayuden a ampliar esta cuota. 

Con una crisis económica tan larga, el problema en este sector ha dejado de ser solo económico, va mucho más allá. Han cambiado los hábitos, la demanda y los modelos de negocio en todos los mercados y, por supuesto, también el del arte. Muchas galerías, ferias, casas de subastas y centros de arte se están dando cuenta de esta nueva realidad y están adaptando sus propuestas a esta nueva demanda. Un ejemplo claro es el mundo de las subastas: el modelo de negocio de las casas de subastas líderes en el mundo ha cambiado de forma radical y poco tiene que ver su día a día de ahora con el de hace diez años. Cuando eso ocurra con el resto de agentes, los números subirán y volverá a haber un mercado del arte importante en España como ocurrió en otros momentos.  

Y en este contexto, ¿cuál crees que es el estado del coleccionismo en España?

Actualmente es obvio que en España hay muy pocos coleccionistas de arte. Sin embargo, hay cientos de miles de amantes del arte con la capacidad económica y la cultura necesarias para coleccionar que no lo hacen. ¿Por qué? Esa es la pregunta que nos hacemos desde el club. En España colecciona menos del 1% de la gente que podría hacerlo y eso solo puede ser porque las propuestas de muchas galerías, ferias, centros de arte, etc. no llegan a la mayoría de la población. Muchas de las propuestas que están llevando a cabo ahora van en la línea de ampliar esta cuota de coleccionistas y estoy convencido que en un futuro así será.


¿Qué factores pueden ayudar a fomentar el gusto por el arte (y el coleccionismo) en un país sin mucha tradición?

No creo que se necesite una tradición de 500 años para que la gente coleccione. Precisamente hoy en día hay ejemplos de propuestas muy novedosas en otros sectores que crean hábitos en la gente y se mantienen a lo largo del tiempo. 

Lo bueno del coleccionismo de arte es que es algo que no es innovador, no hay que probarlo y ver si funciona o cala en la sociedad, es algo que ha acompañado al hombre a lo largo de su historia y que sus beneficios están más que comprobados. Lo que sí que podemos hacer ahora mejor que antes con las herramientas de comunicación que tenemos es dar a conocer esos beneficios a aquellas personas que por una u otras razones no los conocen. Creo que es muy importante también la cercanía en estos casos. Mucha gente no se acerca al mundo del arte por esa imagen culta y elitista que le rodea, en muchos casos cierta y en otros no. Esta imagen hace que los mensajes se desvirtúen y que la gente no tenga muy claro realmente cuáles son los beneficios que puede aportar un mundo tan apasionante como es el del arte y el coleccionismo. Actuar con normalidad en este mundo mucha gente lo agradece.

Ante este panorama, ¿cuándo y cómo surge WeCollect Club?

WeCollect nació el pasado mes de septiembre precisamente para ampliar esta cuota de coleccionistas de la que hablamos. Con un calendario de más de 100 eventos exclusivos para coleccionistas e interesados en iniciarse en el coleccionismo del arte, asesoría especializada con prestigiosos expertos en mercado del arte y cursos de formación en coleccionismo, WeCollect da una solución 360º a los coleccionistas de arte actuales y futuros en aquellos ámbitos que consideramos que son fundamentales para construir una buena colección: ver mucho arte, estar bien asesorado y contar con una formación específica en arte y coleccionismo.

¿Quiénes formáis parte del equipo detrás de esta iniciativa?

WeCollect cuenta con ocho asesores en mercado del arte, cada uno especializado en un ámbito concreto del coleccionismo, perfiles jóvenes capaz de generar esa empatía que necesita el nuevo coleccionista y con una trayectoria muy sólida en el mundo del arte. Entre los asesores del club se encuentran Amaia de Meñaka, experta en mercado del arte, protocolo y comunicación empresarial; Daniel Díaz, experto en arte contemporáneo y subastas con más de diez años de experiencia en la asesoría a coleccionistas; Cristina Anglada, comisaria, investigadora y crítica de arte independiente, experta en arte emergente y fotografía; Mariano Santos, experto en valoración y tasación de antigüedades y artes decorativas con 20 años de experiencia en consultoría; Vanessa Magalí, experta en conservación y restauración de obras de arte; Miguel Rosón, experto en montajes de arte y logística; Luciano Delgado, abogado especializado en mercado del arte, legislación y fiscalidad de obras de arte; y un servidor.


¿Por qué creéis que una iniciativa así es necesaria?

Porque la creación de nuevos coleccionistas es uno de los retos más importantes a los que se enfrenta el sector del arte en España en los próximos años. En esto están de acuerdo todos los galeristas, coleccionistas, artistas, críticos y profesionales del sector. La figura del coleccionista es fundamental para sustentar el ecosistema del arte tal cual lo conocemos. El mercado del arte debe existir y cuanta más fuerza tenga y de más calidad sean nuestros coleccionistas mejor para todos. Sin embargo, a pesar de ser uno de los problemas más graves del sector, nadie se había decidido a atacarlo hasta ahora. Una propuesta cuyo objetivo es inyectar nuevos coleccionistas al mercado, educarles y formarles es algo absolutamente necesario para el sector del arte de España.

¿Cuáles son vuestros objetivos principales?

Queremos crear una comunidad de nuevos coleccionistas con los que podamos trabajar mano a mano. El coleccionismo del arte en España desgraciadamente no es masivo y somos conscientes de que el camino para conseguir una comunidad estable y solvente en este ámbito será muy complicado y sobre todo muy largo. Llevamos solo tres meses pero los resultados están siendo mejor de lo que pensábamos y mucha gente está descubriendo un mundo para ellos desconocido que les apasiona. Estamos convencidos de que ese es el camino.

¿Y vuestros futuros planes?

Es muy pronto para hablar de futuros planes porque primero tenemos que asentar el lanzamiento del club en Madrid, pero no podemos negar que el mercado del arte es un mundo absolutamente internacionalizado y que tenemos siempre un ojo puesto en lo que pasa en el resto del mundo. Creemos que España puede beneficiarse mucho de esta internacionalización y, por supuesto, que tiene muchísimo que aportar en ella.  


Si queréis saber más información sobre WeCollect Club, 
no dudéis en visitar su página web pinchando AQUÍ.

miércoles, 9 de diciembre de 2015

Entrevista… al artista Guillermo Peñalver

Guillermo Peñalver es, para mi gusto, uno de los artistas emergentes con más personalidad e interés dentro de nuestro país. 

Sus obras parecen naif a primera vista, pero si las analizamos en profundidad nos conquistaran por su complejidad, tanto material como conceptual. Gracias a ellas podemos ver la visión casi onírica de la realidad que rodea al artista, una realidad en la que continuamente se debaten conceptos como realidad-sueños, ciudad-naturaleza, racional-irracional, organismos-elementos mecánicos. Con Peñalver y su mundo disfrutamos, nos divertimos, nos enamoramos de la pintura de nuevo. 

Durante estos meses el artista ha expuesto su último proyecto, Disfraz de mito, en el espacio que tiene La Gran en Valladolid. La exposición ha tenido tanto éxito que la galería ha pospuesto su cierre hasta el próximo mes de enero… Y que mejor manera de celebrar esta noticia que publicando una pequeña entrevista a Guillermo para que nos cuente detalles sobre su historia, sus influencias y su último trabajo.  ¡Seguid leyendo!


Hola Guillermo. Cuéntanos de dónde vienes y cuándo empezaste a interesarte en el arte.

En primer lugar agradecerte tu interés y esta entrevista... Mi biografía es bastante sencilla. Nací en Tarragona y viví allí hasta los 9, cuando mis padres volvieron a Madrid y nos instalamos en Alcalá de Henares.  

Al año de llegar, mis padres quisieron incentivar mi interés por el dibujo y buscaron una academia para apuntarme. Fede fue mi primer profe y allí aprendí diferentes técnicas: lápiz, tempera,  pastel, y finalmente el ansiado óleo... Aunque deje de usarlo al poco tiempo para pasarme a la pintura plástica, que no huele y se seca rápido.

Desde pequeño quería estudiar Bellas Artes. Ese fue el motor que me hacía ponerme estudiar, pasar de curso y salir del instituto. No fui muy buen estudiante, la verdad, aunque no todo era culpa mía: en mi opinión el sistema educativo a veces deja mucho que desear.

Después llega la facultad y ahí haces lo que de verdad quieres. Yo estudié en el CES Felipe II de Aranjuez, que en su momento era un centro inscrito a la Universidad Complutense de Madrid. Como en cualquier sitio, hay de todo: profesores mejores y peores…

Recuerdo con agrado la clase de pintura y grabado. Aunque lo que más valoro de la facultad es que como estudiante tienes una serie de prejuicios y allí te amueblaban la cabeza. Hace poco estuve, por ejemplo, con Julio Adán y le confesé que la primera vez que vi su obra no me gustó y hasta me caía “un poco mal” (risas). Con el tiempo me reencontré con su trabajo con más conocimiento y pude ver las diferentes sensibilidades que muestran sus piezas.

Poco a poco vas derribando los prejuicios que tienes, aprendiendo otras maneras de hacer ajenas a tus propios procesos.

¿Cómo definirías tu estilo? Y ¿cuáles son tus influencias más directas?

Mi estilo o mi trabajo se podría definir como figurativo y mis referencias  son varias. No las separo en categorías, porque considero que las influencias van llegando de manera aleatoria, sin un orden consecutivo, aglutinándose en tu imaginario personal, generando un compendio de muchas cosas que vas descubriendo y se entremezclan, de la misma manera que una canción influye en tu estado anímico y eso impregna tu forma de trabajar… 

Entre mis gustos, podría destacar Remedios Varo, los Beatles, David Hockney, Pedro Almodóvar, Giussepe Verdi, Xavier Dolan, Leonora Carrington,  Guillermo Pérez Villalta, Pink Floyd,  Alfredo García Revuelta, la vajilla de Duralex, Woody Allen, Ana Gabalda, Pepe Carretero, Santiago Talavera, Standstill, Simón Arrebola, Chris Ware, los dispensadores PEZ, Jesús Zurita, el ballet (ruso), Felipe Ortega Regalado, Federico Fellini, Amparo Sard, la porcelana de Seletti, Guillermo Martin Bermejo, Alejandra Freyman, Brian de Plama… y muchas más cosas.

Tu última exposición se llama Disfraz de mito. ¿Cómo surgió este proyecto? ¿Cómo fue su punto de partida?

Estando en Estampa el año pasado me encontré a Pedro Gallego de Lerma (director de La Gran) y me comento su idea de montar un espacio expositivo. Meses después Pedro me llamo para participar en la primera colectiva del espacio. Por aquel entonces estaba trabajando en un cuadrito llamado El entendimiento, un paisaje en el que se muestra la relación entre dos naturalezas: una salvaje representada por un pinar; y en su interior, otra domestica, un laberinto vegetal.

Con la oportunidad de realizar una individual en la galería comencé a plantearme trabajar en torno al laberinto y eso me llevo a fijarme en el mito del minotauro, la bestia que anida en él. Una vez decidido el hilo conductor, comencé a documentarme: estuve buscando imágenes de referencia y haciendo las fotos de los “personajes” (esas fotos las suelo hacer con el móvil ya que es la manera más rápida y sencilla).

Lo complicado para mí fue cómo meterme en la piel del minotauro. La mayoría de referencias que hay entorno al personaje son imágenes de un carácter muy sexual… Es imposible no recordar las imágenes de los grabados de Picasso o las visiones de los simbolistas como la de George Frederic Watts.


¿Qué te atrae del minotauro y su historia?

Me imaginaba que la historia de este mito era una metáfora de mí día a día en el estudio: yo, como el minotauro, me muevo en mis dominios. Las mesas  de dibujo con sus papeles, los caballetes con sus lienzos en diferentes estados y las tazas con posos de café componeniendo pequeños bodegones.

De un tiempo a esta parte, venía trabajando con el imaginario clásico adaptándolo a mi vida cotidiana. Es por ello que decidí meterme en la piel del minotauro… Fue muy sencillo revestir los cuerpos de mármol.


Sueles auto-representarte en muchos de tus trabajos. ¿Por qué te gusta esa unión del mundo real y del mundo artístico?

La verdad es que para mí es imposible separarlos, ya que mi proceso de trabajo va directamente relacionado con la manera que tengo de ver las cosas. Aunque en series anteriores he utilizado otros cuerpos para hablar de conceptos propios, en las últimas he tomado la posición de protagonista. Es la propia rutina diaria, el sustrato de muchas de las ideas que tengo.


Muchas de las obras que presentas en esta ocasión son collages. ¿Qué te interesa de este medio, esta técnica a medio camino entre la pintura y el relieve?

En el collage puedo pintar con papel. Dada a mi obsesión con las pieles de la pintura, trabajar con papel me da la oportunidad de tener superficies lisas y de color homogéneo, lo que me permite jugar con la percepción de los diferentes planos superpuestos. Puedo modular con lápices de color, como si de veladuras se tratase, o solapar pegando otros papeles generando micro volúmenes según el gramaje del papel.


Y por último, ¿cómo ves el panorama artístico en España en la actualidad? 

Como artista emergente que vive en España, veo mucha precariedad en nuestro sector. La gran mayoría de nosotros necesita un trabajo alternativo para poder desarrollar su carrera artística.   
    
Yo suelo ser bastante positivo y creo que somos gente afortunada por tener un trabajo en el que disfrutamos tanto, pero necesitamos un mayor respaldo por parte del Estado. Creo que desde la educación se puede estimular en las generaciones venideras un mayor interés y compromiso por las artes.

¡Muchas gracias Guillermo por tu tiempo!

Si queréis conocer más sobre este artista, podéis visitar su página web (pinchar AQUÍ) o disfrutar del pequeño catálogo realizado por el equipo de La Gran. La publicación está disponible tanto en formato virtual (descarga online AQUÍ) como en formato físico, y en ella podéis leer una conversación entre el artista y la historiadora Susi Blas. ¡Muy recomendable!

lunes, 23 de noviembre de 2015

Entrevista a… la artista Clara Sánchez Sala

La reconocida revista de decoración AD publicó, en su edición de noviembre, un artículo sobre artistas jovenes con mucho talento. Entre ellos se encontraba la creadora alicantina Clara Sánchez Sala (1987) que, a pesar de su juventud, tiene ya gran experiencia y formación. 

Personalmente conozco su trabajo desde hace un tiempo y siempre me ha gustado. Suele mezclar realidad y ficción, ciencia y sueños, cartografía e imaginación… creando un estilo muy atractivo y enamoradizo. 

Tras mucho tiempo detrás de ella, hoy por fin he podido publicar una pequeña entrevista en donde la propia Clara nos explica sus ideas, sus proyectos y sus intereses. ¿Os animáis a seguir leyendo?

Clara Sánchez Sala

Para empezar, cuéntanos cuándo nació tu interés por las artes visuales y cómo supiste que el arte era tu vocación.

Creo que siempre he sentido un interés por las artes en general y simplemente tomé la decisión de desarrollar aquello que más me gustaba hacer. Admiro la posibilidad de descubrir nuevos puntos de vista o conexiones con aquellas ideas u objetos que me rodean.

A la hora de trabajar, ¿con qué técnicas o elementos te sientes más cómoda y por qué?

No trabajo con ninguna técnica específicamente, uso los materiales en función de la idea. Lo que realmente me motiva es contar historias y considero que los recursos usados en el proceso de formalización deben estar en concordancia con aquello que se desea transmitir al espectador.

Idea innata

Es evidente tu interés por la cartografía y el paisaje, dos temas muy recurrentes en tus obras. ¿Qué es lo que más te atrae de estos elementos?

En la actualidad se aprecia un creciente interés acerca del fenómeno espacial. No operamos sobre la observación directa del espacio terrestre, sino sobre una proyección de la realidad, basada en la confrontación con nuestras propias experiencias. La geografía es, según su etimología, la descripción de la Tierra, aunque yo añadiría que el termino griego sugiere que la Tierra es una escritura por descifrar.

Considero que en el mundo contemporáneo, el hombre ya no puede ver la Tierra más que a través de sus cálculos y mediciones. Creo que no hay que olvidar que la ciencia no apunta a la realidad de las cosas, sino a su posibilidad.

Entre tus trabajos me gustaría destacar Grafolitos, posiblemente uno de tus proyectos más poéticos. ¿Qué hay detrás de esta obra?

El proyecto Grafolitos aborda una reflexión sobre la intangibilidad del generalizado nuevo soporte virtual. La piedra es perdurable, pero no únicamente en el sentido de su gran resistencia al inevitable desgaste que el paso del tiempo ocasiona, sino también porque su antigüedad es del orden de lo que siempre ha existido. La piedra procede de un pasado que nunca ha sido presente.

Grafolitos

En la actualidad podemos escribir sobre un soporte no material, intangible, invisible, un soporte virtual, que actúa, a su vez simultáneamente, codificando nuestra lengua y transformando nuestro propio lenguaje en otro. Escribir sobre algo sensible a las condiciones atmosféricas, en un momento en el que la palabra escrita ”viaja” de una manera virtual y fugaz, se manifiesta como una reacción ante este nuevo formato de comunicación digital en el que se “registra” constantemente nuestra historia y nuestra experiencia, y representa una reacción frente a la no materialidad de los lenguajes virtuales.

Grafolitos presenta una instalación que consta de 180 guijarros blancos depositados sobre el espacio. Sobre los guijarros se ha transcrito, uno tras otro, un texto en código binario, El hacedor de Jorge Luis Borges. Así queda planteada la reflexión sobre la palabra, la escritura, la memoria, y nuestra forma de dejar constancia de nuestra experiencia y de nuestra vida a lo largo del tiempo.

La técnica en este caso es una transferencia digital sobre cada pieza, ya que me permitía realizar una conexión directa entre la piedra y el ordenador, un soporte sobre el que hemos escrito y una herramienta que usamos para escribir.

Grafolitos

También quiero destacar la obra Islas utópicas, con la que creas puntos imaginarios en el mapa. ¿Cómo surge este proyecto?

Este proyecto surgió a partir de una noticia que leí por casualidad en un periódico en la que afirmaba que en el 2007 España adoptó un nuevo sistema de referencia geodésico global, sustituyendo el anterior sistema regional y provocando un ligero cambio en las coordenadas anteriores. Este hecho me llamó la atención y decidí acudir al Instituto Geográfico Nacional de Madrid. Comencé a comparar diversos mapas que tenían en la cartoteca y me di cuenta de que las coordenadas habían variado a lo largo de los años o bien por errores del cartógrafo, o simplemente por avances tecnológicos. Por ello ningún punto del mapa específicamente ha tenido siempre las mismas coordenadas a lo largo de la historia. A partir de ahí comencé comparar diversos puntos geográficos anotando la diferencia que existían entre ambos. De esta forma obtenía una nueva coordenada que rastreaba mediante Google Earth. Con las distintas imágenes que realizaba mediante capturas de pantalla generaba una isla ficticia como si de un puzle de trozos de tierra se tratase. Seguidamente generaba un negativo que positivaba mediante cianotipia, ya que esta técnica se usaba antiguamente para copiar planos y, además, por que es azul y recuerda al mar. El resultado son mapas aéreos de islas inventadas que forman un archipiélago fruto de esos errores o re-calculaciones geográficas. Decidí titular el proyecto Islas Utópicas porque etimológicamente U-topos significa no lugar, lugar que no existe.

Islas Utópicas

Islas Utópicas plantea una reflexión acerca de la manera en que construimos nuestra realidad geográfica y cómo el ser humano requiere de una constante exploración y reinvención del mundo.

Islas Utópicas

Islas Utópicas

¿Otros proyectos que tengas ahora en mente?

Siempre trabajo con varias ideas a la vez. Es algo que me gusta porque algunas veces los proyectos se contaminan y realizas nuevas conexiones de las que antes no me había percatado. Actualmente estoy trabajando en varios proyectos que continúan con algunas ideas planteadas en mis últimos trabajos.

Eres todavía muy joven pero ya has participado en festivales y ferias como Getxo Arte, Jäälphoto o Scan. Mirando para atrás, ¿cómo valorarías tu corta trayectoria profesional?

Quiero seguir progresando, aprendiendo y trabajando.

Además has sido elegida por la revista AD como uno de los nuevos talentos a seguir. ¿Sorprendida? ¿Cómo te afecta este tipo de reconocimientos?

Siempre es agradable que se reconozca tu trabajo. Hasta ahora, mi actividad profesional se centra en el arte y mi única pretensión es poder seguir desarrollando nuevos proyectos y disfrutar de ello.

Página de la revista AD

Aprovechamos esta entrevista para preguntarte cómo ves la situación actual de las artes en España. ¿Crees que un artista vivir de su arte?

Creo que vivir exclusivamente del arte es muy difícil y, por otra parte, no estoy segura de quererlo. Estaría atada a muchos condicionantes. Generalmente solemos buscarnos otro trabajo que nos aporte alguna estabilidad económica y nos deje tiempo para desarrollar nuestra obra.

En cuanto a la situación actual de las artes en España, considero que hay muy buenos artistas y gente muy preparada en el sector artístico de nuestro país. Sin embargo, para gran parte de los españoles, el arte es un mundo desconocido. Pienso que la educación es un pilar importante si queremos mejorar en este aspecto y llegar a un público más amplio. Ello también ayudaría no solamente a generar más público nacional, sino también a expandir la escena artística española más allá de nuestras fronteras ya que, cuanta mayor comprensión generemos, más confianza tendríamos en nosotros mismos. Es imprescindible defender mucho más lo nuestro, apostar con firmeza por la construcción de un nuevo contexto actuando de manera cooperativa en ello.

Y por último, contéstanos de forma rápida:

Un libro: Escribir de Marguerite Duras.
Una película: te puedo decir dos directores - Tarkovski y Dreyer.
Una canción: no sabría decir. Hay muchas que me gustan. Hace poco estaba escuchando Angus & Julia Stone.
Un artista: ahora mismo pienso en Gordon Matta Clark, pero tampoco sabría quedarme solo con uno.
Un museo o centro cultural: Kunstmuseum Basel.
Una ciudad: tres ciudades - Cuenca, Alicante y Madrid.
Un recuerdo: las maquetas de barcos de mi padre.

¡Muchas gracias Clara!
Si queréis conocer más cosas sobre esta artista, os recomiendo visitar 
su página web pinchando AQUÍ.

lunes, 16 de noviembre de 2015

Fotolibro `Lurra´ de Irene Cruz

El pasado viernes se presentó, en el espacio madrileño Nave 73, el último proyecto de la artista Irene Cruz. Se trata de Lurra, un fotolibro creado en colaboración con la ilustradora María JL Hierro y el poeta, fotógrafo y performer Juan Yuste

Este proyecto editorial está compuesto por una serie de fotografías que mantienen el aire onírico y casi surrealista tan característico en los trabajos de Cruz. Esas imágenes, tomadas en los bosques bilbaínos, muestran al público la relación tan bucólica entre el hombre y la naturaleza, la realidad y los sueños, la memoria y el presente. Una obra digna de disfrutar. 

Os presento hoy una pequeña entrevista realizada a la propia Irene Cruz en la que nos cuenta sus ideas, inspiraciones e intereses en relación con su cuarto fotolibro. ¿Qué os parece?


A parte de fotografías y videos, también has creado varios fotolibros a lo largo de tu carrera. ¿Qué te llama la atención de este medio?

A mi parecer, el fotolibro se ha convertido en una pieza muy interesante para el artista a la hora de mostrar su obra. Adquirirlos suele ser más fácil que otro tipo de obras, ya que su precio no suele ser tan elevado. Y es otra manera de trabajar: hay que tener en cuenta las dimensiones, la cantidad de opciones que hay en cuanto a papel y diseños, cómo distribuir las páginas, si se combina con textos u otras disciplinas, etc.

Además, es un formato que normalmente llega a otros públicos, que no son solo estrictamente del mundo del arte. Desde mi propia experiencia, lo que me parece más interesante es crear sinergias con otros artistas: poetas, ilustradores, collagistas, diseñadores gráficos... como ha sido el caso de mi última pieza, Lurra.

¿Crees que los fotolibros han conseguido tener ya cierto estatus o todavía son piezas infravaloradas dentro del mundo del arte?

Creo que es un medio que ahora mismo está (por decirlo de alguna manera) muy de moda: cada vez son más los fotógrafos que se atreven y apuestan por este formato. Poco a poco va ganando protagonismo como pieza de arte, pero hay que seguir trabajando.

Acabas de presentar tu última pieza, Lurra. Cuéntanos que hay detrás de este proyecto y de dónde surge su nombre.

Detrás de este proyecto había sobre todo unas ganas inmensas de trabajar con dos personas que admiro y sigo muchísimo: la ilustradora María JL Hierro y el artista multidisciplinar Juan Yuste.

En cuanto al título, me remito a las palabras de Juan Yuste, ya que él fue el que bautizó nuestro fotolibro:

"Lurra significa tierra en euskera.
La materia de la que la tierra está hecha.
El mismo planeta.
El suelo.
Lurra es aquello que se resiste a la civilización. Es lo salvaje.
La certeza de que venimos de algo, de nuestro origen, de nuestro suelo. Saber que las raíces que son nuestros pies necesitan ese contacto gravitatorio.
Lurra es la sensación de como nuestro principio puede marcarnos.” 


¿Cómo ha sido trabajar con Juan y María? ¿Qué destacarías de ellos?

Ha sido todo un placer, aunque la mayoría de las fotografías las realizábamos a las 6 de la mañana por los bosques vascos y era un esfuerzo bastante grande levantarnos todos los días a esas horas (¡todo por la luz perfecta!).

De Juan destaco su "multidisciplinariedad". Él es el artista más completo que conozco, muy interesante. Trabajar con él en este proyecto ha sido un (re)descubrimiento. Es una persona con muchísimo que decir, con la que es fácil conectar y súper trabajador.

A María llevaba tiempo siguiéndola por Instagram. Es una gran artista y aún más gran persona. Dentro de su conceptualidad y sencillez esconde una cantidad de sentimientos y emociones que te envuelven y solo quieres compartir su trabajo para que los demás la descubran. Me parece increíble lo que hace: muchas veces con 4 sencillos trazos es capaz de crear un mundo complejo y reflexivo en el que soñar, divagar y perderse.


Participaras en diciembre en la III edición de LUFT, una feria de arte dedicada al mundo del fotolibro y la edición de arte. ¿Qué supone para ti eventos como este y por qué crees que son necesarios?

Son eventos aún muy minoritarios por desgracia. Aun así son todavía necesarios, ya que contribuyen a que el arte no sea sólo para algunos pocos. LUFT es una feria novedosa, que apuesta por creadores emergentes.

Y por último, cuéntanos qué fotolibro realizado por otro artista te hubiera encantado hacer a ti y por qué.

Ay, no sé cuál elegir. El primero que me ha venido a la cabeza es Everything will be ok de Alberto Lizaralde. Es de mis favoritos. Me encanta la historia, el formato, el diseño, el tacto, la portada de tinta térmica. Es un pequeño gran tesoro en mi biblioteca.


Para más información sobre Lurra, os recomiendo sin duda 
visitar la página web de Irene pinchando AQUÍ.

viernes, 13 de noviembre de 2015

De la A a la Z: dos proyectos literarias

Hace ya cinco años nació la fiesta de las librerías, una iniciativa anual que pretende reivindicar el papel de las librerías como motores de la cultura. Hoy, 13 de noviembre, se celebra su quinta edición bajo el lema Leer es viajar y trae consigo un programa repleto de actividades y descuentos especiales.

Este blog ha querido unirse a la celebración publicitando dos proyectos interesantísimos creados con pocos recursos pero mucha ilusión. Aunque ninguno de ellos ha sido creado especificamente para esta ocasión, creo que son iniciativas fundamentales para fomentar la lectura y aumentar el número de fanáticos de la palabra escrita… dos objetivos que, de forma indirecta, ayudarían a aumentar la venta de libros. 

Quiero empezar nuestro recorrido nombrando a Kike Cherta y Víctor García Antón, dos escritores que se han propuesto el reto de escribir un relato breve cada día durante 12 meses. Sus textos se publican diariamente en la página web Cuentos como churros y han conseguido recopilar hasta la fecha centenares de entradas.

Uno de los puntos más interesantes de este proyecto es que ambos escritores, que se autodefinen como "churreros", han querido involucrar a los propios lectores en la creación de los textos: invitan a los clientes a que manden el ingrediente inicial (una foto, una canción, un video, etc.) y ellos se basan en esos elementos para "cocinar" una receta literaria original. Una forma estupenda para bajar a la literatura del pedestal en el que está subida e invitar a los espectadores a convertirse también en parte activa del proceso creativo.


En segundo lugar quiero mencionar un proyecto colaborativo que conocí gracias al blog No me toques las helvéticas. Esta iniciativa, titulada Shortédition, nació en Grenoble y se creo con la intención de entretener a las personas que tenían que pasar por largos momentos de espera (colas en administraciones, trayectos en transportes públicos, etc.).

El proyecto funciona de forma sencilla. Se instalan unas máquinas expendedoras en lugares específicos y estas ofrecen textos y relatos adaptados al tiempo de espera que tengamos, entre uno y cinco minutos. Los textos salen de la maquina en forma de ticket de compra mensual, un formato que permite la lectura y nos anima a descurbir nuevas historias.

¿Pero quién escribe esos textos? Se ha creado una plataforma abierta donde cualquier persona puede participar, subiendo su cuento, poema o relato corto. Una iniciativa colaborativa que conecta de forma sorprendente a escritores y lectores potenciales.



Estas dos propuestas muestran otras formas de acercarse al público y consiguen sacar, con éxito, los libros fuera de los lugares tradicionales de distribución (bibliotecas, librerías, etc.). A mi personalmente me apasionan ambas ideas a partes iguales… ¿Y a vosotros?