viernes, 31 de octubre de 2014

Open Studios 2014: entrevista a... Susana Sanromán

Hace un par de días publique un post en el cual os mostraba Balloon Bash, una instalación que daba ganas de olvidarse de todo y jugar. No he querido dejar pasar más tiempo sin entrevistar a la mente creativa detrás de esta pieza, la artista española Susana Sanromán. 

A lo largo de las siguientes líneas, esta gallega nos habla de su trabajo, de sus ideas y de su participación en Open Studios 2014, un proyecto que  se celebrará a principios de noviembre en Londres dentro del festival Spain NOW! Leed y disfrutad. 

Hola Susana. Para comenzar me gustaría comentar que trabajas mucho con fotografía e instalaciones. ¿Qué elementos te atraen de estos dos medios?

Como artista visual intento no limitarme a ningún medio en específico. Creo que en cualquier práctica es importante la evolución y la experimentación, por lo que estoy siempre abierta a nuevos retos.

Mi trayectoria artística empezó con la fotografía. Estudie en Londres en el London College of Communication y, cuando termine, asistí al renombrado artista Tom Hunter. Aprendí mucho de él y, aunque nuestras prácticas son muy diferentes, su entusiasmo, profesionalidad y genialidad me inspiraron a buscar mi propio estilo.

La fotografía es un medio en el que me siento cómoda. Soy una persona esencialmente visual y mi proceso creativo siempre surge de forma más o menos consciente con series de imágenes. La imagen es mi forma innata e intuitiva de comunicarme y la fotografía me permite plasmar conceptos de formas diversas. Aun así, a veces necesito romper la limitación de las dos dimensiones y por eso me embarque en la  instalación. Esta es menos limitada y  me permite interactuar con el espacio y la audiencia de forma diferente.

¿Qué artistas y elementos te inspiran a la hora de trabajar?

Entre mis artistas favoritos están:
  • Ana Mendieta, por su gran sensibilidad, calidad performativa del trabajo, y asimilación de los rituales  asociados a la madre tierra.
  • Frida Khalo, por su imaginación sin límites, su sinceridad y valentía, y la profundidad de su trabajo.
  • FrancescaWoodman, por su narrativa poética e imágenes recubiertas de un halo de ensoñación.
  • Y los directores de cine Ingmar Bergman y Buñuel, por sus películas llenas de metáforas, surrealismo, psicología y un existencialismo que nos revuelve las entrañas y nos hace en cierto modo escupir ideas.
Para mí la inspiración puede venir en realidad de las cosas más triviales. Es una cuestión de observar un poco con ojos de niño y explorar ideas. Siempre encuentro inspiración cuando menos lo espero y muchas veces ocurre cuando acabas de trabajar, te relajas en el bus y el tren, y en medio de esa desconexión de pronto las imágenes y las ideas surgen. Es la hora mágica.

Uno de los proyectos que destacaría de tu portafolio es tu instalación Ballon bash. ¿Cómo surgió este proyecto?

Tuve la increíble oportunidad de colaborar con Shunt Lounge en su último año, para mi el sitio mas icónico y 'underground' que Londres ha tenido en los últimos 10 años. Cada semana uno de los comisarios organizaba un evento con 100 artistas, desde músicos, acróbatas,  artistas visuales, bailarinas o artistas plásticos, alrededor de un tema.

Una de las semanas los 50.000 metros cuadrados se convertirían en un  gran circo. Me propusieran hacer una instalación y decidí hacer un homenaje a la infancia y a las primeras sensaciones relacionadas con el juego, esas sensaciones que nos acompañaran en la edad adulta y vejez. Decidí usar el patio de recreo como el centro de la pieza. Quería que la audiencia se olvidara por unos minutos de todas las obligaciones y preocupaciones diarias. La idea era estimular esos primeros recuerdos para transportarnos a un pasado lejano libre de ataduras.

Cree una habitación e introduje en ella 2.000 globos. La parte superior estaba formada por 1.000 globos llenos de helio bajo una inmensa lámpara, que representaba un mar de nubes, y el suelo estaba lleno de globos con oxigeno. Unos cuantos globos contenían una mezcla de ambos gases, por lo que se mantenían a medio flotar... Sólo faltaba música de circo, un mimo y una bombona gigante de helio.

El segundo día, a medianoche, la audiencia tenía permiso para entrar y hacer lo que quisiera. En menos de 10 minutos no quedaba un globo en pie, pero sentí como si todos ellos hubieran por un breve momento vuelto a su infancia.


Balloon bash. © La artista

También quiero mencionar el proyecto fotográfico The things we leave behind. Háblanos sobre él.

The things we leave behind es  un proyecto que reflexiona sobre el impacto del efecto acumulativo de la continua producción de bienes en nuestro medio. Mi intención era mostrar escenarios reales donde se han producido acumulación de desechos al igual que el abandono paulatino de industrias que ya no viables.

En las imágenes utilizo la imagen de la momia creando un discurso meramente figurativo, convirtiéndola en un significante anónimo, sugiriendo la presencia humana y de la sociedad, como fuerzas catalizadoras del entorno que observamos. La momia, al igual que el paisaje representado, tiende a evocar conceptos tales como la muerte, la devastación, el abandono, la degradación y la transformación. Es un proyecto que aún está en curso y terminaré seguramente en la primavera del 2015.


The things we leave behind. © La artista

Otro de tus proyectos es Chrysalis, una serie de fotografías que me atraen por su sencillez y, al mismo tiempo, por los misterios que esconden. ¿Qué pretendes mostrar con esta obra?

Curiosamente Chrysalis es uno de mis proyectos más antiguos, en el que exploro conceptos como el proceso, la transformación y la metamorfosis. A nivel figurativo la obra aborda una idea dual: el de la momia y la crisálida.

La momia:
Siempre he sentido fascinación por las civilizaciones antiguas y sus diferentes rituales, en particular los de la cultura egipcia: desde las ofrendas de la casa de la vida a la preparación al más allá en la casa de muerte. La obra está inspirada en algunas de esas ideas. Utilizo la idea de la momia como metáfora de transformación, como el recipiente y el medio entre la vida y la muerte. La muerte la transformación última, el último reto.

La  crisálida:
La palabra metamorfosis viene de la palabra griega que significa transformación. Esto es, sin duda, por lo que atraviesa una mariposa al avanzar de etapa en etapa para finalmente convertirse en adulta. Un proceso complicado y que, una vez culminado, algunas de las especias no sobrevira la mera semana, tiempo suficiente para la reproducción.

En mis últimos dos trabajos, The things we leave behind y Essence-Presence, reviso conceptos e ideas que surgen con Chrysalis.


Chrysalis. © La artista

Este año participas en una nueva edición de Open Studios ¿Qué te animó a participar en un evento como éste?

Ya había participado el año pasado y me escribieron para ver si quería hacerlo este año de nuevo. Spain NOW! es una gran muestra tanto de arte como de diferentes aspectos culturales de nuestro país. Es una oportunidad perfecta para mostrar mi trabajo, por lo que estoy muy contenta de volver a participar.

Al mismo tiempo que Open Studios, presento una exposición individual en Hanmi Gallery que estará abierta el 7, 8 y 9 de noviembre y en ella mostraré mi trabajo más reciente, Essence-Presence. También participo en una charla con la artista María José Arceo (Art, Environment and things from you & Me) el domingo 9 de noviembre en la misma galería.

¿Alguna sorpresa que podamos ver durante ese fin de semana?

El fin de semana del 7,8 y 9 de noviembre os invito:
  • Día 7 de Noviembre: mi exposición  Essence-Presence en Hanmi Gallery.
  • Día 8 de Noviembre: mi  trabajo Nazarenos  se mostrará en Mumbai en la exposición God.
  • Día 9 de Noviembre: charla Art, Environment and things from you & Me con la artista María José Arceo en Hanmi Gallery. 
También os recomiendo para el fin de semana:

La exposicion de Gemma Pardo en colaboración con Sungfeel Yun.
Networked Bodies - Digital Performance Weekender.
London Alternative Photography Collective, November Meeting.

¿Qué otros planes tienes ahora en mente?

Continuar con los proyectos Presence-Essence y The things we leave behind. Me gustaría que estuvieran terminados para la primavera próxima y centrarme en exhibir la obra durante el 2015
Una vez terminados, empezare un  nuevo proyecto bastante ambicioso sobre genero, orientación sexual y sexo que se llamará Trans-xy, pero aún no puedo comentar mucho sobre él.

Y, para terminar, ¿qué otros artistas nos recomendarías seguir?

Monica Elkelv, María José Arceo , Kimatica, Lorenzo Belenguer y Monica Mendez Aneiros.

Para más información sobre Sanromán, os recomiendo visitar su página web pinchando AQUÍ

miércoles, 29 de octubre de 2014

La instalación `Balloon Bash´

Hay obras que seducen, atraen, conquistan nada más conocerlas. Una de ellas es Balloon Bash, creada por la artista española Susana Sanromán.

Esta obra es una instalación de carácter recreacional que consiste en una habitación sellada llena de globos con música circense de fondo: la capa superior simula un cielo de nubes blancas, mientras la capa inferior hace referencia a un patio de recreo.








Tengo la sensación de que la artista quiere que nosotros, los espectadores, recordemos nuestra infancia, aquella época de la vida en la que no teníamos preocupaciones, en la que veíamos el mundo con curiosidad e inocencia. La artista presenta su particular homenaje a la ingenuidad, a la sencillez y al juego, elementos tan característicos de los niños.... Me gusta la idea y me encanta el resultado. Aplausos.

lunes, 27 de octubre de 2014

La agenda revuelta: del 26 de octubre al 2 de noviembre

Os presento LA AGENDA REVUELTA con mis recomendaciones para los próximos siete días. ¡Quiero vuestras opiniones!

Timothy Hyunsoo Lee

EXPOSICIONES

Exposición Doubled-Sided de Timothy Hyunsoo Lee.
Lugar: galería Sabrina Amrani, Madrid.
Fechas: del 29 de octubre al 29 de noviembre.
Más información AQUÍ

Exposición In High Fashion, The Condé Nast Years 1923-1937
de Edward Steichen.
Lugar: The Photographers´ Gallery, Londres.
Fechas: del 31 de octubre al 18 de enero.
Más información AQUÍ

Exposición Cartografías de Anna Bella Geiger.
Lugar: galería NogueraBlanchard, Barcelona.
Fechas: hasta el 6 de noviembre
Más información AQUÍ

Exposición Beware Wet Paint.
Lugar: Institute of Contemporary Arts (ICA), Londres.
Fechas: hasta el 16 de noviembre.
Más información AQUÍ

Exposición Toma de Tierra de Ariel Mendizábal.
Lugar: galería Carreras Múgica, Bilbao.
Fechas: hasta el 20 de noviembre.
Más información AQUÍ

Exposición Llega un grito a través del cielo.
Lugar: LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón.
Fechas: hasta el 8 de marzo.
Más información AQUÍ.

CURSOS Y CONFERENCIAS

Conferencia Future of the City: Grassroots Perspectives.
Lugar: 29 de octubre.
Fecha: Tate Modern, Londres.
Más información AQUÍ

Conferencia Art galleries should be more like newspapers 
por Bob y Roberta Smith.
Lugar: Tate Liverpool.
Fecha: 29 de octubre.
Más información AQUÍ

Conversación entre Soledad Lorenzo y Antonio San José.
Lugar: Fundación Juan March, Madrid.
Fecha: 31 de octubre. 
Más información AQUÍ.

Curso Introducing Art Nouveau Glass.
Lugar: Victoria and Albert Museum, Londres.
Fecha: 1 de noviembre.
Más información AQUÍ

OTROS EVENTOS

London International Animation Festival.
Lugar: Londres.
Fechas: hasta el 2 de noviembre.
Más información AQUÍ

martes, 21 de octubre de 2014

Entrevista al artista Ernesto Cánovas

La semana pasada el artista español Ernesto Cánovas inauguró una nueva exposición en la Halcyon Gallery, situada en el céntrico distrito de Mayfair (Londres). Hablamos con él para que nos cuente sus sensaciones, ideas y planes futuros. 



Naciste en Barcelona pero te has educado en Edimburgo y Londres. ¿Por qué elegiste estas ciudades para formarte y cómo ha influido tu educación en tu proceso creativo?

Ir a la escuela de arte en Edimburgo fue totalmente accidental: vivía a 5 minutos de la escuela y empecé haciendo cursos nocturnos, aunque luego ya decidí estudiar la carrera (BA on Painting and drawing). Por otro lado, Londres me pareció la mejor alternativa para estudiar un master.

Las influencias creativas en la escuela supongo que se adquieren de la gente que tengas alrededor, como estudiantes y profesores, con los que simpatices en el campo creativo.

Actualmente vives en la capital británica. ¿Qué es lo que te atrajo de esta ciudad para quedarte?

Londres es una ciudad puntera en el mundo del arte y después de haber estudiado aquí fue una elección natural intentar empezar my carrera profesional en la capital británica.

¿Cómo ves el panorama artístico británico en comparación con el español?

La verdad es que estoy un poco desconectado del mundo del arte en España. Es verdad que en este momento tengo una exposición en Valencia, pero nunca había expuesto anteriormente.

Hay una gran comunidad de artistas españoles en el Reino Unido y algunos de ellos están volviendo a España para continuar su carrera. Supongo que eso quiere decir que el panorama español está mejorando…

Centrándonos en tu trabajo, ¿cómo suele ser tu proceso creativo? 

No tengo una fórmula exacta para mi proceso creativo. Soy un poco caótico a la hora de trabajar: puede ser que de una idea surja una imagen o todo lo contrario, que a partir de una imagen evolucione una idea. Nunca se sabe.

Y ¿cómo definirías tu estilo?

El estilo de uno mismo es muy difícil de definir. ¡Yo prefiero que de eso se encargue algún otro! :)

Acabas de inaugurar tu exposición llamada Turneresque. ¿Qué pueden encontrar los espectadores en esta muestra?

Turneresque es una muestra que consta tan sólo de 8 piezas abstractas inspiradas en fragmentos de los cielos de las pinturas de Turner.


¿Por qué te interesan Turner y otros pintores románticos?

Yo siempre he considerado a Turner el pionero del arte expresionismo. La manera en que reproduce ciertos paisajes es totalmente abstracta y eso siempre me ha fascinado.

¿Qué otros proyectos tienes ahora en mente?

En este momento estoy trabajando en una serie que hacía tiempo que tenía en mente. En principio la temática está centrada en acciones y consecuencias, pero acabo de empezar y puede que la idea tome otra dirección con el tiempo. Todo es parte del proceso creativo que te comentaba anteriormente… Nunca se sabe.

Y por último, ¿alguna sugerencia o consejo para aquellos que se acaban de licenciar y quieren desarrollar una carrera creativa?

Como dicen aquí, “Never give up!”. También recomiendo ser sincero con uno mismo. No vale la pena engañarse o intentar ser otro artista que no eres.



Exposición: 
Turneresque.

Fechas: 
Hasta el 25 de octubre. 

Lugar: 
Halcyon Gallery.

Dirección: 
144-146 New Bond Street, Londres, W1S 2PF.

Más información pinchando AQUÍ

lunes, 20 de octubre de 2014

La agenda revuelta: del 20 al 26 de octubre

Nueva semana, nuevo capítulo de LA AGENDA REVUELTA. Aquí os presento una serie de eventos que podéis disfrutar durante los próximos siete días. ¿Qué os parecen?

Daniel Canogar, CCTV (2014).

EXPOSICIONES

Exposición El paisaje como narración contemporánea. La colección Alcobendas.
Lugar: Sala de Arte El Brocense, Cáceres.
Fechas: del 24 de octubre al 22 de noviembre
Más información AQUÍ.

Exposición Small Data de Daniel Canogar.
Lugar: galería Max Estrella, Madrid. 
Fechas: hasta el 4 de noviembre.
Más información AQUÍ.  

Exposición Democracia.
Lugar: galería ADN, Barcelona.
Fechas: hasta el 11 de noviembre.
Más información AQUÍ

Exposición My hotel rooms de Pablo Martínez Muñiz.
Lugar: Fundación FIArt, Madrid.
Fechas: hasta el 21 de noviembre.
Más información AQUÍ

Exposición Manera Negra de José Pedro Croft.
Lugar: galería La Caja Negra, Madrid.
Fechas: hasta el 22 de noviembre. 
Más información AQUÍ

CURSOS Y CONFERENCIAS

IV Conferencia anual de Marketing de las Artes
Lugar: Museo Lázaro Galdiano, Madrid. 
Fechas: 20 y 21 de octubre.
Más información AQUÍ

Taller Significados de la imagen.
Lugar: Escuela de Bellas Artes de Cáceres.
Fechas: 25 y 26 de octubre. 
Más información AQUÍ

Curso de Museología y Gestión de Museos.
Lugar: Centro de cultura La Violeta de Gràcia, Barcelona. 
Fechas: del 22 al 31 de octubre.
Más información AQUÍ

FESTIVALES Y OTROS EVENTOS

Open Studio Cáceres.
Lugar: Cáceres.
Fechas: 24 y 25 de octubre. 
Más información AQUÍ

Festival internacional de fotografía Scan.
Lugar: Tarragona.
Fechas: hasta el 21 de diciembre. 
Más información AQUÍ

miércoles, 15 de octubre de 2014

Estampa 2014: entrevista a… Marta Álvarez y Pedro Gallego de Lerma, equipo de La Gran

Como ya muchos sabréis, la última edición de la feria Estampa cerró sus puertas el pasado domingo 12 de octubre. Uno de las compañías que participaron en la feria fue La Gran, una editora de arte nacida en 2011 que busca acercar a un público amplio el trabajo y la reflexión de artistas destacados. 

A pesar de que ya han pasado varios días desde el cierre de la feria, quiero aprovechar esta día para publicar una entrevista realizada a Marta Álvarez y Pedro Gallego de Lerma, equipo detrás de La Gran. ¡Espero que os guste!


Para empezar, ¿por qué habéis participado en Estampa este año?

Participamos porque, de la misma forma que hace tres años presentamos aquí el proyecto de edición de objetos de La Gran, ahora queremos mostrar por dónde queremos que éste proyecto evolucione. Hemos traído obras de alguno de los artistas con los que vamos a trabajar en un futuro y hemos querido presentar nuestra nueva forma de trabajo. 

¿Qué valoráis de esta feria?

Es una feria en la que nos sentimos cómodos por el formato de las propuestas de la mayoría de galerías y en la que podemos hacer un cierto trabajo de divulgación, pues las cosas no se dan por supuestas como en otras. Además sentimos un cariño especial por ella y una cierta deuda por cómo siempre se nos ha tratado. 


© Marina Núñez

Habéis presentado obras de Marina Núñez, Enrique Marty, Elisa Terroba y Laura Salguero. ¿Por qué ellos?

Básicamente por tres motivos: 

El primero, obviamente, porque nos interesa mucho su trabajo, tanto formal como conceptualmente. Su imaginario y sus ideas coinciden en mucho con las nuestras y nos costaría defender el trabajo de alguien con quien no sintiéramos afinidad intelectual.


El segundo porque nos parece que son grandes profesionales que tienen claro lo que quieren y trabajan con una constancia y dedicación que admiramos. De Enrique y de Marina lo sabíamos hace tiempo, y es de dominio público. Pero esta seriedad y profesionalidad también la reconocemos en Laura Salguero y Elisa Terroba, las más jóvenes. Y la estamos descubriendo en Laura Piñeiro, una artista por la que también apostamos convencidos de su rigor y buen trabajo.

Y el tercer motivo, no vamos a negarlo, es la afinidad personal: creemos que es importantísimo trabajar con personas con la que nos sentimos verdaderamente cómodos también en el ámbito privado, y que incluso son o pueden llegar a ser nuestros amigos cercanos.
© Enrique Marty

¿Cómo definirías a cada uno de estos cuatro artistas en tan sólo unas líneas?

Marina Núñez es una intelectual que tiene las ideas muy claras y quiere transmitirlas con su trabajo. Está convencida de que el arte es un arma que puede cambiar nuestra forma de ver el mundo.

Enrique Marty es un agitador fascinado por el exceso y la crueldad que utiliza, como acaba de reconocer, con una clara finalidad política: "desmontar y hacer añicos de forma inmisericorde esta sociedad”. Y a la vista de su inconmensurable capacidad de trabajo seguro que lo consigue.

Laura Salguero es una teratóloga y una científica contemporánea que analiza, clasifica y descompone a los seres, generando todo un imaginario personal, que no es sino su forma de acercarse al mundo en un intento por dominarlo.

Elisa Terroba es una artista conceptual cuya materia prima es el discurso y su soporte: el libro. Los trabaja en su carácter analógico y objetual y reflexiona sobre los cambios propios de nuestra era digital, repensando sus riesgos y ventajas.

© Elisa Terroba

¿Creéis que estos artistas comparten alguna línea en común?

Probablemente los que más puntos en común tienen sean Marina Núñez, Enrique Marty y Laura Salguero ya que los tres trabajan con lo monstruoso, lo oculto, lo escondido y rechazado. Decía Marty recientemente en una entrevista sobre su exposición en el Museo Lázaro Galdiano que él muestra la crueldad que hay en nosotros, un interés compartido por Salguero. Ellos, como Marina, investigan sobre aquello inconsciente que hay en nosotros y le hacen hablar para conocernos y para salvar las censuras sociales 

¿Qué otros proyecto(s) o iniciativa(s) tenéis en mente para el futuro?

Estampa es nuestra nueva presentación. En el último año hemos realizado diversos proyectos de comisariado y de desarrollo cultural que han reforzado nuestras ganas de trabajar de forma permanente, además de con ediciones de arte con obra original que refuerce nuestro discurso. Así pues, nuestro plan es afianzar la difusión del objeto de artista y alimentar la de la obra en formato tradicional de modo que, en un futuro –esperamos que cercano– podamos abrir un espacio híbrido semejante a una galería que nos facilite un acercamiento mayor a ese “público amplio" del que siempre hablamos.

© Laura Piñeiro

Para más información sobre La Gran, podéis visitar su página web pinchando AQUI.

martes, 14 de octubre de 2014

Entrevista a … la artista Alicia Framis

Artículo publicado en LAblog, blog de bloggers de LABoral.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial inauguró el pasado viernes una nueva exposición en sus salas llamada Llega un grito a través del cielo. Comisariada por Juha van ´t Zelfde (director artístico de Lighthouse), esta muestra explora el impacto de la tecnología de los drones en las guerras actuales. A través de las obras de 12 artistas contemporáneos, se quiere reflexionar en particular sobre el impacto, la amenaza, el terror o el miedo surgido por unos conflictos armados y una tecnología militar que han afectado nuestro día a día.
Entre los artistas participantes podemos nombrar a James Bridle, Laurent Grasso, Roger Hiorns, Silvia Maglioni, Martha Rosler o Roman Signer. Pero sobre todo debemos destacar a la española Alicia Framis, una artista multidisciplinar que combina en su obra arquitectura, diseño, moda y performance.
Nacida en Barcelona en 1967, Framis se licenció en Bellas Artes en la Facultad de Sant Jordi de la Universidad de Barcelona y la Escuela de Bellas Artes de París. Más tarde realizó estudios de postgrados en el Institut d´Hautes Etudes de Paris y en la Rijiksakademia van beelde Kunstende de Ámsterdam, y desde entonces no ha parado de viajar residiendo por temporadas largas en diferentes ciudades europeas. Durante su carrera artística ha desarrollado una serie de trabajos que tienen un gran componente social y que reflexionan sobre diferentes aspectos de la existencia humana en el mundo urbano contemporáneo. Mientras que algunos especialistas definen su obra como "arte social" o "new performance art", ella subraya su necesidad de crear con una frase contundente: "A mí crear me da ganas de seguir viviendo" (1).
Con la intención de profundizar más en su trabajo, os quiero presentar una entrevista realizada a Framis a raíz de su participación en la exposición de LABoral. Espero que os guste y os ayude a conocer más a fondo a esta artista. ¡Disfrutad!

Alicia Framis
Para empezar, tu trabajo está muy centrado en la realización de performances e intervenciones públicas en las cuales se implica a los espectadores de alguna u otra forma. ¿Por qué crees que es tan importante la relación activa del espectador con el arte?
Porque el arte es para la gente. Vengo de una generación que creíamos (y aún creemos) que el arte no es sólo un objeto de valor, sino una herramienta para que la gente se junte, hable, se informe, intercambie ideas, etc… También sirve para resistir a lo que pasa hoy en día y, sobre todo, para crear nuevas posibilidades de vivir juntos.
Además, la experiencia del arte no tiene porque ser sólo visual y en ella se pueden incluir todos nuestros sentidos, como sucede en la vida misma. En nuestro día a día no sólo vemos, sino que vivimos… y vivir, como el arte, es una experiencia total.
Muchas de tus obras parecen presentar soluciones a problemáticas sociales. Tan sólo hay que recordar tu trabajo La habitación del grito con el cual pretendías encontrar una manera de desahogar la ansiedad y la frustración de los espectadores. ¿Crees que el arte es eficaz a la hora de canalizar y solucionar problemas actuales?
Si, lo pienso… Y creo, además, que cambiar la vida de una sola persona es ya un éxito.
Creo realmente que el arte es un pensamiento avanzado de la sociedad, es hablar de lo invisible, es hablar desde la libertad. Por eso creo que el arte, al igual que el cine, la escritura, la danza, la música o la arquitectura, cambia las sociedades y la manera de relacionarse.
En 2008 presentaste una obra llamada Guatanamo Museum, un hipotético museo en el lugar donde se encuentra actualmente la base estadounidense para conmemorar el horror de un capítulo de la historia todavía demasiado presente. ¿Cómo surge la idea para esta obra?
Elmgreen & Dragset encargó a varios artistas trabajar sobre la idea de Guantánamo. Yo propuse esta obra porque creo que siempre hay que crear espacios que nos hagan recordar el horror. Si exterminamos toda memoria del horror, volveremos a repetir nuestra historia.
Aunque no nos guste el museo del Holocausto, creo que está muy bien que existan espacios para nuestros propios fallos, masacres o fracasos. Si no recordáramos ese pasado, iríamos hacia una sociedad perfeccionista en la que cualquier persona disminuida, con enfermedades o vieja sería abolida....
Por todo ello decidí hacer un museo hipotético de Guantánamo. Aunque no se pudiera visitar, creo que hay que dejar espacio para la memoria.
Participas en la exposición Llega un grito a través del cielo, inaugurada hace tan sólo unos días. ¿Cómo definirías esta muestra?
 Creo que esta exposición es la primera de este comisario holandés-finlandés, Juha van ´t Zelfte, en España. Es especialista en nuevas tecnologías, arte, futuro y música, y es uno de los comisarios más punteros en este momento en Europa.
Esta exposición es, sobre todo, para la gente joven y creo que será muy comentada. Juha y Oskar Abril pueden ser un dúo increíble. ¡No se pierdan esta muestra!
Este proyecto expositivo se centra fundamentalmente en el impacto y el terror generados por los conflictos armados en los que se emplean drones. ¿Cómo influyen todos los miedos, suspicacias, amenazas y desconfianzas existentes en la sociedad actual en tu actividad artística?
Bueno… creo que todo lo que mencionas ha existido siempre. Por ello considero que la obra que presento ésta vez es un trabajo arqueológico. Creo que el miedo es la falta de fe y la falta de confianza en la sociedad, y sé que en estos momentos cuesta confiar. Aún así tenemos que intentar confiar cada día en nuestros coetáneos porque nosotros somos esa confianza.
¿Qué obra presentas en está exposición?
He reproducido el primer drone de la historia, que fue una paloma con dos cámaras de fotos que se usó en la Primera Guerra Mundial.
¿Qué otros proyectos artísticos tienes ahora en mente?
Estoy preparando habitaciones prohibidas. El próximo noviembre presento en la galería Annet Gelink de Amsterdam una obra llamada Habitación de libros prohibidos, una pequeña habitación en la que puedes leer y comentar los libros prohibidos en la historia. Además podrás saber dónde y por qué se censuraron.
Y por último, ¿qué consejo darías a aquellos jóvenes artistas recién licenciados que pretenden desarrollar una carrera en el sector creativo?
Que se vayan de España. Es bueno buscar lo inconfortable, salir y aprender del mundo. Además les aconsejaría también que se reten cada día y que se unan más que nunca a otros artistas y a profesionales para crear colectivos de pensamiento y acción.
Para terminar os presento el programa monográfico de Metrópolis sobre Alicia Framis que emitió TVE el 18 de mayo. Podéis conocer más de cerca a la artista y su filosofía. 


Notas:

(1) Lidia Martín Arauja, "Vendedores de ideas", S Moda de El País, 1 de abril de 2012. Artículo disponible en: http://smoda.elpais.com/articulos/vendedores-de-ideas/1352