martes, 29 de abril de 2014

Festival de videoarte Pop up Kino

De vez en cuando surgen proyectos que me atrapan aunque apenas conozca detalles de ellos. Algo parecido me ocurrió hace unas semanas cuando Natividad Grund me mando un email en el cual hablaba sobre Pop up Kino, un nuevo evento que varios profesionales están organizando en Berlín. Con la intención de conocer más esta iniciativa, propuse a Nati realizar una pequeña entrevista al equipo detrás de esta locura y todos aceptaron mi propuesta. Tras intercambiar varios emails, aquí os presento el resultado. ¡Disfrutad!


¿Qué es Pop up Kino?

Nati: es un festival de videoarte que va a tener lugar cada mes en la PPC Gallery, espacio localizado en el berlinés barrio de Neukölln. Aun así hemos intentado que la convocatoria sea lo más internacional posible.

¿Quiénes formáis parte del equipo detrás del festival?

Nati: somos un equipo muy variado. En primer lugar está Tania Gomes, directora de arte de la PPC Gallery y, además, periodista de la televisión pública francesa.

También participa Manu Caranza, artista y comisario. Forma parte del colectivo artístico Bonus Extra y gestiona los portales BERLINARTE y CONTEMPORANEAN.  

Yo también formo parte del equipo y soy autora del blog musas20.com. Me considero un híbrido entre las humanidades y las nuevas tecnologías, en las cuales he trabajado durante bastantes años con especial foco en la participación y en la forma de construir comunidades.

Por último, es importante mencionar a Irene Cruz. Fue la artista que expuso en la galería durante el mes de marzo con HABITAT/NATIVE y, gracias a ella, nos dimos cuenta que las videoinstalaciones funcionaron muy bien en el espacio. Nos está ayudando a coordinar, gestionar las redes, diseñar, contactar con media partners y colaboradores, etc.

¿Cómo y cuándo surgió la idea de este proyecto?

Tania:  básicamente surgió porque nos juntamos una serie de artistas a los que nos gusta el vídeo y queríamos buscar un espacio donde poder compartir nuestras creaciones. Nos dimos cuenta de que el lugar no era ningún problema, ya que tenemos las instalaciones de la galería que son perfectas para exponer video.

Queríamos dar visibilidad a este tipo de arte y se nos ocurrió lanzar la convocatoria para que todo el que quisiera compartiera con nosotros sus creaciones y, así, tener la oportunidad de mostrar sus vídeos en una capital como Berlín.

Ya que las exposiciones en la PPC Gallery duran 3 semanas, hemos decidido dedicar la última semana de cada mes a este evento tan enriquecedor para todos. Con esta iniciativa podemos seguir compartiendo arte, que es nuestro fin en definitiva.

Nati: conmigo se puso en contacto hace dos meses Irene Cruz para ver si me interesaba participar. Conocí al resto del equipo y me presentaron la idea. La verdad es que enseguida me involucré bastante en el proyecto porque me pareció muy interesante y enriquecedor.

¿Cuándo se celebrará la primera edición?

Nati: la primera edición será el próximo 31 de mayo, cuando proyectaremos las obras seleccionadas y las de los artistas invitados. Además el público jugará un papel muy importante,  ya que podrá votar su(s) pieza(s) favorita(s) y el ganador recibirá una mención muy especial. Para aquellos que no puedan estar presentes, estaremos twitteando lo que ocurre con el hashtag #popupkinofest.

Irene: además contamos con la colaboración de una plataforma de videoarte llamada Elmur.net. Cada mes tendrán una pequeña sección que será comisariada por alguien distinto.


¿Cómo será el proceso de selección de los artistas?

Nati: la idea es reunirnos para el visionado una vez finalizado el plazo de recepción de solicitudes (el 15 de mayo) y los seleccionados serán contactados a partir del día 20. En esta primera edición el criterio que hemos establecido para participar sólo es la duración de la pieza (8 minutos máximo) y lo demás está abierto a todo aquel que haga vídeos, cortos, videoclips, documentales...  Basaremos la selección para el festival en la calidad de las obras.

Para las primeras jornadas, habéis invitado directamente a Irene Cruz o D Eceolaza a exponer sus obras. ¿Por qué?

Nati: tanto Irene como D Eceolaza se han involucrado desde el principio  en la organización y difusión del festival por lo que decidimos que ellos fueran los que “inaugurarán” el evento. Además ahora mismo son dos artistas jóvenes punteros que residen en Berlín. En las siguientes ediciones también contaremos con otros artistas y comisarios invitados.

Y una pregunta especial: ¿por qué decidisteis concentraros en el videoarte y no en otros medios expresivos?

Nati: creo que el videoarte es uno de los grandes olvidados del arte. El hecho de que no exista un coleccionismo sólido del mismo hace que sean muy poca las galerías que apuestan por éste. Apenas encontramos espacios donde se este exponiendo y es casi inexistente también en las ferias. De ahí la idea del evento.

Tania: es un medio muy actual pero, aún así, echamos de menos lugares en los que realmente se pueda mostrar. Una de las ventajas que tiene el vídeo es que es muy fácil de mover y barato (coste 0 en el envío). Esperamos que, con el tiempo, el evento sea un punto de encuentro para creadores. 

Irene: como medio de expresión me parece muy potente. Yo llevo ya más de un año trabajando y desarrollando mis primeras piezas… De hecho en la exposición de HABITAT/NATIVE el videoarte y la videoinstalación fueron protagonistas. Fue una satisfacción increíble. El videoarte es más interactivo con el público y ¡hay que darle visibilidad!

¿Cómo veis el panorama de videoarte en estos momentos?

Nati: creo que el videoarte es un lenguaje muy actual y que ahora con el auge de internet y de las plataformas de video, ha vuelto a cobrar mucha fuerza. Eso desde el punto creativo, desde el punto de vista expositivo creo que aunque los museos de arte contemporáneo incluyen en sus fondos propuestas, hay poco apoyo a este tipo de arte como comentaba más arriba.

Y para terminar: ¿qué pretendéis conseguir con un festival como este?

Nati: estamos en la primera edición y nuestra idea es, por lo pronto, descubrir nuevos artistas. Además nos gustaría que el festival se convirtiera en un espacio de encuentro entre creadores, comisarios y público para reflexionar sobre el universo del videoarte. Estamos teniendo una muy buena acogida por lo que estamos muy contentos, sobre todo ahora que acabamos de empezar.

Irene: creo que festivales como este ayudan a conocer un medio que queremos potenciar. La idea es que cada vez nos lleguen más propuestas de todos los lugares del mundo y que juntos podamos realizar cada Pop Up Kino en forma de diálogo sin barreras. Como dijimos antes, en esta primera edición no hay realmente un tema, pero en los siguientes, los habrá. Estamos deseando seguir viendo y descubriendo puntos de vista y maneras de contar.

Tania: es un festival sin ánimo de lucro. Tan sólo queremos pasar un buen rato, descubrir nuevos artistas, luchar un poco porque el videoarte encuentre un lugar


Si queréis conocer más este festival o leer las bases de participación, os aconsejo visitar la página web del propio evento pinchando AQUI. Y pasaros por la PPC Gallery si vais a Berlín.

jueves, 24 de abril de 2014

Mis recomendaciones por el Día del Libro

Ayer mismo se celebró en todo el país el Día del Libro y Mario Colleoni, redactor de El Asombrario & Co., escribió en su facebook esta frase:


"En verdad os digo que la manera más revolucionaria de celebrar el Día del Libro es LEYENDO. Mucho comprar, mucho adquirir, mucho regalar, pero LEER sigue siendo el acto más loco y genial que uno puede permitirse. Leed a vosotros mismos o a quien améis, o a quien odiéis incluso, pero LEED (…)."

A pesar de la verdad aplastante de estas líneas, ayer muchos se volvieron locos comprando aquellos libros que no habían adquirido el resto del año y que, seguramente, guardarán en algún cajón antes de abrir la primera página (así de irónico es nuestro país). 

Si uno realmente se para a pensar, no tardará en darse cuenta de que la cultura debe admirarse durante todo el año y este tipo de días no deberían existir. Pero bueno… ya que este tipo de celebraciones pueblan nuestro calendario tendremos que unirnos a ellos si no queremos morir de soledad. Por ello, quiero aprovechar esta semana para recomendar tres libros que os pueden alegrar las tardes de hastío y cansancio. 

Sebastião Salgado: Genesis (editorial Taschen).


Estamos tan absortos viviendo en la civilización urbana y con el desarrollo tecnológico que no sabemos como relacionarnos con la naturaleza, las especies animales o, incluso, los pueblos indígenas. Realmente parece que los hayamos olvidado o borrado de nuestra mente. Sin embargo hay artistas que, de vez en cuando, nos llaman la atención y nos recuerdan que existe un mundo fuera de las fronteras de nuestros barrios.  

El brasileño Sebastião Salgado es uno de estos creadores. Conocido por sus fotografías en blanco y negro, inauguró el pasado 17 de enero una exposición en CaixaForum de Madrid donde muestra las 245 imágenes que componen su proyecto GénesisCon esta iniciativa, el artista ha querido buscar “los orígenes del mundo y del planeta que habitamos” y mostrarnos la majestuosidad de nuestro planeta a través de esos paisajes, animales o personas alejados del mundo moderno que conocemos. Sus obras impactan, sorprenden y atraen. 

Esta serie de fotografías es también la protagonista de un libro publicado por la editorial Taschen y que recomendaría a todos comprar (o pedir como regalo). Aunque es verdad que  tiene poca lectura, hay que reconocer que las imágenes que ilustran sus páginas son dignas de ver (y disfrutar). 

Soledad Lorenzo: una vida de arte (editorial EXITbook).



Todos los años un galerísta de prestigio recibe el Premio Arte y Mecenazgo, un galardón impulsado por La Caixa y dotado con 40.000 euros. La única condición impuesta es que el premiado utilice la cantidad económica recibida para financiar un proyecto concreto que ponga en valor el galerismo español. 

En 2012 dicho premio fue dado a Soledad Lorenzo, la conocida galerista que había cerrado su galería en diciembre de ese año tras 26 años dedicados en cuerpo y alma al arte. Tras varias reflexiones, Lorenzo decidió realizar un libro en el cual hablar sobre su vida, su carrera y la galería a la que dio nombre. Esta publicación, escrita por Antonio Lucas y Mariano Navarro, es una oportunidad de oro para conocer en profundidad a una mujer y a una empresa dedicados a difundir el arte contemporáneo en nuestro país. Y leer esta joya es una bonita forma de despedirnos de una de las pioneras del galerismo español.

Os dejo debajo de estas líneas un video que muestra el acto de presentación de este libro organizado en Madrid:


Conversaciones en Cáceres (Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear Ed).



En mi época de estudiante universitaria estaba demasiado acostumbrada a leer densos estudios filosóficos sobre artistas escritos por teóricos e historiadores…. Algunos de ellos me atrapaban (e, incluso, me entretenían), pero otros muchos me aburrían soberanamente. Y de repente en 2012 apareció esta publicación iluminando las librerías. 

Este libro recoge las entrevistas que Hans Ulrich Obrist (co-director de Exposiciones y Programas y director de Proyectos Internacionales de la Serpentine Gallery de Londres) realizó a varios artistas de prestigio el 4 de junio de 2010 durante la inauguración del Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear. Por fin un libro se olvidaba de aburridas teorías y permitía a los creadores explicar directamente sus ideas, sus trabajos, sus pensamientos. 

Para aquellos interesados en esta publicación, os presento algo que os puede ayudar a calentar motores antes de empezar a leer: se trata de un par de videos que muestran la charla que mantuvieron Obrist y Santiago Serra en 2012 sobre una exposición del artista en Lisson Gallery…. Muy interesante.





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Espero que os interese esta selección… Pero ahora me toca a mi preguntar: ¿qué libros me recomendáis vosotros?

jueves, 17 de abril de 2014

Alex Katz en la galería Javier López

Artículo publicado en Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC).

El próximo 23 de abril la galería madrileña Javier López abre sus puertas para inaugurar Red Hat, una exposición de obras realizadas por el neoyorkino Alex Katz (Brooklyn, 1927).


Este artista es ya uno de los más reconocidos de su generación y, debido a su gusto por la figuración objetiva, es considerado uno de los precursores del movimiento pop art. Ingresó en 1946 en la Cooper Union School of Art and Architecture para después seguir sus estudios en Skowhegan School for Painting and Sculpture y comenzó a exponer su trabajo en 1954. Desde entonces ha producido una gran cantidad de obras incluyendo pinturas, dibujos, esculturas o grabados, algunos de los cuales están en importantes colecciones alrededor del mundo como el Whitney Museum of American Art, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Centre Georges Pompidou, la Tate Gallery o el Museo Reina Sofía.

En la galería madrileña Katz mostrará sus trabajos más recientes, que se centran en el género que le dio fama (el retrato) y tienen como denominador común un sombrero rojo. Con esas obras el artista ha querido “indagar sobre las posibilidades plásticas de la figura en primer plano ante un fondo neutro”, desarrollando su estilo característico hasta el límite.


Aquellos que quieran visitar el espacio de Javier López podrán disfrutar de bocetos y estudios al oleo sobre tablas además de cartones de grandes dimensiones o lienzos de mayor formato. Gracias a ellos los espectadores podrán ver las distintas fases de elaboración de las pinturas creadas por Katz y podrán disfrutar de todo su proceso creativo.

Para los lectores interesados os dejamos una serie de artículos y entrevistas que os podrán ayudar a conocer mejor el mundo del artista:

Y para terminar también os aconsejamos ver este video en el que el propio Katz habla sobre su trabajo:

lunes, 14 de abril de 2014

Reflexiones en torno a la exposición `La magia de las imágenes´, de LABoral

Artículo publicado en LABlog, blog de bloggers de LABoral.

Los primeros años de la década de los 60 fueron momentos de experimentación, pero no fue hasta 1965 cuando la firma japonesa Sony lanzó al mercado norteamericano un aparato que revolucionó la época: una cámara de video portátil semi-profesional denominada Portapak. Por primera vez los artistas tenían la oportunidad de grabar con sus propias manos aquello que querían y ver los resultados en los aparatos televisivos de sus hogares.



Según cuenta la leyenda, Nam June Paik se hizo con una de esas cámaras y realizó su primera grabación el 4 de octubre de 1965: captó imágenes de la visita del Papa Pablo IV a Nueva York desde el interior de un taxi en movimiento. Estas imágenes fueron presentadas horas después en la cafetería Au Go Go, un evento previamente anunciado mediante la difusión de unos folletos en los que el artista pronosticaba el futuro artístico del video: “del mismo modo que la técnica del collage ha desbancado a la pintura al óleo, el tubo de rayos catatónicos sustituirá al lienzo” (1). Desde entonces y a lo largo de la historia numerosos creadores se han basado en pioneros como el artista coreano y han utilizado la tecnología video como soporte y su lenguaje como medio para expresar aquello que desean.

Gracias a su importancia en la historia de las ultimas décadas, el videoarte ha conseguido entrar en las salas de numerosas instituciones culturales y museísticas, pero todavía no tiene un puesto privilegiado dentro del mercado del arte. Como bien comenta Carlos Fajardo, “pese a su particular síntesis de tiempo y espacio; luz, movimiento, plástica y música, así como su potencial reflexivo sobre la cultura mediática o los universos emocionales de los creadores, el video no ha logrado convencer del todo a los pragmáticos consumidores del arte”. Y continua: “al momento de invertir, los coleccionistas siguen prefiriendo, en su mayoría, las pinturas de artistas reconocidos, y pocos son los que se atreven a comprar esos costosos DVD (…) que soportan las ideas de los videocreadores” (2).

Elena Vozmediano confirmó estas ideas en su articulo No hay mercado secundario para el videoarte publicado hace un par de meses. En su texto, la periodista cultural afirma que continuamente nos llegan informaciones que indican que los coleccionistas no se arriesgan a la hora de comprar y pone como ejemplo la subasta especializada en videoarte que se celebró el pasado 29 de enero en el Hotel Drouot de París: “fue un fracaso. El marchante y anticuario Vicent Wapler, el organizador, puso a la venta 159 lotes de los que se adjudicó solo un 30%. No fue una de esas subastas en las que los millones cambian de manos a ritmo vertiginoso: la estimación global de las obras estaba entre 525.000 y 600.000 euros y la suma de los precios alcanzados por las 48 vendidas fue de 46.680 euros. La sala estaba llena… pero pocos pujaban. La obra más cara fue Antena Buda, de Nam June Paik, que no es propiamente un vídeo sino un óleo sobre lienzo coronado por unas antenas de televisión”. Y para rematar, Elena concluye su artículo mencionando unos datos que Artprice difundió hace ya unos años, en 2011: “en la primera mitad de ese año, el total de las ventas de arte contemporáneo en subastas sumaba 497 millones de euros, de los que 32 millones correspondían a fotografía y 4 millones a new media. No llega al 1%” (3).

Todos estos comentarios no parecen ser muy tranquilizadores (ni esperanzadores) para el desarrollo de un mercado potente relacionado con las nuevas tecnologías. Pero ¿por qué los coleccionistas tienen todavía esa reticencia ante el video? Creo que pueden existir varias razones, pero fundamentalmente destacaría dos evidentes:

  •      Falta de educación cultural: la escasa presencia de arte contemporáneo en los centros educativos y la escasa difusión de las nuevas tendencias en nuestro país son factores que no han ayudado a animar a los compradores a tomar riesgos con sus compras. Muchos conocen quién es Goya o Velázquez, pero desconocen nombres tales como Bill Viola o Tony Ousler.
  •       Formato: un video trae consigo ciertas complejidades relacionadas con su formato con las que los coleccionistas más tradicionales no están acostumbrados. Por un lado, nos encontramos con el concepto de copia: una pintura es exclusiva debido a su creación manual y casi artesanal, pero un video puede reproducirse y copiarse en varios soportes distintos. Y esto no suele gustar a los compradores: muchos de ellos creen que si gastan tanto dinero en una obra de arte esta debe ser, al menos, única. A esto se une la complejidad de  la exposición: mientras una obra pictórica puede exponerse con facilidad en cualquier pared de un salón como elemento decorativo para que todos los invitados puedan disfrutar de su calidad, un video necesita un monitor o una pantalla, condicionando su visionado a la existencia de unos factores propicios.

A pesar de estos puntos, algunos coleccionistas son raros especímenes dentro del mundo del arte y deciden tirarse al vacío comprando obras todavía consideradas nada tradicionales. En España tenemos el caso de Emilio Pi y Helena Fernandino, un matrimonio de empresarios pamplonicos afincados en Madrid desde hace años y ganadores del premio ARCO 2010 al coleccionismo de videoarte. Y en el país vecino, Francia, podemos destacar a una pareja, Jean-Conrad e Isabelle Lemaître, cuya colección de videoarte se encuentra entre los Top 10 de la Larry´s List, una de las bases de datos de coleccionistas más reputadas en el ámbito del video y el new media.


Jean-Conrad e Isabelle Lemaître.

Este matrimonio francés empezó a coleccionar arte en los años 70, aunque inicialmente concentró sus esfuerzos en técnicas más tradicionales (grabados, pintura, escultura o fotografía). No fue hasta 1996 cuando ambos comenzaron a interesarse por el mundo del video, adquiriendo desde entonces trabajos realizados por destacados artistas (como Tacita Dean o Mark Wallinger) y obras de creadores más emergentes (como Keren Cytter o Landau Sigalit). El conjunto de títulos que han aglutinado es tan asombroso que ha llevado al matrimonio Lemaître a prestar sus obras a diferentes exposiciones en países como Francia, Perú o Alemania.

Parte de su colección también vino a España en 2012 y se expuso en la Fundación Francisco Godia de Barcelona dentro de la muestra The Eyes of the Soul. Y este año algunas de sus obras han vuelto a viajar a nuestro país para exponerse en el centro de arte asturiano LABoral. En esta ocasión, la institución gijonesa ha organizado una exposición llamada La magia de las imágenes en la que se muestran doce obras realizadas por artistas tan dispares como Louidgi Beltrame, Patricia Esquivias, Omer Fast, Beatrice Gibson, Mika Rottenberg o Chen Chen Yu. Esta muestra se inauguró el pasado viernes 11 de abril dentro de la línea de programación Universo video (4) y pretendereflexionar sobre el papel de la imagen en la construcción de nuestra relación con la realidad, a través de una reflexión sobre el propio medio; es decir, su lógica y la tecnología que articula en su dimensión social” (5).


© Jean-Michel Pancin.

Benjamin Weil, antiguo director de actividades de LABoral y actual responsable artístico del Centro Botín, ha sido el comisario de este proyecto. Hace tan solo unos días aceptó participar en la primera entrevista organizada por el centro asturiano via twitter, que se pudo seguir en directo gracias al hastage #LABentrevista. A pesar de que esta red social no permitió al encuestado explayarse mucho en sus respuestas (debido a la limitación de caracteres), esta iniciativa ayudó a que los internautas preguntarán directamente sus dudas a Weil y aquí os plasmo el resultado:

Pregunta 1: ¿por qué crees que hay tan pocos coleccionistas como Lemaître que apuesten por el videoarte? (@art_gossips)

BW: es muy difícil coleccionar videoarte porque necesitas tecnología y condiciones para presentarlo compatibles en espacios interiores.

Pregunta 2: ¿cómo surgió la idea de mostrar parte de esta colección en LABoral? (@art_gossips)

BW: es una de las mejores colecciones privadas de videoarte en el mundo y ofrece una perspectiva muy amplia sobre el videoarte hoy.

Pregunta 3: ¿cómo definirías la línea o idea de la exposición? (@art_gossips)

BW: se ubica en el marco de Universo video, línea de actuación de LABoral desde 2011. Panorama de la creación con este medio.

Pregunta 4: ¿cómo ha sido el proceso y criterios de selección de las obras y artistas de la exposición? (@zapatosrosas)

BW: trabajando estrechamente con los Lemaître para imaginar una narrativa que refleje su manera de coleccionar.

Pregunta 5: ¿cuál(es) de los 12 artistas de la exposición te atrae más y por qué? (@art_gossips)

BW: es complicado hacer una elección. Me gusta la selección que hemos hecho y cada obra por su particularidad.

Pregunta 6: ¿cuál es el artista más joven de la exposición, sabiendo que la colección tiene muchas piezas de la última década? (@semiramis_glez)

BW: Moussa Sarr, artista francés nacido en Córcega y muy prometedor. Es una de las adquisiciones más recientes de los Lemaître.

Pregunta 7: ¿qué video de la muestra reflexiona sobre la tecnología como forma de aprender de nuevo a mirar la realidad? (@MartaLorenzoJ)

BW: ninguna en especial. Me parece interesante la idea del uso creativo de las tecnologías contemporáneas.

Pregunta 8: ¿podrías describir esta exposición con un solo adjetivo? (@semiramis_glez)

BW: ¡emocionante!

Pregunta 9: ¿con qué dificultades más frecuentes se encuentra un comisario al trabajar con videoarte? (@art_gossips)

BW: los formatos que requieren los artistas y la obsolescencia de estos mismos, que han cambiado mucho desde los años 70.

Pregunta 10: ¿qué exposiciones históricas de videoarte que hayas visto destacarías? (@art_gossips)

BW: destacaría Passages de l´image en el Centre Pompidou (1991 más o menos). Pero también otra exposición de Chrissie Iles, un gran profesional, en el Whitney de Nueva York (2001 más o menos).

Pregunta 11: ¿cuáles son las instituciones más destacadas por su apoyo al videoarte en el contexto internacional? (@zapatosrosas)

BW: las colecciones más importantes de videoarte y cine experimental son el Centre Pompidou de París (@centrepompidou), el Museum of Modern Art de Nueva York (@MuseumModernArt) o el San Francisco Museum of Modern Art (@SFMOMA). También el Electronic Arts Intermix de Nueva York (@eai_org).

Pregunta 12: ¿algún videoartista español al que crees que hay que seguir la pista? (@art_gossips)

BW: Sara Ramo hace videos maravillosos y trabaja también con otros medios como muchos artistas contemporáneos. Pero hay muchos más.

Pregunta 13: ¿qué textos sobre videoarte nos aconsejarías leer? (@art_gossips)

BW: os aconsejaría autores como Chrissie Iles, Bárbara London, Christine van Asshe, Raymiond Belour o Anne-Marie Duguet, pero hay más. También los textos de Lori Zippay, director del EAI de Nueva York, que comisarió la primera exposición de Universo video.

Para terminar, sólo espero que os animéis a visitar la exposición… Es digna de ver.


NOTAS:

(1). Christiane Fricke: “En el cruce del arte y la industria de los medios”, artículo publicado en Arte del siglo XX: volumen II; editorial Taschen, página 592.

(2). Carlos Fajardo: Motivaciones de compra en colecciones de videoarte. Artículo disponible en: http://inpsicon.com/elconsumidor/articulos/videoarte/videoarte.pdf

(3). Elena Vozmediano: No hay mercado secundario para el videoarte, Blog Y tú que lo veas, “El Cultural”, 11 de febrero de 2014. Artículo disponible en: http://www.elcultural.es/blogs/y-tu-que-lo-veas/2014/02/no-hay-mercado-secundario-para-el-videoarte/

(4). Universo video es una línea de programación que comenzó en 2001 y esta orientada a la investigación sobre el videoarte desde sus orígenes hasta la actualidad.

(5). Benjamín Weil: Universo video. La magia de las imágenes, LABoral. Artículo disponible en: http://www.laboralcentrodearte.org/es/exposiciones/universo-video.-la-magia-de-las-imagenes

jueves, 10 de abril de 2014

Conecta Cultura II en el Centro Buendía de Valladolid


El próximo 9 de mayo se celebra por fin la segunda edición de Conecta Cultura en el Centro Buendía de Valladolid. Dicha jornada estará dedicada especialmente a “la cultura sincrética o de periferia como un espacio propicio para la generación de nuevas ideas” y durante el debate se hablará sobre la importancia de “conectar como intercambio no sólo entre disciplinas sino también con el público, que ya no es un mero receptor”. Os dejo debajo de estas líneas el programa del evento para que lo podáis leer con calma:

9 de mayo - Mañana
09.30 h. Entrega de documentación
10.00 h. Inauguración de la Jornada
10.15 h. Una cultura en red
Diálogo introductorio entre Nuria García (@VeoArte) y Paupac Azul formado por Paula Susaeta (@paupacazul) y Paco Trinidad (@pacotrinity). Sobre la definición del concepto cultura y construcción cultural, sus agentes en un contexto globalizado. Cómo las redes sociales ayudan a la construcción de una nueva cultura y cómo afecta a la cultura local y global.

10.30 h. Mesa redonda: Intercambios y transfusiones
Sobre los intercambios culturales y transgéneros que dinamizan y revitalizan la cultura. En esta mesa intervendrán diferentes agentes culturales que nos aportarán su visión y experiencia particular del proceso de hibridación en su producción cultural.


Presenta y modera: Laura Cano (@Via_di_uscita). Licenciada en Historia del Arte y Museologa, autora del blog “La Caja Revuelta”

Intervienen:
Fernando Bayona (@fernando_bayona). Artista. Escenografía y lenguaje fílmico
Joana Quesada Sánchez. Bailarina.  Entre la danza y el teatro
LRM Performance. Colectivo interdisciplinar formado por Berta Delgado (@bertadelgado) y David Aladro-Vico (@DavidAladro). Construyendo con todo (Lo que siempre estuvo ahí)
Javier Pena. (Tres tristres tigres). Adaptaciones literarias al teatro y didáctica

14.30 h. Comida networking con todos los participantes
9 de mayo - Tarde
17.00 h. Mesa redonda: Construyendo un nuevo relato de la cultura
Sobre la idea de coocreación, inclusión del público en la construcción del relato cultural y los nuevos modelos de gestión que propician. En esta mesa participarán productores culturales y gestores que compartirán con nosotros su realidad personal de cómo se gestiona esta nueva revolución cultural.


Presenta y modera: Chechu Ciarreta (@arsitinere). Diseñador Gráfico, artista multidisciplinar y promotor cultural “Por amor al Arte” (@X_amoralarte)

Intervienen:
Juan Gómez-Jurado (@JuanGomezJurado). Periodista y Escritor
Cristina Riera  (@CristinaRiera). Gestionar la diversidad
José Esteban Mucientes Manso (@mediotic). Consultor en redes sociales. Cofundador del blog coral unadocenade.com  y miembro de AERCO-PSM
Adam Jorquera. Fundador de “Los Hacedores” (Escuela especializada en impresión 3D). Sobre el movimiento maker y la construcción de una nueva cultura.


Entre todos estas actividades, estoy especialmente interesada en el diálogo introductorio que tendrá lugar entre Nuria García y el colectivo Paupac Azul, un pequeño grupo que hablará sobre la cultura en red y, especialmente, sobre la importancia de las redes sociales en la actualidad.

Por mucho que no queramos, estas redes han irrumpido de tal forma en nuestras vidas que ya es imposible imaginar nuestro día a día sin ellas. Han cambiado claramente nuestra forma de relacionarnos, comunicarnos o informarnos. Y, como no iba a ser menos, estas han influenciado también (y de forma evidente) a la relación que la mayoría de nosotros tenemos con la cultura actual. Ya somos capaces de consumir, crear y gestionar cultura a gran escala a través de pequeñas ventanas abiertas en nuestras pantallas tecnológicas. Debido a su importancia, tenemos que aprender a estudiar estas redes sociales y su influencia en nuestras vidas desde todos los puntos. 

Para empezar a relfexionar sobre el tema, he querido seleccionar una serie de textos que os recomiendo leer sin duda antes de asistir a Conecta Cultura… No quiero decir que estos artículos sean los mejores en esta especialidad, pero os los presento porque me han influenciado de alguna u otra forma. Espero que os gusten.


Por último deciros que aquellos interesados en asistir a Conecta Cultura podéis matricularos en la página web del Centro Buendía desde hoy mismo hasta el 6 de mayo. Y aquellos incapaces de estar en Valladolid el 9 de mayo por algún motivo podréis seguir el evento por streaming.