domingo, 29 de julio de 2012

Proyecto "Luz Nas Vielas", de Boa Mistura

Boa Mistura, que significa "buena mezcla" en portugués, es un colectivo de artistas urbanos. Nació a finales del 2001 en Madrid y esta formado por el arquitecto Javier Serrano (Pahg), el ingeniero de caminos Rubén Martin (rDick), el publicista Pablo Purón (Purone) y los licenciados en bellas artes Pablo Ferreiro (Arkoh) y Juan Jaume (Derko).

Dicho colectivo desarrolla sus obras principalmente en espacios públicos, habiendo llevado a cabo proyectos en diferentes paises como Sudáfrica, Noruega o Alemania. Una de sus últimas iniciativas se llama LUZ NAS VIELAS, realizada en Vila Brasilândia (São Paulo) el pasado mes de enero. 

Gracias a este proyecto, los miembros de Boa Mistura tuvieron la oportunidad de vivir en Brasilândia durante más de diez días acogidos por la familia Gonçáives. Durante ese tiempo, tuvieron contacto directo con los habitantes del lugar y decoraron, junto con la gente local, las calles de la villa basandose en conceptos básicos como BELEZA, FIRMEZA, AMOR, DOÇURA y ORGULHO





Esta iniciativa forma parte de la serie CROSSROADS, unos proyectos de arte urbano participativos realizados por Boa Misura con la intención de intervenir en comunidades desfavorecidas e inspirar a sus habitantes a través del arte. En el caso de este proyecto en São Paulo, los miembros del colectivo dijeron lo siguiente: 

"Hemos querido instalarnos en la favela, diseccionarla, olerla, vivirla, quererla. Intentar entender la confluencia de aspectos sociales, económicos y urbanísticos. Y descubrir, como principal valor socio-cultural la tolerancia, hospitalidad y hermandad dentro de la comunidad, independientemente del color de su piel o su creencia religiosa."

Para que conozcáis más este proyecto, os dejo aquí un documental que se grabo durante la realización de esta intervención artística. Espero que os guste tanto como me ha gustado a mi. 

                                

Para ver más obras de Boa Mistura, no dudéis en visitar la página web de este colectivo

La burbuja del arte contemporáneo

Navegando por la red, he tenido la suerte de encontrar el documental La burbuja del arte contemporáneo. Realizado por el comentarista de arte Ben Lewis hace ya unos años (2009), dicho documental analiza el interior del mundo del arte, la burbuja económica que se ha creado a su alrededor y la especulación existente en el mercado.

Os recomiendo que disfrutéis de este video cuanto antes. Espero vuestras opiniones. 

jueves, 26 de julio de 2012

Se busca comisario ....

A pesar de la crisis económica (y cultural) en la que nos encontramos, de vez en cuando aparecen iniciativas a las que debemos prestar mucha atención. Este mes, por ejemplo, la Comunidad de Madrid ha lanzado la IV Edición de la convocatoria Se busca comisario

Gracias a esta convocatoria, todos los años se selecciona un proyecto elaborado por un comisario joven independiente para desarrollar la actividad de la Sala de Arte Joven (Calle Avenida de America 13, Madrid). El comisario elegido debe decidir el número y el formato de exposiciones que se realizaran en el espacio, exposiciones que deben seguir las siguientes normas:
    
  • En primer lugar, deben ajustarse a los límites de calendario y a los presupuestarios definidos cada año.
  • En segundo lugar, debe componerse mayoritariamente de obras de artistas residentes en la Comunidad de Madrid o, al menos, de artistas que trabajen y expongan dentro de la región. Aun así, podrán versar sobre cualquier disciplina artística.
Para esta edición, el comisario elegido podrá llevar a cabo durante seis meses del año 2013 un mínimo de dos exposiciones y un máximo de tres con un presupuesto de 88.500 euros. 

Aquellos interesados en participar tenéis hasta el 28 de septiembre para presentar vuestra candidatura. Si queréis informaros a fondo de las bases de esta convocatoria, pinchar AQUI y animaros a mandar vuestras propuestas ... tal como esta la situación, toda convocatoria es buena. 

martes, 24 de julio de 2012

Las instalaciones de sal de Motoi Yamamoto

Hoy os quiero presentar el trabajo de Motoi Yamamoto (山本基), un artista japonés que utiliza sal como material para construir sus obras.

En el país nipón, la sal es un elemento de purificación. De hecho, es un material indispensable en los rituales de la muerte: se suele entregar a los asistentes al final de los funerales para que esparzan los granos sobre ellos mismos y, así, alejen el mal de su cuerpo.

Yamamoto comenzó a utilizar este elemento cuando su hermana menor murió de cáncer cerebral con tan solo 24 años. Tras el trágico fallecimiento, el artista construyó enormes y detallados laberintos de sal como ejercicio necesario para su recuperación. De hecho, pensaba que este material podía ayudarle a recordar los momentos vividos con su hermana que estaban más escondidos en su memoria.

Él mismo dijo lo siguiente sobre su actividad artística:

 “Dibujar un laberinto con sal es como seguir el rastro de una memoria. Las memorias parecen cambiar y dispersarse con el tiempo. De cualquier modo, lo que busco es la forma de tocar un momento precioso dentro de mis memorias, algo que no puede conseguirse mediante textos o imágenes. Siempre sigo silenciosamente el rastro, que es tanto controlado como descontrolado a partir del punto de inicio, tras haberlo completado."






Para que conozcáis un poco más a este artista, os dejo aquí una serie de vídeos que espero que os gusten....

Video # 1: Yamamoto habla sobre su trabajo. 


Video # 2: la instalación "Labyrithn".


Video # 3: la instalación "Time Lapse".


Video # 4: la instalación "Return to the Sea".


Además, no dudéis en visitar la página personal y el blog del artista si os gusta su trabajo.

jueves, 19 de julio de 2012

Painting Reality: pintando la ciudad

Esta semana me van los colores. Si el martes os hablaba de una iniciativa llamada Let's Colour Project, hoy os quiero presentar una acción urbana conocida como Project Reality

Esta intervención, organizada por el artista holandés Iepe Rubingh, fue realizada en el concurrido cruce de la Rosenthaler Platz en Berlin (Alemania). En ella, participaron nueve "rebeldes" en bicicleta que vertieron 500 litros de pintura ecológica de cuatro colores diversos sobre el asfalto. Las ruedas de los coches y los pies de los peatones que pasaban por este lugar se convirtieron en auténticos pinceles que expandieron la pintura por todo el lugar. 

Esta acción se convirtió en todo un atentado expresivo y colorido en las calles alemanas... Ya me gustaría que todas las manifestacciones y acciones callejeras fueran así. 

martes, 17 de julio de 2012

Let´s Colour Project

La compañía británica de pintura Dulux comenzó hace dos años una campaña de intervención urbana llamada    Let´s Colour Project. Con dicho proyecto, esta empresa pretendía transformar los espacios más deteriorados de las ciudades y convertirlos en lugares vibrantes y llenos de color. 

La marca animaba a los vecinos a pintar de colores las calles, las casas, los colegios y las plazas de sus barrios para convertir esas zonas en áreas más habitables. La ayuda masiva de los habitantes y el trabajo comunitario se convertían así en factores trascendentales para cambiar el entorno y mejorar la ciudad.









Este proyecto se inauguró en marzo del 2010 y, desde entonces, se han realizado intervenciones en Rio de Janeiro, Londres, Paris o Jodhpur. Proyectos así merecen ser difundidos alrededor del mundo. Pueden ayudar a que zonas pobres y grises sean más alegres ... más humanos.


Si queréis conocer más esta iniciativa, no dudéis en visitar la página web pinchando AQUI.

viernes, 13 de julio de 2012

El estudio "Comunicación 2.0 entre museos y periodistas"

En las últimas décadas, el sector de la comunicación ha cambiado de forma impresionante a todos los niveles. Dicho cambio se debe en gran parte a la aparición y democratización de Internet y, más recientemente, de las redes sociales. 


Ese cambio ha afectado también a los museos de arte, que han intentado adaptarse a la era de las nuevas tecnologías (aunque muchas veces sin tanta rapidez como se desearía). A pesar de sus deseos, numerosos museos aun se encuentran muy por detrás de otros sectores de la sociedad en términos virtuales y aun deben desarrollar mucho su participación dentro de la red y su comunicación con otros usuarios. Pero para que dichos museos evolucionen, es fundamental que sus directores conozcan primero cuál es la situación actual de estas instituciones en el campo virtual. Por ello, dichos directores deben enfrentarse a preguntas imprescindibles como la siguiente:
   
¿Es suficiente la comunicación 2.0 que tienen nuestras instituciones culturales con otros usuarios?


Hace unos días se publicó el estudio Comunicación 2.0 entre museos y periodistas que ha sido realizado por Clara Merín, responsable de prensa de La Casa Encendida. Para dicho estudio, Clara ha conseguido realizar una serie de encuestas a diversos profesionales con el objetivo de analizar las relaciones de los museos y centros de arte españoles con los periodistas a través de Internet. 

Si estáis interesados en leer este estudio, no dudéis en pinchar AQUI y disfrutar. Para todo aquel interesado en la comunicación 2.0, es imprescindible conocer este trabajo.

Aprovechando este estudio, no quiero dejar pasar la oportunidad de presentaros una conferencia muy interesante en la cual se habla sobre diversas estrategias de comunicación y difusión en Internet para los museos. Espero que os guste!

                                      

Nam June Paik, obsesión por la televisión y el video


Ordenadores y televisiones creados con pantallas cada vez más planas, mp3 y móviles del tamaño de cerillas y Cds del grosor de una hoja de papel que guardan toda la información. Con el rápido desarrollo de la tecnología, el video parecer ser ya un elemento viejo, antiguo y caduco. Sin embargo, siguen habiendo numerosos fanáticos de esta tecnología y varios artistas lo siguen usando como medio de expresión. La lógica del mundo tecnológico y los sentimientos típicos del arte están unidos en una tendencia artística, el video arte. Este movimiento surgió en Estados Unidos y Europa a principios de la década de los 60, una época en la que muchos artistas querían romper con la monotonía y la inmovilidad típica del arte tradicional. Por ello, empezaron a buscar nuevos medios de expresión. Es en este momento cuando la televisión y el video, aparatos que contribuían a superar las barreras del tiempo y el espacio, comenzaron a popularizarse y se convirtieron en símbolos de la imagen en tiempo real. Por su interés, numerosos artistas decidieron sacar provecho de estos aparatos. Entre ellos, un artista coreano se convirtió pronto en una figura central para la historia del arte. Su nombre era Nam June Paik y es considerado por todos los historiadores del arte como el padre del video arte. 



Paik nació en Seul en 1932. Tras cursar sus estudios de música en su ciudad natal, se trasladó a Japón en 1950 para realizar una tesis sobre Schönberg. Más tarde, decidió emigrar a Alemania, donde pronto entró en el laboratorio de investigación de música electrónica de Radio Colonia. Fue allí donde comenzó a tener contacto con artistas pertenecientes al grupo Fluxus y se inició en el terreno del performance y la música experimental, realizando una serie de películas desprovistas de imágenes a las que llamó  anti-films. Pero aunque sus primeras manifestaciones artísticas estuvieron relacionadas con las performances musicales, poco a poco empezó a mezclar estas con experimentos relacionados con la TV, el video y las nuevas tecnologías. 

En 1963 expuso su primera pieza con monitores de televisión en la galería Parnass, en Wuppertal (Alemania). Dicha obra, a la que llamó "Exposition of Musik / Electronic Television",  era una instalación peculiar y poco tradicional compuesta por doce monitores de televisión e instalada en el patio de la galería. Todos los aparatos tenían interruptores de pedal para que los visitantes los pulsaran y, de esa forma, provocaran  interferencias en las pantallas. Con obras como esta, esta exposición provocó el rechazo del público burgués de aquellos años y la atención de gran parte de los profesionales del arte. Usando elementos tan populares como la televisión, la imagen y el sonido, Paik había conseguido remover y atacar los gustos todavía tradicionales de numerosos seguidores del arte. 


A pesar del escándalo que supuso esta exposición, el coreano decidió continuar experimentando: siguió reciclando monitores televisivos y utilizando imágenes de video como materia prima para sus obras. Estaba seguro de que "el tubo de rayos catódicos de la televisión reemplazará el lienzo" y quería explorar la percepción y las deformaciones sensoriales que podían provocar las imágenes, los sonidos y los monitores de televisión. Desde entonces, no paró de crear instalaciones, video esculturas, performances y video. Durante años, modificó aparatos, grabó sus propias imágenes en video y alteró imágenes previamente registradas aplicando directamente sobre las pantallas imanes, mandos, resistencias o impulsos sonoros que retorcían las líneas de emisiones. 



Con sus obras, pretendía llamar la atención sobre la actividad cotidiana, masiva y popular de ver la televisión y convertir esta acción en arte. Quería crear desconcierto en los espectadores y, a la vez, ayudarlos a reflexionar sobre la manera en que somos utilizados y absorbidos por el continuo bombardeo de imágenes. Uniendo arte y nuevos medios, tecnología y filosofía, Paik ha creado escuela y sus obras se consideran un claro referente  de los vídeos de rock y los anuncios publicitarios actuales. Él, realmente, fue el padre del video arte. 



Para terminar, os dejo una entrevista que realizó este artista hace años en la que habla sobre sus ideas.... Espero que tengáis tiempo para dar al botón de inicio y disfrutar! 

# Parte 1


# Parte 2

# Parte 3

jueves, 12 de julio de 2012

Conferencia "Coleccionismo y Mecenazgo en el siglo XXI", por Glenn D. Lowry

En los últimos años, la Fundación Arte y Mecenazgo ha organizado varias conferencias con importantes personajes del mundo de la cultura que, con sus charlas, enseñan ideas esenciales del mundo artístico y cultural. Por sus salas, han pasado ponentes de la talla de Ginevra Elkann, Patricia Phelps de Cisneros, Chris Dercon o Bernard y Almine Ruiz Picasso

En marzo del 2011, dicha fundación invitó a Glenn D. Lowrydirector del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), para que diera una charla sobre coleccionismo y mecenazgo en el siglo XXI. Por su interés, no he querido perder la oportunidad de dejaros el video de dicha conferencia para que la disfrutéis.

                           

Si en vez de ver el video preferis leer la conferencia, os dejo también unos links en los cuales podeís encontrar el texto de esta charla tanto en inglés como en español:


Espero que os guste.

domingo, 8 de julio de 2012

Entrevista a ... la ilustradora Almudena Cuesta (Mü)

Almudena Cuesta, también conocida como Mü, es una joven artista multidisciplinar que actualmente trabaja como ilustradora, diseñadora gráfica, fotógrafa, decoradora y creativa freelance. De hecho, su trayectoria abarca diseños publicitaros, ilustraciones para sumplementos y periódicos, diseños web, carteleria, merchandising, etc…

Yo descubrí su trabajo hace un tiempo y tengo que decir me gusta bastante todo lo que hace. Esta semana he tenido la suerte de poder realizarle una pequeña entrevista cuyas preguntas y respuestas os presento hoy aquí.... Espero que este post os ayude a conocer algo más a esta artista y que, por supuesto, disfrutéis leyendo! 



Para empezar, nos gustaría saber de dónde vienes y cuándo empezaste a interesarte por el arte.

Nací en 1983 en Palencia y siempre he dibujado desde que yo recuerdo. Tengo un amigo que me decía que siempre pintaba todo: la mesa, el flexo, la pared… Supongo que me di cuenta del gran interés que tenía por el dibujo tarde, porque me dio por estudiar Ciencias Puras. Pero hace 11 años vine a Madrid, estudié Bellas Artes en Aranjuez y es lo mejor que pude hacer.

Trabajas como ilustradora, diseñadora grafica, fotógrafa, decoradora... Pareces una artista multidisciplinar pero ¿en cuál de estos sectores te sientes más cómoda?

Bueno, realmente con lo que disfruto es con la ilustración y el dibujo e intento conjuntar esto con cualquier otra disciplina (diseño, cartelería, decoración o lo que sea).



En cuanto a tu estilo, ¿cómo lo definirías?

Mezclo varias técnicas (lápiz, tinta china, acuarela, rotulador) y cualquier material que vaya con la idea que quiero transmitir… Debido a mi afición a los cómics, procuro que cada dibujo cuente algo en sí mismo, aunque sea una ilustración sola.

A la hora de trabajar, ¿qué otros creadores admiras y cuales te influyen más?



A parte de estos nombres, ¿qué otras cosas te inspiran cuando creas?

El cine, los superhéroes, la música, libros, la gente que me rodea, las historias que me cuentan, la situación actual, los viajes…

¿Cómo trabajas desde que te encargan un proyecto?

Intento meterme en la cabeza de la persona que me lo pide. Aun así, muchas veces es complicado: hay clientes que, en vez de decirte color gris por ejemplo, te dicen que prefieren algo más etéreo y metálico… Pero procuro dar el 100 % siempre.




Como algunos escritores, ¿sueles tener también respeto a la hoja en blanco?

Lo tenía, hasta que dejé de ponerme delante de un folio en blanco y lo cambié por periódicos, cartones y paredes. Hace poco descubrí que el miedo desaparece si no paras de dibujar.

De todos los proyectos que has hecho, ¿de cual te sientes más orgullosa o a cual le tienes un aprecio especial?

Cuando trabajé en el periódico Festival Globe de Copenhage, tuve que hacer una ilustración diaria durante los doce días que duraba el festival Roskilde. Fue un poco estresante porque tenía reuniones en danés y no entendía nada de lo que pasaba pero el hecho de ver tu trabajo en manos de tanta gente nada más unas horas después de realizarlo fue increíble.

¿En que proyecto estas trabajando ahora?

Ahora estoy dibujando una novela gráfica. Es algo que he ido retrasando poco a poco pero finalmente me he puesto con ello. Me está quitando días de vida, pero ¡lo terminaré!




Por otro lado, nos gustaría saber cual es tu opinión sobre el panorama artístico en nuestro país: ¿cómo ves el mundo de la ilustración en España en comparación con otros paises?

Bueno, hay muchos ilustradores, muy buenos, cada vez más, pero en España, igual que el diseño gráfico pienso que está infravalorado en todos los sentidos. No es un hobby, es mi trabajo, y cuesta explicar que no comemos con favores. Siempre he hecho más trabajos fuera y han sido muy gratificantes, por algo será.

Por otro lado, ya que esta entrevista se publica en un blog online, nos gustaría saber cuál es tu opinión sobre la relación entre el arte y las nuevas tecnologías: ¿qué ventajas y desventajas creéis que ofrecen las nuevas tecnologías y las redes sociales a la hora de promocionar, enseñar y divulgar arte?

Es una plataforma enorme para darte a conocer y compartir con los demás tu trabajo, para ver lo que se hace en cualquier parte del mundo. Ahora, tal y como están las cosas, es imprescindible. En mi caso me ayuda a no guardar todo en un cajón y a tener la posibilidad de colaborar en un montón de proyectos. Gracias a iniciativas como la tuya las personas como yo podemos llegar a más gente.



¿Crees que internet perjudica o ayuda al creador?

Ayuda 100 %, aunque a veces, de toda la información que tengo almacenada no sé si alguna de las ideas que se me ocurren son mías o es que ya las he visto.

Por ultimo, nos gustaría que respondieras rápidamente a lo siguiente:

            Un libro: El viaje en globo del ingeniero Andrée.
            Una película: Los Goonies.         
            Una canción: Just, de Radiohead.
            Un diseñador: Sergio Gabás.
            Un ilustrador: Brian Bolland.


Si os ha gustado la entrevista, no dudéis en ver este video que os dejo aquí debajo en el cual se ve a Almudena en pleno proceso creativo.



Y si queréis ver más obras realizadas por esta artista, visitar su página web pinchando AQUÍ. 

viernes, 6 de julio de 2012

La instalación "In Order To Control", de NOTA BENE Visual

Un buen amigo me ha hablado de una instalación interactiva llamada In Order To Control que fue realizada hace varios meses por NOTA BENE Visual, un estudio multi-disciplinar con base en Estambul. 

Dicha instalación consta de un texto que es proyectado en el suelo de un habitación. Cuando las personas se acercan a leerlo y se sitúan sobre lo proyectado, sus propias sombras rellenas de palabras son dibujadas en la pared. Da la sensación de que sus siluetas en movimiento hubieran cortado el suelo y trasladado ese texto a la pared. Sorprendente....




                                          

jueves, 5 de julio de 2012

Ferias de arte versus casas de subastas

Hace unas semanas se publicó en la página web del conocido periódico The Art Newspaper un video en el cual grandes profesionales del mundo del arte hablan de los papeles que tienen las ferias de arte y las casas de subastas en el mercado. 

Gracias a este video, podéis escuchar las opiniones tanto de los galeristas Nicholas Maclean y Joost Bosland como de Simon de Pury, presidente de la casa de subastas Philip de Pury. Si os gusta el mercado del arte y todo lo que este mueve alrededor, no dudéis ni un segundo y dar al "play".   

                                    
Título: "Art Fairs versus Auction Houses: a market big enough for both".
Idioma: inglés. 

miércoles, 4 de julio de 2012

Las "Memorias urbanas" de Juan Garaizabal en la Galería Álvaro Alcázar de Madrid

Artículo publicado en Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC).

Exposición del 7 de junio al 22 de julio del 2012.



Con motivo del festival PhotoEspaña, la Galería Álvaro Alcázar inauguró el pasado 7 de junio la primera exposición individual del artista Juan Garaizabal en esta galería. Dicha exposición, llamada “Memorias urbanas. Berlín-Paris-Madrid”, es todo un canto tanto a la nostalgia causada por la destrucción como a la importancia de la memoria urbana.



Garaizabal, nacido en Madrid en 1971, es un escultor conceptual cuya actividad artística esta volcada en la creación y transformación de espacios. Con su proyecto “Memorias urbanas”, este artista pretende recrear la estructura de edificios de gran valor que han desaparecido a lo largo de la historia. Para ello, estudia esas construcciones a partir de fotografías antiguas y, tras realizar estudios previos, pretende construir instalaciones de acero a gran escala que recrean las líneas de esos edificios. Gracias a esas instalaciones escultóricas, el artista intenta materializar el espíritu de las construcciones originales y realizar auténticos homenajes al pasado: 

"Las estructuras son el resultado de la búsqueda, de la esencia de los elementos. El alma reside en sus líneas maestras, nervios metálicos que transmiten y soportan todos los esfuerzos de la construcción original, contrapesándose unos a otros, constituyendo su integridad. Al mismo tiempo, dicha integridad plantea la mejor y más completa apertura al entorno, despojada de muros, capaz de ser desmontada, transportada y vuelta a montar. Son presencias mínimas, mecanismos sostenibles que remarcan ausencias imponentes".

Parte del texto publicado en el folleto de la exposición. 
Ver texto completo pinchando AQUI.



En esta exposición organizada en la Galería Álvaro Alcázar solo se muestran las obras preparatorias para la recreación de tres edificios ya desaparecidos: la Iglesia Bohemia de Berlín, el Palacio de las Tullerías de París y el Mercado de Olavide en Madrid. La misión final del artista es utilizar esas obras preparatorias para realizar las replicas en metal de los edificios en los lugares donde algún día existieron las estructuras hoy destruidas. 

De hecho, Garaizabal acaba de materializar su primera gran Memoria Urbana en pleno centro de Berlín: el pasado 26 de junio instaló una gran estructura de treinta y un metros de altura y sesenta toneladas de peso que representaba la Iglesia Bohemia y, junto a un sistema luminoso, consiguió resaltar la imponente ausencia de ese edificio. 


No dudéis en visitar esta exposición, que estará abierta hasta el próximo día 22 de julio. Podréis disfrutar de varias obras realizadas con técnica mixta además de fotografías y maquetas a pequeña escala de las obras finales. Sin desperdicio. 

domingo, 1 de julio de 2012

El corto `Address is Approximate´, de Tom Jenkins

Hoy os presento un original cortometraje de animación llamado Address is Approximate que fue creado por el director y animador Tom Jenkins

En tan solo unos pocos minutos, este corto cuenta la historia de un solitario juguete de escritorio que sueña con escapar de su aburrido rincón de oficina. Para conseguirlo, decide emprender un viaje por carretera hacia la Coste del Pacifico en un pequeño coche. Lo original de esta historia es que el juguete realiza el viaje utilizando la aplicación Google Maps Street View instalada en uno de los ordenadores de la oficina donde vive. 

Espero que lo disfrutéis tanto como lo he disfrutado yo!


Título: Address Is Approximate.
Año: 2011.
Técnica: stop motion. 
Director: Tom Jenkins. 
Productora: The Theory.