viernes, 19 de mayo de 2017

Mujeres y publicidad: buscando imágenes éticas y responsables

Quiero salir de mi zona de confort (el mundo del arte) para escribir sobre un asunto que, al fin y al cabo, nos afecta a todos aquellos que disfrutamos del mundo visual y trabajamos con los ojos: el poder de la imagen y el uso irresponsable (muchas veces incluso indecoroso) que se hace de ella.

La idea para este artículo comenzó hace unos días, más específicamente el pasado 12 de mayo. En esa fecha nos levantamos con una noticia curiosa: la organización de consumidores FACUA denunciaba al torneo de tenis Madrid Open por un folleto publicitario. A simple vista este parecía inocente: promocionaba los palcos vip con fotos de algunos de los jugadores que participaban en el evento. Hasta aquí todo bien. El problema se encontraba, sin embargo, en los textos que acompañaban dichas imágenes: a los tenistas hombres se les describía como “las mejores raquetas del mundo”, mientras que a las tenistas mujeres se las presentaba como ejemplos de belleza y elegancia.

Parte del folleto de Madrid Open

Esas descripciones eran en si ya un hecho grave. Pero lo peor de todo fue darse cuenta de que varios amigos, muchos de ellos jóvenes con estudios universitarios y cierta mente avanzada y progresista, parecían no darse cuenta de lo peligroso detrás de esas palabras. Al enseñarles el folleto por primera vez, un gran número de ellos parecía haber perdido su sentido crítico y no encontraba el problema en esas descripciones. No se daban cuenta de que esa publicidad estaba bastante fuera de lugar, al cosificar a las jugadoras y reducir al mínimo su valía profesional: ellos son muy buenos en el campo, pero ellas sólo están ahí por su hermosura, no por su habilidad deportiva y profesionalidad. Menudo ejemplo para los más pequeños: les estamos dando a entender que ellos pueden conseguir lo que quieran (y serán reconocidos), mientras que de lo único que se tienen que preocupar ellas es de estar guapas.

Nos encontramos en un momento en el que mucha gente cree que el machismo se ha reducido a casos aislados, pero siguen surgiendo situaciones machistas a diario en la televisión, en la publicidad y en la vida cotidiana. Y lo más deprimente es que hay gente que ha asumido tanto ese machismo que no es capaz de reconocer los signos en cuanto los ve. ¡Abrid los ojos! En la mayoría de los anuncios las mujeres son sólo objetos sexuales para premiar a los hombres o las únicas responsables del cuidado de sus casas (véase los spots de desodorantes y colonias masculinas, detergentes o productos de cocina); en las películas o series de televisión ellas sólo aparecen para hablar de sus problemas con los hombres o sus relaciones amorosas (como si no hubiera vida más allá de nuestras parejas); y en numerosos programas de televisión ellos van bien tapados y ellas están medio desnudas (porque ya se sabe: ellos son los listos, nosotras las guapas). El folleto de Madrid Open es, pues, sólo uno de los miles de ejemplos a los que nos debemos enfrentarnos las mujeres. La imagen de la mujer se ha simplificado, reducido y cosificado tanto que ya nos parece normal, pero ¿dónde están los demás prototipos de mujeres? ¿Dónde se representan esas mujeres fuertes, independientes, profesionales? Menudo panorama más desalentador.

Anuncio del desodorante AXE

No podemos negar que se han conseguido muchas mejoras hasta ahora (sólo hay que volver la cabeza atrás y ver esos anuncios de los años 50), pero aún quedan muchas cosas por las que hay que seguir batallando. Y los sectores de la publicidad, la televisión o el cine deben ayudar a romper con la tendencia machista que ha habido hasta ahora. Los responsables de estos contenidos deben darse cuenta del poder que tienen en sus manos y comenzar a utilizar las imágenes desde un punto de vista más ético y responsable.

Y no sólo lo digo yo. Hay muchos artistas que, dentro de sus posibilidades, critican el tratamiento de la imagen femenina en la actualidad. No podemos olvidar, por ejemplo, el trabajo de la activista española Yolanda Domínguez (personalmente me encantan trabajos suyos como Katy Salinas, Esclavas, Fashion Victims o Niños vs. Moda). Pero también hay otros nombres tales como Martha Rosler y su trabajo Semiotics of the Kitchen, Saint Hoax y su serie Make America Misogynistic Again, o Nadie Gómez Kenier y su trabajo Macho sobre todas las cosas. Sigamos sus pasos y critiquemos aquello que no nos guste.

Niños vs. Moda
de Yolanda Domínguez 

lunes, 15 de mayo de 2017

Elisa Rodriguez conquista las calles

Es mediados de mayo y el tiempo parece haberse vuelto loco en Valladolid: el sol y la lluvia llevan varios días luchando para ver quién es el rey. Aún así las calles continúan inundadas de peatones con paraguas, coches en marcha, tiendas abiertas y repartidores yendo de un lado a otro en sus furgonetas. Dentro de esta locura urbana, la gente pasa sin inmutarse frente a las vallas publicitarias que decoran la calle de Felipe II, en el centro histórico de la ciudad castellano-leonesa. Paso ligero, cabeza baja, ojos mirando las pantallas de sus móviles. Pocos de ellos parecen percatarse de que una de esas vallas contiene, desde hace unos meses, el último proyecto de la artista Elisa Rodriguez. 

Se trata de "Ocho por tres", una iniciativa realizada con el apoyo de la Fundación Villalar - Castilla y León. Gracias a una beca otorgada por esta institución, Elisa ha alquilado ese espacio destinado tradicionalmente a la publicidad con un fin muy original: ofrecérselo a una decena de creadores, entre fotógrafos, pintores y diseñadores gráficos, para que actúen sobre él durante los próximos doce meses.


Pero esta no es la única intervención artística que ha planeado la artista en Valladolid para estos meses: también ha conquistado otras marquesinas localizados en diferentes emplazamientos de la ciudad para presentar su propio trabajo artístico en ellos. Es un proyecto muy similar al que ella misma desarrolló entre 2012 y 2014 en Lituania con ocasión de un master de pintura que realizó en la Academia de Arte de Vilna, pero modificado para adaptarlo a su propia ciudad natal. Una idea sencilla, interesante y muy atractiva. 




¿Qué pretende Elisa con un proyecto así? La respuesta es sencilla: principalmente sacar el arte contemporáneo de los museos y centros de arte, considerados por muchos recintos cerrados y elitistas. La artista cree que las calles y demás espacios públicos pueden ser los lugares ideales para que jóvenes artistas, vetados de los grandes museos, puedan presentar su trabajo al público… y también son los espacios perfectos para acercar el arte a la gente menos interesada en él (ya se sabe: si la montaña no va a Mahoma, Mahoma va a la montaña).


Con todo este proyecto, Elisa continua una tendencia artística comenzada ya hace décadas. Debemos recordar, de hecho, como otros muchos artistas han conquistado ya en el pasado los espacios reservados a la publicidad para lanzar sus mensajes, tal como Julian Opie, Sarah Morris, Lisa Ruyter, Jenny Holzer o Felix González Torres. Pero esta es la primera vez que algo así se hace en una ciudad tan conservadora artísticamente como Valladolid y espero que la iniciativa cale fuerte en la ciudad y entre sus habitantes. 

lunes, 10 de abril de 2017

¿Qué exposiciones ver esta primavera?

¡Por fin! La primavera trae consigo el buen tiempo, la poca ropa, las terrazas al sol y las cervecitas... Pero también surgen numerosas exposiciones a lo largo de la geografía española interesantes para visitar. Hoy os quiero recomendar una serie de muestras que pueden ayudarnos a disfrutar aún más de estos meses. Lógicamente, por falta de espacio, no puedo poner todas las que me gustaría, pero al menos si aquellas con las cuales podéis empezar. ¿Qué os parecen? 

LA HABITACIÓN DE LOS LIBROS PROHIBIDOS

Artista: Alicia Framis
Fechas: del 20 de enero al 14 de mayo de 2017
Lugar: Blueproject Foundation (Calle Princesa 57, Barcelona) 

Os recomiendo empezar el recorrido visitando la Blueproject Foundation, donde se acaba de inaugurar la nueva exposición individual de Alicia Framis. La artista catalana ha ocupado el espacio principal de la fundación, Il Salotto, con una gran instalación perteneciente actualmente a la Colección Banc Sabadell: “La habitación de los libros prohibidos”.

Esta obra, inédita en España, se enmarca dentro de “Habitaciones Prohibidas”, una serie de espacios en los que Framis cuestiona el entorno social y humano. En esta ocasión la artista crea una sala llena de libros que están o han sido prohibidos, y cuyos autores han sufrido o siguen sufriendo dificultades con el poder judicial o político. La sala se convierte prácticamente en un lugar de estudio y reflexión donde todos podemos evaluar los daños de la censura en libros a lo largo del tiempo, muchos de ellos considerados ahora verdaderas obras maestras. Los visitantes están invitados a entrar en el espacio y leer aquellos textos que quieran, enfrentándose así a lo prohibido, a lo secreto, a lo clandestino. ¿Os animáis?


SUJETO VULNERABLE 

Artista:
Verónica Vicente
Fechas: del 31 de marzo al 27 de mayo de 2017
Lugar: Galería La Gran (Calle Claudio Moyano 16, Valladolid)

Nuestra segunda parada puede ser La Gran, un espacio en el centro de Valladolid. Esta galería inauguró el pasado 31 de marzo una nueva exposición de Verónica Vicente. Titulada “Sujeto vulnerable”, la muestra presenta la evolución estilística y filosófica de la joven artista gallega a través de varios trabajos.

Por un lado, nos encontramos con videos y fotografías en los que el cuerpo humano es el protagonista principal, pero de una forma diferente a la habitual. Verónica reduce los cuerpos prácticamente a objetos moldeados a través del volumen, la forma y la luz. Las personas retratadas se convierten casi en esculturas que ocupan un espacio hiperestetizado o completamente despersonalizado.

Por otro lado, también podemos disfrutar de una serie de pequeñas obras que juegan con nuestra percepción del entorno. A través de unas imágenes tomadas desde un punto de vista peculiar (colocando la cámara debajo de elementos colgantes o a través de estrechas rendijas), la artista nos convierte en auténticos voyeurs que esperamos ver otras vidas sin ser vistos. Son obras en las que parece que no sucede nada, pero de las que no podemos quitar la mirada: nos seduce el morbo, la curiosidad, y la posibilidad de que aparezcan secretos ocultos.

Con todas estas piezas, se destaca sin duda la capacidad de Verónica de crear imágenes con un increíble preciosismo técnico: presenta composiciones y encuadres perfectamente estudiados, en donde destaca el uso de “los juegos geométricos o el uso del color como elementos simbólicos.” Una exposición digna de ver y disfrutar.


RAMAS

Artista: José Manuel Ballester
Fechas: del 28 de marzo al 28 de mayo de 2017
Lugar: Tiempos Modernos (Calle Arrieta 17, Madrid)

Nuestro siguiente protagonista es el veterano José Manuel Ballester. Tras una larga carrera de más de veinte años, el pintor y fotógrafo vuelve a sus orígenes de dibujante para acercarse a la naturaleza más primitiva y básica. Y la prueba es su última exposición, “Ramas”, inaugurada hace unos días en la tienda madrileña Tiempos Modernos.

El artista muestra en esta ocasión una docena de dibujos de ramas, trabajados a la manera oriental. Usando pincel y tinta china, crea obras simples y sutiles, sin mucha parafernalia ni teatralidad, pero realmente seductoras. Cada pieza está compuesta por lineas sobrias, trazos limpios y papeles con texturas ricas, creando un resultado muy poético y minimalista. 

Ante estas piezas, no puedo dejar de pensar en aquellas palabras del escritor cubano Reinaldo Arenas en las que decían que “los árboles tienen una vida secreta que sólo les es dado conocer a los que se trepan a ellos.” Ballester se ha convertido en uno de los últimos exploradores que quiere mostrar al mundo el esqueleto y la simplicidad de los árboles. Una oportunidad única para disfrutar de una colección realmente agradable, y ver cómo es capaz de conversar con las antigüedades de la propia tienda en la que se presenta. 


SENTIDO DEL OLFATO

Artistas: Olafur Eliasson, Ernesto Neto y Pae White
Fechas: del 29 de marzo al 13 de mayo
Lugar: Galería Elvira González (Calle Hermanos Álvarez Quintero 1, Madrid)

Continuamos el recorrido visitando la veterana galería Elvira González. Los artistas Olafur Eliasson, Ernesto Neto y Pae White han ocupado las salas de este espacio para presentar  una serie de obras en las que se ha incorporado el sentido del olfato como un factor de percepción.

La estructura de cada una de las obras en la exposición está directamente ligada al olor o aroma que de ellas se desprende, como si se tratase de un elemento de composición más como pueden ser el material, la forma o el color. En primer lugar nos encontramos con la instalación “Moss Wall”, de Eliasson, una obra viva hecha con liquen de los renos tejido en una maya de alambre a lo largo de una de las paredes de la galería. También podemos disfrutar de “Relachando estou atento…” realizado por Neto con olor a clavo, canela, pimienta y cúrcuma y en la que respiramos las raíces brasileñas del artista. Y para terminar White ha instalado cinco módulos con distintos olores cotidianos asociados a situaciones concretas que despiertan nuestra memoria. 

Está es una oportunidad única para disfrutar de una exposición de una forma diferente: con la nariz, además de con los ojos.


MEMENTO MORI (RECUERDA QUE MORIRÁS)

Artistas: Cécile Giovannini, Marcos Martínez y Valero Doval
Fechas: del 24 de marzo al 25 de abril 
Lugar: Galería Mr.Pink (Calle Guillem de Castro 110, Valencia)

Podéis terminar el viaje en Valencia, visitando la galería Mr. Pink. Es aquí donde se presentó hace unas semanas una exposición que reflexiona sobre la fugacidad de la vida y la dimensión humana. Tres artistas invaden, de hecho, el espacio para presentar proyectos individuales que recuerdan que todo es pasajero y tiene un final.

El primero de ellos, Valero Doval, expone una nueva serie llamada "Pineal Variations" en la que habla sobre la percepción y la manera en que interpretamos lo que percibimos a través de nuestros sentidos. Por otro lado, Marcos Martínez muestra en esta ocasión un mundo onírico y surrealista en el que une lo estético y la descontextualización de la imagen. Y por último, Cécile Giovanni enseña obras en los que construye y deconstruye el cuerpo humano como si fuera un maniquí, uniendo en esas piezas todas sus influencias (el cine, la publicidad, etc.). Tres visiones distintas igual de interesantes que nos ayudarán a disfrutar del final de nuestro recorrido.


Como véis son sólo cinco recomendaciones, pero creo que todas ellas son propuestas muy atractivas. ¡Espero vuestras opiniones!

miércoles, 29 de marzo de 2017

La precariedad cultural, esa gran losa

Hace ya unos años decidí acudir al I Encuentro de Cultura y Ciudadanía, celebrado en pleno centro de Madrid. Los organizadores, en un momento de creatividad, habían creado unas chapas con los nombres de diferentes profesiones del sector y nos pedían, nada más empezar, que eligiésemos una. La intención parecía clara: querían que el resto de asistentes fueran capaces de identificarnos con claridad en un mundo en el que las etiquetas parecen casi obligatorias. Aunque fuera un acto muy inocente (casi naif), no pude dejar de sorprenderme: ¿qué profesión elegir cuando he realizado trabajos tan diversos dentro del sector cultural en los últimos años? ¿Cómo catalogarme con una única expresión si mi curriculum demuestra la diversidad de mi pasado –y de mi presente– laboral (gestora cultural, periodista, comunicadora, comisaria, asistente personal, etc.)?


En ese debate interno me encontraba cuando alguien cercano a mi preguntó, de forma irónica, si no tenían alguna chapa en donde estuviera escrito “precaria cultural”. Me acuerdo reírme a carcajadas con tal ocurrencia, aunque pronto me di cuenta de la cruel realidad: a pesar de todos mis trabajos, a pesar de toda mi experiencia, era una precaria cultural de manual. Y eso que no era ya una estudiante recién licenciada con muchos castillos en el aire y pájaros en la cabeza. Había conseguido trabajar en un sector que me encantaba, había ocupado numerosos puestos (algunos ya con cierta responsabilidad), había creado proyectos propios (algunos de los cuales habían recibido buenas críticas), había colaborado con numerosas instituciones (algunas con gran prestigio)… pero todavía no había conseguido ni un empleo a largo plazo (o incluso a medio), ni un contrato en condiciones (no digo ya un contrato “bueno”), ni un salario realmente digno. 

Y os voy a hacer una declaración personal, brutal y algo desesperante: estoy a punto de cumplir 32 años y aún sigo siendo precaria. Sigo peleando día a día por conseguir algo más estable; sigo luchando porque mis proyectos salgan adelante (consiguiéndolo en 2 de cada 10 casos); sigo peleando por encontrar algo de financiación en un país en el que muchos sitios han cerrado el grifo; sigo rechazando ofertas de trabajo o colaboraciones deshonrosas (en los que me ofrecen sólo difusión en vez de salario porque "es bueno para mi"); sigo luchando día a día porque este sector es el que me gusta.  

Tengo que confesar que a veces desespera (sobre todo durante esos meses en los que llegar a fin de mes parece imposible). Incluso en muchas ocasiones he pensado que esta situación puede ser culpa mía: si a pesar de mis estudios, de mi formación, de mi experiencia, de mi entusiasmo, sigo siendo precaria es porque quizás haya algo que no este haciendo bien. Seguramente sea así en parte. Habrá cosas que pueda (y tenga) que mejorar durante mi búsqueda y lucha… pero lo más triste al enfrentarme a la precariedad cultural es haberme dado cuenta de que no soy la única que a mi edad se encuentra en esta situación. Numerosos compañeros comparten una desesperación parecida o similar a la mía. Incluso los que tienen algo más de suerte, aquellos que disfrutan de algún contrato que les otorga cierta estabilidad, tienen que enfrentarse a unas condiciones que en otros tiempos hubiesen sido calificadas de lamentables (salarios bajos, horas eternas, trabajos que no les corresponden, etc.). Sólo hay que recordar aquellas huelgas de trabajadores que afectaron a varios museos de Barcelona y Bilbao hace algo menos de un año (más información en el artículo Calidad laboral).

El Museo de Bellas Artes de Bilbao, uno de 
los centros afectados por las huelgas en 2016.

Varios amigos que trabajan en otros campos (muchos de ellos en sectores más estables y aburridos, todo hay que decirlo) me han recomendado intentar cambiar de sector… Y os juro que muchas veces me lo he planteado seriamente, más teniendo en cuenta la realidad a la que nos enfrentamos: estamos en un país en el que uno de cada siete españoles declara no pisar “nunca” un museo o biblioteca según las estadísticas oficiales (os recomiendo ver el informe publicado por el CIS hace ya varios meses). Desespera y asusta. A veces no se ve la luz al final del túnel.

¿Soluciones a la vista? Surgen muchas opciones: 
  • Educar a la sociedad para que se interese más por este sector (y consuma más productos y servicios).
  • Educar a los responsables de instituciones y proyectos culturales para que cuiden y mejoren las condiciones de sus trabajadores (creando empleo de calidad).
  • Evitar que los puestos de trabajo se conviertan en vitalicios, dejando hueco a jóvenes promesas.
  • Respetar los manuales de buenas prácticas (sobre todo en relación con asuntos laborales).
  • Etc...
Si os soy sincera: la cultura no es sólo mi trabajo, es también mi pasión. Aunque en numerosas ocasiones llego a fin de mes gracias a trabajos externos a este mundo, siempre intentaré estar en contacto con la cultura porque es lo que me da vida. Y siempre animaré a gente más joven a trabajar en esto, a esforzarse y a educar a los demás, porque sin cultura no somos nada. Todos aquellos que intentan vivir de este sector saben lo duro y lo gratificante que es al mismo tiempo. 

jueves, 23 de marzo de 2017

Real galería de retratos de gente que no existe, de Julio Falagán

Cuántas veces caminando por un mercadillo te has topado con el retrato de un desconocido y te has preguntado "¿Quién narices es este?". Seguramente todas tus dudas se hayan evaporado pronto y hayas seguido tu camino, olvidando rápidamente ese cuadro que aún continua esperando a un comprador.

La mayoría de nosotros vemos raro comprar un retrato antiguo de alguien que no conocemos para ponerlo en nuestro salón. Preferimos comprar una lámina de Ikea que colgar un cuadro original de alguien sin identidad en nuestras paredes. Pero aún hay gente que se sale de lo común y a la que le gustan los retos. Julio Falagán es uno de ellos. Este artista adora los mercadillos y le gusta dar una nueva vida a esos objetos antiguos que nadie quiere ya.

De hecho comenzó hace un par de años a recopilar retratos aleatorios por los mercadillos de distintas ciudades. Consiguió reunir en total 31 cuadros anónimos y quiso darles una vida, crearles una historia, darles una nueva identidad... pero ¿cómo? Llamó a una serie de amigos relacionados con el arte (críticos, escritores, gestores culturales, etc.) y les pidió que, tras elegir uno de esos retratos, escribieran un texto inventando su historia, su biografía, su pasado. Falagán se basó en cada texto para intervenir los cuadros originales, salvando del olvido a los personajes retratados y creando autenticas obras maestras.

Tituló al proyecto Real galería de retratos de gente que no existe y en estos momentos lo expone en la Galería 6+1, en el centro de Madrid. La exposición estará abierta sólo unos días más, hasta el 31 de marzo, y no he querido dejar pasar más tiempo sin hablar con el artista para que nos hable él mismo sobre su trabajo.

El artista en la galería

Hola Julio. Para empezar, dinos cómo surgió la idea de crear esta iniciativa.

Entre todas las cosas que suelo comprar en los mercadillos, había conseguido varios retratos y los tenía en mi estudio. Me llevaban observando demasiado tiempo y había que darles conversación. 

Normalmente trabajo con obras de la cultura popular para desarrollar mis proyectos (habitualmente con el paisaje y desde hace un par de años con el bodegón)... y simplemente sentí que había llegado la hora de presentar esos retratos para cerrar el círculo de los grandes géneros clásicos. Me enfoqué en los retratos y busqué seriamente por almonedas, casas de subastas y mercadillos para recopilar un buen número de ellos.

¿Qué te atrae del hecho de recuperar objetos antiguos y darles una vida nueva?

Me gusta trabajar partiendo de lo obsoleto, lo banal, lo pasado por alto. También me atrae el aura que ya poseen esas obras y a las que sólo hay que darle brillo. Otro factor importante a la hora de decantarme por estas manipulaciones es que todo el mundo reconoce esas obras como suyas; todos hemos crecido rodeados de esa imaginería. El espectador, al hacerla suya, rompe la barrera elitista del arte contemporáneo, se convierte en algo comprensible y cercano y bajamos la guardia. Es en ese punto donde aprovecho para introducir mensajes críticos usando la ironía y el humor. Esos mensajes llegan a mayor número de personas gracias al uso de este medio.

Algunas de las obras del proyecto
intervenidos por el artista

Has pedido ayuda a diversos profesionales del mundo cultural para que escriban "las historias" de cada uno de los retratados. ¿Qué destacarías de esa colaboración?

Lo que destacaría es la generosidad que me han demostrado todos. En un momento en el que estamos rodeados de crisis, negatividad, fracasos y competitividad malsana, estas personas han demostrado una gran humildad y ganas de jugar. Han tirado por tierra la fama de egocéntricos e independientes que rodea al mundo del arte. 

¿Hay alguna de las obras del proyecto a la que le tengas especial cariño?

Tengo cariño a todos pero hay dos retratos, el de Giuseppe y el de Giovanna, que son especiales. Los compré en Porta Portese, el mercadillo más importante de Roma, y los tuve colgados en mi dormitorio de la Academia de España en Roma durante casi toda mi residencia. Eran mi familia romana.

Uno de los cuadros con su texto

Tu exposición cierra el próximo 31 de marzo. Una vez que ya se termina, ¿cómo evalúas los resultados?

Muy gratificantes en muchos aspectos. El más importante de todos ha sido el reencuentro con los amigos que han escrito los textos, aunque también me ha gustado mucho lo que he aprendido al abordar las obras. Era una colaboración entre tres personas: primero el pintor original del cuadro, luego el escritor del relato que le da vida y después yo dando mi versión de todo ello en la manipulación del original. Me tenía que adaptar a los estilos de cada uno de ellos y en cada caso era diferente. Esta tipo de experimentación que te saca de tu zona de confort y el hecho de ponerme en último lugar ha sido toda una experiencia. Fue como desprenderme de mis vicios estilísticos para ser más funcional y respetuoso con el resultado.

Para terminar, ¿qué otros proyectos tienes en mente?

Con respecto a esta exposición, distribuir los libros que hemos editado con la recopilación de todos los textos y retratos de la exposición, que vienen introducidos por un magnífico prólogo de Fernando Castro Flórez. También durante la clausura de la exposición el día 31 de marzo haremos algo muy especial: presentaremos el proyecto 100 Marías de Rafa Doctor, compuesto por 100 obras originales creadas por Rafa. 100 pinturas y collages diferentes que parten de una misma imagen: el retrato de María, la niña a la que Rafa dio vida con su texto en el proyecto de Real galería de retratos de gente que no existe. Esas obras se expondrán y podrán adquirirse por tan solo 25 euros cada uno, de los cuales el importe integro será donado a ANIMAL RESCUE ESPAÑA

Mas allá de esta exposición, estoy preparando un proyecto para el CEART en abril y otro para el Museo Patio Herreriano de Valladolid en junio.

Portada del libro 
editado a raíz del proyecto.

Si queréis saber más sobre este artista, podéis
visitar su página web:
www.juliofalagan.com

domingo, 26 de febrero de 2017

ARCO: Entrevista a Larisa Luz Zmud, directora de la galería Slyzmud

Uno de los grandes protagonistas de esta semana es, sin duda, Argentina. Numerosas galerías del país latinoamericano han cruzado el Atlántico para participar como invitados en la feria nacional por excelencia: ARCO. 

Entre todos esos espacios me gustaría destacar principalmente uno en concreto. Se trata de Slyzmud, un espacio con base en Buenos Aires que ya ha trabajado con anterioridad  en nuestro país. Hablamos hoy con Luz Zmud, una de sus directoras, para que nos cuente su historia y sus planes


¿Cuándo y cómo surgió la idea de inaugurar Slyzmud?

Surgió en 2011. Natalia y yo habíamos coincidido anteriormente en diversos proyectos relacionados con el arte, pero fue en ese año cuando nos dimos cuenta de que teníamos algo particular y la fuerza para comenzar un proyecto propio.

¿Cuántas personas trabajáis detrás de esta galería?

Básicamente Natalia y yo, y una asistente que trabaja con nosotras desde hace dos años. Aún así solemos colaborar de forma temporal con otros profesionales cuando lo necesitamos: un montajista, una diseñadora, un electricista, un carpintero, y algunos asistentes extras.

Representáis a un buen número de artistas. ¿Cómo suele ser vuestro proceso de selección? ¿Tenéis algún criterio de elección?

En general una de las dos suele proponer el trabajo de un artista a la otra. Normalmente esa propuesta suele tener algún elemento que nos remite a aspectos de la galería o de la escena del arte que nos interesa. En general tenemos en cuenta la generación a la que pertenecen los creadores, así como el hecho de intentar generar un panorama variado de lenguajes y sentidos.

¿Qué suponen las ferias de artes para vosotros? ¿Crees que es importante estos eventos para la actividad de una galería?

Las ferias de arte son eventos muy significativos para la actividad de la galería en general. Y no son solo importantes en el momento en el que están ocurriendo por todo el networking que se produce, sino que a largo plazo se desencadena siempre un montón de trabajo muy productivo. Para una galería joven como la nuestra, el papel de una feria no es económico, sino más bien simbólico. Realmente son un paso inmenso para el crecimiento en todo sentido de la galería y de los artistas a los que representamos.

Estáis ahora en Madrid participando en esta última edición de ARCO. ¿Qué os ha animado a estar presentes?

Participamos en dos secciones distintas: Opening y Focus Argentina. En la primera estamos gracias a la invitación de Juan Canela, comisario de esa parte de la feria. Nuestra relación con él surgió tras nuestra participación en la pasada edición de ARCO (en la sección Solo Project). Ahí fue donde nos conocimos y posteriormente pudo visitar nuestra galería cuando vino a Buenos Aires durante arteBA. En la galería exponía entonces Mercedes Azpilicueta, que es una artista a la que Juan sigue, y le gustó mucho lo que vio (como te decía en la respuesta anterior, estar en una feria significa un gran crecimiento exponencial y relaciones a largo plazo).

Por otro lado, estaremos también en la sección Focus Argentina invitadas por Inés Katzenstein y presentando a los artistas Faivovich & Goldeberg y a Sol Pipkin.

Molecular Love, © Mercedes Azpilicueta.

¿Qué esperáis de este evento?

La verdad es que tengo muy buenas expectativas, sobre todo teniendo en cuenta que este es el año del desembarco argentino en ARCO y en la ciudad de Madrid. Creo que será una buena oportunidad para renovar la mirada que desde aquí se tiene sobre el arte argentino contemporáneo.

Por otro lado, creo que es estupendo estar en dos secciones diferentes porque nos permite mostrar diferentes obras.

En la sección Opening presentáis trabajos de Mercedes Azpilicueta y Alan Segal. ¿Por qué les habéis escogido a ellos para esta ocasión?

Esa fue una decisión en conjunto con Juan Canela. Él estaba seguro de querer presentar trabajos de Mercedes y pensé que sería bueno que viera el trabajo de Alan. Estaba segura que le iba a interesar y me parecía que funcionaba muy bien como dueto con Mercedes. Y afortunadamente estuvimos de acuerdo. Creo que es una excelente elección.

Y ¿qué trabajos suyos mostráis?

Mostramos dos instalaciones de Alan, ambas compuestas por video y dibujo. Una de ellas, Tutorial 7, es una proyección y un dibujo de la misma en espejo, realizado sobre la pared; otra es Fontalan, un trabajo mucho más complejo donde Alan desarrolla su propio alfabeto a partir del original, además de otros elementos. Parece más complejo de lo que es, por lo que os invito a visitarnos. ¡Es mucho mejor verlo en directo!

De Mercedes vamos a presentar un video y dos telas; ambos trabajos surgen de su última producción llamada Molecular Love.

Obra de Alan Segal 
expuesta en la galería.

Aprovechando que Argentina es el país invitado en esta edición de ARCO, me gustaría preguntar cómo ves el panorama artístico de este país en la actualidad. ¿Es Argentina un país potente a nivel artístico?

Es un país muy potente a nivel artístico y las producciones locales son de excelente nivel. Hay algo que está sucediendo que creo que está relacionado con la “falta” de academia: esa “falta” permite que se produzcan obras sin un obligatorio “contenido”, sin esa “fórmula del arte contemporáneo”. Hay que verlo; es realmente muy interesante lo que está sucediendo en el país. 

Eso sí, no puedo decir que haya de una sola manera de hacer arte en Argentina. No me parece que haya un arte contemporáneo “nacional”, como tampoco estoy de acuerdo con muchas segmentaciones que se hacen sobre “lo latinoamericano”... en fin.

Y ¿qué pensáis del mercado de arte español?

La verdad es que lo conozco poco. ¡De lo que sí estoy segura es de que la feria es buena! Como te dije antes, no sé si comercialmente hablando (sobre todo para una galería como la nuestra) será útil, pero sí es una feria muy activa, muy generadora de cosas y de gran nivel (gracias a sus galerías, artistas, curadores, programas, etc.). Del mercado en concreto no me animo a hablar porque estaría inventado si te dijera “pienso esto o aquello del mercado español…”.

¿Qué otras galerías y artistas argentinos nos aconsejaríais seguir a partir de ahora?

¡¡Todas!! (risas). Entre mis galerías preferidas están Isla Florante, Mite y Nora Fish (que casi galerías hermanas), pero también Ruth Benzacar, Ignacio Liprandi y Vasari. Estas son las “grandes” a las que sigo más de cerca.

En cuanto a artistas imprescindibles: Fernanda Laguna, Mariela Scafati, Mercedes Azpilicueta, Cecilia Szalkowicz, Diego Bianchi, Eduardo Navarro, Jazmín López, Ad Minoliti, Juan Tessi, Déborah Pruden, Adrián Villar Rojas, Santiago Villanueva, Víctor Florido, Magdalena Jitrik, Adriana Bustos, Ana Gallardo, Karina Peisajovich, Alan Segal, Miguel Mitlag, Santiago Porter, Irina Kirchuk… la lista es infinita… 

Podéis conocer más sobre esta galería 
visitando su página web: www.slyzmud.com