viernes, 29 de agosto de 2014

`Afronautas´, de Cristina de Middel

En 1964, 5 años antes de que Neil Armstrong pisará suelo lunar, Zambia lanzó su primer proyecto espacial gracias a la testarudez de un profesor de secundaria, Edward Makuka. El objetivo principal de esta iniciativa era mandar al espacio a un grupo de astronautas, pero pronto se tuvo que abandonar este ambicioso deseo. La falta de apoyo y de financiación, además del embarazo de una integrante del equipo (de tan sólo 16 años), frenaron el sueño africano.

La fotógrafa española Cristina de Middel (Alicante, 1975) decidió hace un tiempo recuperar este increíble capítulo de la historia y reconstruir las escenas que podrían haber sucedido con la intención de documentarlas. Gracias a la unión de realidad, imaginación y toque personal, la artista creó el proyecto fotográfico “Afronautas”, del que llego a decir lo siguiente:

“(Esta iniciativa) reúne todos los ingredientes que tiene que tener un trabajo: que sea accesible y entendible, que sea atractivo, que sea didáctico (en el sentido de que enseñe algo nuevo o un nuevo punto de vista sobre algo) y, sobre todo, que abra debate o fuerce al análisis. Mucha gente me dice que es muy divertido y humorístico y yo les contesto que, si lo piensan bien, la base de ese humor es la amarga evidencia de que ninguno de nosotros considera capaz a un país africano de llegar a la luna. Esa es una conclusión a la que, en mi opinión, no llegan los reportajes “clásicos” que enumeran las miserias de África. Al final igual he encontrado mi propia manera de hacer reportaje de denuncia… quién sabe (1).

Gracias a este proyecto, De Middel fue finalista del Deutsche Börse Photography Prize 2013 (2) y ganó el Photo Folio Review en los Encuentros de Fotografía de Arles (3). Personalmente ví algunas de las imágenes del proyecto hace ya tiempo, pero esta semana me he vuelto a reencontrar con ellas por cuestiones del destino y no he querido dejar pasar más tiempo sin presentaros esta original historia. Os adjunto debajo una serie de fotografias y me encantaría saber qué os parecen.






















(1). Nicola Mariani, “Jugando con la realidad. Entrevista a Cristina de Middel”, Blog Nicola Mariani, 2/12/2011. Artículo disponible en el siguiente link: http://nicolamariani.es/2011/12/02/jugando-con-la-realidad-entrevista-a-cristina-de-middel/

(2). "Deutsche Börse Photography Prize: 2013 shortlist - in pictures", The Guardian, 26/11/2012. Publicación disponible en el siguiente link: 
http://www.theguardian.com/artanddesign/gallery/2012/nov/26/deutsche-borse-photography-shortlist-in-pictures

(3). Bárbara Celis, “Los `afronautas´ llegan al espacio”, El País, 15/12/2012. Artículo disponible en el siguiente link: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/12/15/actualidad/1355591368_212421.html

miércoles, 27 de agosto de 2014

Entrevista a... la compañía teatral Atresbandes

Reino Unido se está convirtiendo en un país de oportunidades y muchos artistas españoles deciden aterrizar en estas tierras para presentar sus proyectos, actividades, iniciativas o espectáculos. Entre todos los aventureros hoy me gustaría destacar a los integrantes de ATRESBANDES, una compañía de teatro que el próximo otoño viajará por varias ciudades inglesas para presentar su trabajo SOLFATARA. Aquí os dejo una entrevista que espero que disfrutéis y os anime a descubrir a este grupo de profesionales. 

Para empezar, nos gustaría saber cuándo y cómo surge ATRESBANDES. 

El proyecto de ATRESBANDES empieza en el 2008 dentro del entorno de formación del Institut del Teatre de Barcelona. Allí es donde coincidimos los tres miembros: Mònica Almirall, Miquel Segovia y Albert Pérez Hidalgo. Los tres pertenecemos a la misma promoción de estudiantes de artes escénicas y nos hemos formado juntos, con todo lo que ello implica: referentes, maneras de abordar la escena, etc. Como en tantas ocasiones las ganas de trabajar surgen de un cierto descontento con el panorama teatral y, en los mejores casos, ese descontento genera una respuesta que difiere de este panorama y amplia el campo de visión, lo modifica, lo pone en duda. Es en esta duda, en esta inestabilidad, donde creemos que surgen las creaciones más honestas, más auténticas, que, a nuestro parecer, son la auténtica escena contemporánea, aquella que no repite patrones antiguos si no que crea nuevos códigos, nuevas relaciones más cercanas a la actualidad en todos los aspectos, político y social pero también en relación a la vanguardia artística. Por supuesto que toda esta reflexión teórica es posterior a la creación del colectivo que, en primera instancia, nace de ciertas afinidades y sobre todo de la amistad de los tres miembros.

¿Cómo trabajáis en esta compañía?

Los tres somos el alma del proyecto y trabajamos de manera conjunta los textos, la dirección y la interpretación. Con el tiempo hemos ido creando afinidades con otras personas que han ido colaborando en los diferentes proyectos. Al final se acaba creando un pequeño círculo de colaboradores que entienden y comparten nuestra manera de trabajar. 

En los últimos dos años hemos crecido mucho a nivel de trabajo tanto a nivel de número de actuaciones como con coproducciones y subvenciones. Es por eso por lo que en la parte de producción y distribución trabajamos con dos personas más: Núria Segovia, en colaboración con la empresa de producción y distribución VESC S.L. (vesc.cat) y Sarah-Jane Watkinson, que trabaja desde el Reino Unido.

Durante el mes de octubre viajaréis por varias ciudades del Reino Unido presentando uno de vuestros últimos espectáculos. ¿Qué supone para vosotros este tour por tierras inglesas?

Nuestra relación con el Reino Unido empieza en julio de 2012 cuando nuestra tercera pieza ("Solfatara") fue seleccionada en el Be Festival de Birmingham. Allí tuvimos la suerte de ganar el primer premio del jurado y el premio del público. Para nosotros esto supuso un paso de gigante ya que este festival es un gran soporte para nuevos creadores.

Además de la ayuda económica, el festival organiza una gira por todo el Reino Unido con tres de las piezas que participan. Para nosotros eso supuso conocer muchos teatros y programadores, además de enseñar nuestra productora en el Reino Unido. Por lo tanto el tour que haremos en octubre con "Solfatara" es, de hecho, el segundo tour que hacemos con este espectáculo por el Reino Unido. En los últimos dos años hemos viajado en numerosas ocasiones y poco a poco estamos encontrando nuestro lugar en el Reino Unido que desde el principio se ha interesado por nuestro trabajo.  


"Solfatara", © Alex Brenner.

¿Cómo describiríais vosotros este espectáculo? 

A partir del "Fragmentos de un discurso amoroso" de Roland Barthes y "Anatomía del miedo" de Jose Antonio Marina, creamos una situación muy sencilla: un día en la vida de una pareja (hombre y mujer) con una comida, una cena y el desayuno del día siguiente. Esta ficción describe una parálisis emocional por parte de los dos que impide cualquier muestra de cariño auténtico. Esta situación tan clásica nosotros la descomponemos a nivel escénico y ponemos una bomba en medio que convierte la escena en un artefacto, un juego teatral en el que poco a poco vamos añadiendo capas de ironía que pretende poner en duda ciertos patrones de comportamiento que seguimos repitiendo hasta la saciedad. Nuestra intención también es que la pieza sea atractiva a nivel visual; es decir, que el público pueda gozar a medida que la ve. El público disfruta y ríe, pero es un gozo parecido al que tenemos al ver vídeos de caídas en youtube. El crítico teatral Juan Carlos Olivares utilizó el término Schadenfreude, que en alemán significa gusto por el mal ajeno

Y para terminar, ¿qué otros proyectos tenéis ahora en mente?

En septiembre estrenamos nueva pieza en el Festival TNT de Terrassa: "Locus Amoenus". Es una cooproducción con el CAET que, como en "Solfatara", presenta una situación inicial muy sencilla (tres pasajeros coinciden en un tren). Sin embargo, a diferencia de esta, en "Locus Amoenus" hemos querido trabajar más la poesía de la pieza que los diferentes significados que esta pueda generar. Si en "Solfatara" el discurso es claro y contundente, en "Locus Amoenus" los diferentes significados van apareciendo a posteriori, más como reflexiones que como ideas claras. Queremos que la pieza se asemeje a la contemplación de un paisaje.


"Locus Amoenus".

Para más información sobre ATRESBANDES, podéis visitar la página web de la compañía pinchando AQUIAdemás, os inforrmo de que la compañía presenta su obra "Solfatara" en las siguientes ciudades inglesas:

Jueves 9 de octubre - 8 pm.
Mac Birmingham B12 9QH

Sábado 11 de octubre - 7.30 pm.
The HUB at Slunglow, Leeds LS11 9UA
Martes 14 de octubre – 8 pm.
The Lowry, Salford Quays M50 3AZ
Miércoles 15 y jueves 16 de octubre – 8 pm.
Chapter, Cardiff CF5 1QE
Sábado 18 de octubre – 8 pm.
Lighthouse, Poole BH15 1UG
Jueves 23 de octubre – 8 pm.
Viernes 24 de octubre – 7.30 pm.
University of Bedfordshire, Bedfore MK41 9EA
Domingo 26 de octubre – 8 pm.
Artrix, Bromsgrove B60 1PQ
Lunes 27, martes 28 y miércoles 29 de octubre – 7.30 pm.
Camden People´s Theatre, London NW1 2PY.

sábado, 16 de agosto de 2014

Serpentine Pavilion 2014

La Serpentine Gallery es una galería de arte londinense situada en una localización única: los jardines de Kensington, dentro de Hyde Park.  Fue inaugurada en 1970 gracias al apoyo del Consejo de las Artes de Gran Bretaña y durante los primeros años su actividad se limitaba sólo a los meses de verano. Con el tiempo su programación se ha ampliado a todo el año y se centra fundamentalmente en arte moderno y contemporáneo.

Desde el año 2000 este centro artístico selecciona anualmente a un arquitecto de fama internacional para diseñar un pabellón en los jardines de la galería y mostrar así al publico ejemplos de la arquitectura contemporánea. Dicho espacio se utiliza para desarrollar, durante los meses de verano, actividades culturales especiales como charlas, muestras de arte o películas y para instalar en él la cafetería del centro.

El año pasado el elegido para diseñar la estructura fue el japonés Sou Fujimoto y, antes de él, colaboraron profesionales tan destacables como Zaha Hadid, Oscar Niemeyer, Frank Gehry, Jean Nouvel o Toyo Itō entre otros. Este año la galería ha querido continuar la tradición y ha seleccionado a Smiljan Radić, un arquitecto que la directora de la galería, Julia Peyton-Jones, ha descrito como “un protagonista clave de la increíble explosión de la arquitectura en Chile” (1).


Radić nació en Santiago de Chile en 1965. Estudió en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile y más tarde en el Istitutto Universitario di Architettura di Venezia. Tras viajar intermitentemente durante casi tres años, abrió su oficina en Santiago en 1995 y fue elegido el mejor arquitecto joven menor de 35 años en 2001 por el Colegio de Arquitectos de Chile. Durante su carrera ha levantado edificios tan destacables como el balneario de Papudo la Casa Pite o el Restaurante Mestizo. 

Para el pabellón encargado por la Serpentine Gallery, Radić ha creado una estructura cilíndrica y traslucida de fibra de vidrio que alberga un patio interior y que se ilumina por la noche. El propio artista ha descrito la obra con las siguientes palabras: “exteriormente, el visitante verá una frágil cáscara en forma de toro, suspendida sobre piedras de cantera. Las piedras están asociadas a la ornamentación de los parques, pero acá son usadas como soportes, rompiendo los límites entre la edificación y el jardín”. Y Julia Peyton-Jones amplia la descripción diciendo que el espacio “es enigmáticamente arcaico, pero también tiene un aspecto futurista, como una nave alienígena que descansa sobre un sitio neolítico” (2).

Esta estructura estará en pie hasta el próximo 19 de octubre. Para aquellos que todavía no hayáis podido ir a verla, os dejo una serie de fotografías que tome durante mi visita hace tan sólo unos cuantos días. 


















Fotos: © Blog Art Gossips.

Y para terminar, os dejo una entrevista realizada al arquitecto por el equipo de arquiNETWORK en el marco de Procesos el 12° Congreso Internacional de Arquitectura Arquine. 



Notas

(1). Denisse Espinoza, “Smiljan Radic hará famoso pabellón de la Serpentine Gallery en Londres”, latercera.com, 13/03/2014. Artículo disponible en el siguiente link: http://www.latercera.com/noticia/cultura/2014/03/1453-569295-9-smiljan-radic-hara-famoso-pabellon-de-la-serpentine-gallery-en-londres.shtml

(2). Idem.

martes, 12 de agosto de 2014

Entrevista a Nicolas Bernier, artista ganador de una residencia de producción en LABoral

Artículo publicado en LABlog, blog de bloggers de LABoral.

Cada vez más artistas están interesados en el sonido como medio de expresión y pretenden “explorar todas las dimensiones de la escucha”, tal como escribió Román Torre hace unos meses en el blog LABlog (1).

Muchos museos, centros de arte y otras instituciones se están dando cada vez más cuenta de este fenómeno y han querido apoyar la investigación sonora mediante la creación de numerosas plataformas e iniciativas a lo largo de los últimos años. Sólo tenemos que nombrar algunos proyectos para darnos cuenta de esta explosión, como la muestra “ARTe SONoro” realizada en La Casa Encendida en 2010 (2) o el programa de actividades “Situación sonora: la deriva aural” creado por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2012 (3). Tampoco podemos olvidarnos, por supuesto, del Master de Arte Sonoro desarrollado por la Universidad de Barcelona en colaboración con Arts Santa Mónica y Hangar (4).

LABoral no ha querido ser menos e inauguró hace unos meses su propio Laboratorio de Sonido. Aunque este centro gijonés apostó ya desde su creación en 2007 por dar al sonido un papel protagonista en su programación, es imposible no darse cuenta que este laboratorio es un paso más en la defensa por el arte sonoro. Está coordinado por el músico y compositor Daniel Romero y tiene como objetivo fundamental “promover y dar soporte a prácticas artísticas relacionadas con el sonido a través de cuatro líneas de acción: producción, exposición, investigación y educación” (5).

Entre todas las actividades surgidas de momento bajo el amparo de este laboratorio, destacaría en particular una residencia de producción convocada este mismo año y cuyo ganador ha sido el artista Nicolas Bernier. Nacido en Ottawa (Canadá) en 1977, el artista ha creado a lo largo de su carrera numerosas piezas como performances sonoras, instalaciones, música concreta, electrónica en vivo, post-rock, improvisación acústica y video-arte, a la vez que ha trabajado con la danza, el teatro, las imágenes en movimiento y los contextos interdisciplinarios (6). Gracias a la residencia que acaba de obtener, podrá trabajar del 18 al 28 de agosto en los talleres de LABoral y desarrollará frequencies (light quanta), una nueva adaptación de su obra anterior frequences (a) (7).


Nicolas Bernier.
Fotografía de Annie Zielinski, 2010. 

Para conocer más a Bernier, hemos podido realizarle una entrevista que espero que os guste y os anime a descubrir su trabajo más en profundidad. Animaros a seguir leyendo.

Para empezar, ¿de dónde vienes y cuándo empezaste a interesarte por el arte?

Es una larga historia pero digamos que todo comenzó en mi época de adolescente, cuando tuve contacto con la música rock indie. En ese momento también empecé a desarrollar un interés por el diseño visual, haciendo obras de arte para estrenos, posters y páginas web. Pero vengo de un trozo de tierra donde el arte no es parte de la vida diaria, por lo que crecí con una curiosidad que no fue satisfecha por la falta de estímulos.

Después me mude a Montréal (Canadá) y todo cambió. Primero comencé a excavar en el sector musical y rápidamente pasé a explorar otros campos de interés que anteriormente no había desarrollado: dibujo, cine, video, arquitectura, literatura, diseño, fotografía, ciencia, etc.

¿Qué estudiaste y cómo ésta formación ha influenciado en tu arte?

En un principio estaba convencido de que el arte no era una opción, probablemente debido a la (no) cultura del lugar en el que crecí. Por ello intenté olvidar mis pasiones artísticas. Estudié primero ciencias de la radio y después marketing, interesándome principalmente por el diseño grafico y la fotografía, dos sectores que me guiaron a trabajar desde muy temprano como programador web y diseñador. Estos estudios realmente me influenciaron mucho ya que el arte y la comunicación no son campos tan lejanos.

Después de un par de años trabajando como programador web, me aburrí y decidí estudiar composición electroacústica en la Universidad de Montréal. Conseguí terminar a pesar de no haber estudiado música anteriormente y ser totalmente autodidacta por aquel entonces. Tras la licenciatura realicé un master y un doctorado en la Universidad de Huddesfield y fui contratado como profesor en el departamento de música digital de la Universidad de Montréal. A pesar de que nunca me había visto como profesor, la vida académica tuvo una influencia muy fuerte en mi vida personal y laboral. En este campo académico es donde encontré a la mayoría de mis colaboradores, mentores y amigos con los cuales he tenido intensas discusiones y opiniones divergentes / convergentes que han ayudado a formar mi mente. Por nombrar sólo algunos nombres, puedo destacar a Martin Messier, Jacques Poulin-Denis, Delphine Measroch, Jean Piché, Robert Normandeau, Pierre Alexandre Tremblay o Olivier Girouard.

Eres un artista multidisciplinar que has realizado obras de arte de diferente naturaleza, como performances, instalaciones, piezas musicales, videos, etc. Pero ¿hay alguna línea de pensamiento o preocupación artística que conecte todas tus piezas?

Creo que puedo utilizar la frase que se encuentra en mi currículo desde su primera versión y que dice que mi objetivo es encontrar “el balance entre lo cerebral y lo sensual”.

Esta frase tiene diferentes significados. Cuando empiezo un proyecto, por ejemplo, pienso mucho, tomo muchas notas, leo muchos libros, miro muchas imágenes, me quedo mirando largo tiempo a las estrellas, etc… En esta primera fase trabajo muy despacio de hecho. Pero luego, cuando se trata de realizar físicamente la obra, de materializarla, es como si la larga fase de premeditación no hubiera nunca existido y hago la obra tan rápido como puedo en un sentido sensitivo y casi naïve. Todas las actividades cerebrales están, de alguna forma, ahí pero trabajando inconscientemente a la distancia. No quiero que el aspecto concreto se convierta en una barrera para la obra final. Esto es un ejemplo de la dicotomía cerebral / sensual que hay en mi trabajo.

Es verdad que me he acercado al arte de formas diferentes pero creo que, al final, hay huellas de un lenguaje personal que siempre está ahí. Es una forma de articular los elementos de mi trabajo, sea en el espacio o en el tiempo.

Tienes una gran fascinación por los aparatos que generan sonidos básicos y numerosas piezas tuyas están basadas en experimentos sonoros. ¿Por qué tu interés en este mundo?

El interés por lo básico de los elementos es otra de las líneas que conectan mis trabajos. ¡Nuestro mundo es tan complejo! Si quiero entender lo que estoy haciendo, necesito empezar en la posición de salida. Soy un estudiante muy lento por lo que siempre tengo que comenzar por el principio de las cosas. Cuando comencé a trabajar con el video hace una década, por ejemplo, no quería crear imágenes abstractas o sintéticas complejas, sino trabajar con una serie limitada de materiales. Lo mismo me pasa con el sonido: no quería crear texturas sintéticas complejas, por lo que comencé a trabajar con las posibilidades infinitas que permite un ordenador. Con él grababa sonido mecánicos que podía manipular con mis manos, utilizando como técnica principal el montaje (la técnica de composición más básica).

Como el sonido es la razón principal por la cual hago arte, estoy muy interesado en trabajar con lo básico de las metodologías de generación de sonidos. Esto significa que siempre miro atrás y trabajo con la onda senoidal como material fundamental.

También estoy investigando con la historia de la acústica y el sistema de generación de sonidos que fue inventado hace un siglo para experimentar con los fenómenos de sonido. Esto es lo que me ha hecho investigar con las posibilidades de los diapasones, por ejemplo.

Durante tu residencia, estás desarrollando frequencies (light quanta), una nueva obra que experimenta con partículas y los movimientos sonoros breves creados por una aplicación de procesos de audio. ¿Cómo definirías esta pieza?

Ésta obra se basa en la idea de que las partículas son la esencia fundamental. A nivel sonoro, todos los sonidos han sido realizados usando una herramienta de síntesis granular desarrollada por el artista italiano Ennio Mazzon para la marca Farmacia901 y la síntesis granular está basada en la idea de manipular micro partículas de sonido.

Inspirado por la metáfora del principio físico que dice que el electrón es liberado por el fotón (o luz quanta), estas partículas de sonido suelen generar reacciones luminosas. Suelo creer que estas luces son mi grupo de fotones o mis partículas luminosas. Cuando la activo, la instalación permite la visualización multidimensional del sonido creando secuencias audiovisuales que se reproducen de forma aleatoria y generan una forma que no para de expandirse en el espacio y el tiempo.

¿Cómo valoras la residencia en LABoral?

Es todo un honor haber sido invitado a realizar esta residencia en LABoral. Me da tiempo y espacio para dedicarme completamente a mi trabajo artístico, que es algo muy raro en mi frenética vida. Pero creo que podré responderte de forma más precisa cuando la residencia finalice.

¿Qué otros proyectos tienes en estos momentos en mente?

Ohh… ¡Toneladas! Pero el sistema de generación de sonido básico me perseguirá durante años. Una cosa segura es que trabajare con más `frecuencias´.

Para terminar, sólo comentaros que la obra frequencies (light quanta) estará expuesta al público en el espacio de LABoral del 28 de agosto al 13 de octubre de este año.


Notas

(1) Roman Torre: “El sonido emergente. Nuevo LABoratorio de Sonido en LABoral”, LABlog, el 3 de marzo de 2014. Artículo disponible en: http://www.laboralcentrodearte.org/es/files/2013/bloglaboral/el-sonido-emergiendo.-nuevo-laboratorio-de-sonido-en-laboral

(2) Más información sobre ésta exposición disponible en el siguiente link: http://www.elcultural.es/galerias/galeria_de_imagenes/156/LETRAS/Arte_sonoro_en_La_Casa_Encendida

(3) Más información sobre este programa disponible en el siguiente link http://www.museoreinasofia.es/prensa/nota-de-prensa/programa-actividades-sobre-arte-sonoro-situacion-sonora-deriva-aural

(4) Más información del master impartido por la Universidad de Barcelona disponible en el siguiente link: http://www.ub.edu/masterartsonor/es

(5) Dossier de prensa de LABoral: “LABoral pone en marcha su LABoratorio de Sonido, un espacio para la experimentación con el arte sonoro contemporáneo”, 28 de febrero de 2014. Texto disponible en: http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/prensa/noticias/dossier-laboratorio-de-sonido

(6) Más información sobre Nicolas Bernier disponible en el siguiente link: http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/personas/nicolas-bernier/view

(7) Más información sobre frequencies (light quanta) disponible en el siguiente link: http://www.laboralcentrodearte.org/es/exposiciones/frequencies/view

lunes, 11 de agosto de 2014

Entrevista… al artista Ignacio Estudillo Pérez, ganador del BP Young Artist Award 2014

BP Portrait Award es un concurso de retratos celebrado anualmente con el apoyo de la National Portrait Gallery de Londres. Es considerado actualmente como una de las competiciones artísticas con más prestigio a nivel internacional y el periódico Daily Mail llegó a definirlo como “los Oscars del retrato”. 

Este año se ha celebrado la trigésima quinta edición de estos premios y, entre todas las categorías que han salido a concurso, deberíamos destacar el BP Young Artist Award. Para este apartado se han presentado alrededor de 2.000 candidatos con edades comprendidas entre 18 y 30 años, pero finalmente el vencedor ha sido un artista español, Ignacio Estudillo Pérez. Este ha sido tan amable de contestar a una serie de preguntas sobre su historia, sus trabajos y su reciente galardón…. ¡Seguid leyendo y disfrutad!

En primer lugar, cuentanos de dónde vienes y cuándo empezaste a interesarte por el arte. 
Nací en Jerez de la Frontera y el interés por la pintura me viene de mi ciudad, de mi familia. Mi tía y mi abuelo pintan, y mi padre pinta y modela muy bien.
A nivel profesional me fui metiendo en este mundo poco a poco, casi como un juego con los compañeros de facultad. Al final ves que eres independiente económicamente y esto se vuelve tu profesión. Es una gozada poder dedicarte por entero a algo de lo que estás enamorado.  
¿Qué estudiaste y cómo ésta formación ha influenciado en tu arte?
Pues he pasado casi por todos los sitios que uno puede pasar en cuanto a la pintura se refiere. He recibido clases particulares, he pintado en la calle como un grafitero más, he estudiado en la Escuela de Artes de Jerez y en las facultades de BBAA de Altea, Bilbao y Sevilla, compartiendo muchas experiencias y aprendiendo mucho de los compañeros. También he asistido a cursos con grandes pintores como Golucho y Antonio López, además de haber compartido un año realmente bueno con 14 compañeros de otras disciplinas en la Fundación Antonio Gala. Y aún hoy sigo formándome.
La influencia de mi educación en mi trabajo es total. Es muy importante para mi ver como otras personas piensan y trabajan, poder aprender de ellos y abrir la mente.
Elegiste la pintura para desarrollar tu carrera. ¿Por qué este medio de expresión?
Pues porque tenemos muy buena relación de siempre.
¿Cómo definirias tu estilo, para aquellos que aún no conozcan tu obra?
Es figuración, aunque no estoy seguro. Pinto como acción descriptiva de procesos de pensamientos que están ahí, que me vienen de lecturas, de otras imágenes, de experiencias. 
Este año has ganado el BP Young Artist Award. ¿Qué supone este reconocimiento para ti?
Que te den un premio es siempre muy agradable. Te da visibilidad, es un apoyo moral, y te recompensan económicamente. Pero que te lo de una institución que hace tanto por la pintura como National Portrait Gallery es algo increíble. Me gustaría que más museos españoles hiciesen algo parecido. 
Has recibido dicho galardón gracias a tu obra "Mamá (Juana Pérez)". ¿Cómo fue el desarrollo de esta obra?
Es una pieza que ha cambiado mucho a lo largo del tiempo. La empecé hace 3 años y en este tiempo he cambiado de opinión sobre muchas cosas referentes a la pintura, algo que se notan en el cuadro. Aún así lo que siempre se ha mantenido es el respeto hacía la modelo y hacía la pintura, sin prisas. 
A pesar de todo hoy considero que no está terminada. Siento que la relación con esta pieza no ha acabado.
Tu obra se expondrá hasta septiembre en la National Portrait Gallery. ¿Qué sentimientos tienes al ver tu trabajo expuesto cerca de otras grandes obras del retrato?
Es una sensación muy bonita, aunque hay que diferenciar que yo he llegado ahí por un concurso. Quizá en el futuro pueda tener una pieza expuesta en la colección permanente.
Para terminar, ¿qué otros proyectos tienes en mente para el futuro?
Pues hay muchos... 2014 es año que me está yendo bien. Lo próximo es participar en un festival de pintura al aire libre en la Costa Brava y después, en septiembre, impartiré junto a Eduardo MIllán un curso de pintura en Jerez. Más tarde vamos a desarrollar un proyecto de dinamización urbana a través del grafiti en el barrio de Lagunillas en Málaga con el Espacio Cenfuegos, al que pertenezco, y en octubre participo en una exposición colectiva en el Museo del Paisaje de Alcalá de Guadaira con otros 7 jóvenes pintores.
Más entrado el otoño impartiré un curso en la Universidad de Costa Rica y estoy en conversaciones para una colaboración con una galería de Gante, Bélgica. Y para 2015 me marcho a vivir a Irlanda. La verdad es que no paro.
Para más información sobre el artista, podéis visitar su blog pinchando AQUI