jueves, 23 de marzo de 2017

Real galería de retratos de gente que no existe, de Julio Falagán

Cuántas veces caminando por un mercadillo te has topado con el retrato de un desconocido y te has preguntado "¿Quién narices es este?". Seguramente todas tus dudas se hayan evaporado pronto y hayas seguido tu camino, olvidando rápidamente ese cuadro que aún continua esperando a un comprador.

La mayoría de nosotros vemos raro comprar un retrato antiguo de alguien que no conocemos para ponerlo en nuestro salón. Preferimos comprar una lámina de Ikea que colgar un cuadro original de alguien sin identidad en nuestras paredes. Pero aún hay gente que se sale de lo común y a la que le gustan los retos. Julio Falagán es uno de ellos. Este artista adora los mercadillos y le gusta dar una nueva vida a esos objetos antiguos que nadie quiere ya.

De hecho comenzó hace un par de años a recopilar retratos aleatorios por los mercadillos de distintas ciudades. Consiguió reunir en total 31 cuadros anónimos y quiso darles una vida, crearles una historia, darles una nueva identidad... pero ¿cómo? Llamó a una serie de amigos relacionados con el arte (críticos, escritores, gestores culturales, etc.) y les pidió que, tras elegir uno de esos retratos, escribieran un texto inventando su historia, su biografía, su pasado. Falagán se basó en cada texto para intervenir los cuadros originales, salvando del olvido a los personajes retratados y creando autenticas obras maestras.

Tituló al proyecto Real galería de retratos de gente que no existe y en estos momentos lo expone en la Galería 6+1, en el centro de Madrid. La exposición estará abierta sólo unos días más, hasta el 31 de marzo, y no he querido dejar pasar más tiempo sin hablar con el artista para que nos hable él mismo sobre su trabajo.

El artista en la galería

Hola Julio. Para empezar, dinos cómo surgió la idea de crear esta iniciativa.

Entre todas las cosas que suelo comprar en los mercadillos, había conseguido varios retratos y los tenía en mi estudio. Me llevaban observando demasiado tiempo y había que darles conversación. 

Normalmente trabajo con obras de la cultura popular para desarrollar mis proyectos (habitualmente con el paisaje y desde hace un par de años con el bodegón)... y simplemente sentí que había llegado la hora de presentar esos retratos para cerrar el círculo de los grandes géneros clásicos. Me enfoqué en los retratos y busqué seriamente por almonedas, casas de subastas y mercadillos para recopilar un buen número de ellos.

¿Qué te atrae del hecho de recuperar objetos antiguos y darles una vida nueva?

Me gusta trabajar partiendo de lo obsoleto, lo banal, lo pasado por alto. También me atrae el aura que ya poseen esas obras y a las que sólo hay que darle brillo. Otro factor importante a la hora de decantarme por estas manipulaciones es que todo el mundo reconoce esas obras como suyas; todos hemos crecido rodeados de esa imaginería. El espectador, al hacerla suya, rompe la barrera elitista del arte contemporáneo, se convierte en algo comprensible y cercano y bajamos la guardia. Es en ese punto donde aprovecho para introducir mensajes críticos usando la ironía y el humor. Esos mensajes llegan a mayor número de personas gracias al uso de este medio.

Algunas de las obras del proyecto
intervenidos por el artista

Has pedido ayuda a diversos profesionales del mundo cultural para que escriban "las historias" de cada uno de los retratados. ¿Qué destacarías de esa colaboración?

Lo que destacaría es la generosidad que me han demostrado todos. En un momento en el que estamos rodeados de crisis, negatividad, fracasos y competitividad malsana, estas personas han demostrado una gran humildad y ganas de jugar. Han tirado por tierra la fama de egocéntricos e independientes que rodea al mundo del arte. 

¿Hay alguna de las obras del proyecto a la que le tengas especial cariño?

Tengo cariño a todos pero hay dos retratos, el de Giuseppe y el de Giovanna, que son especiales. Los compré en Porta Portese, el mercadillo más importante de Roma, y los tuve colgados en mi dormitorio de la Academia de España en Roma durante casi toda mi residencia. Eran mi familia romana.

Uno de los cuadros con su texto

Tu exposición cierra el próximo 31 de marzo. Una vez que ya se termina, ¿cómo evalúas los resultados?

Muy gratificantes en muchos aspectos. El más importante de todos ha sido el reencuentro con los amigos que han escrito los textos, aunque también me ha gustado mucho lo que he aprendido al abordar las obras. Era una colaboración entre tres personas: primero el pintor original del cuadro, luego el escritor del relato que le da vida y después yo dando mi versión de todo ello en la manipulación del original. Me tenía que adaptar a los estilos de cada uno de ellos y en cada caso era diferente. Esta tipo de experimentación que te saca de tu zona de confort y el hecho de ponerme en último lugar ha sido toda una experiencia. Fue como desprenderme de mis vicios estilísticos para ser más funcional y respetuoso con el resultado.

Para terminar, ¿qué otros proyectos tienes en mente?

Con respecto a esta exposición, distribuir los libros que hemos editado con la recopilación de todos los textos y retratos de la exposición, que vienen introducidos por un magnífico prólogo de Fernando Castro Flórez. También durante la clausura de la exposición el día 31 de marzo haremos algo muy especial: presentaremos el proyecto 100 Marías de Rafa Doctor, compuesto por 100 obras originales creadas por Rafa. 100 pinturas y collages diferentes que parten de una misma imagen: el retrato de María, la niña a la que Rafa dio vida con su texto en el proyecto de Real galería de retratos de gente que no existe. Esas obras se expondrán y podrán adquirirse por tan solo 25 euros cada uno, de los cuales el importe integro será donado a ANIMAL RESCUE ESPAÑA

Mas allá de esta exposición, estoy preparando un proyecto para el CEART en abril y otro para el Museo Patio Herreriano de Valladolid en junio.

Portada del libro 
editado a raíz del proyecto.

Si queréis saber más sobre este artista, podéis
visitad su página web:
www.juliofalagan.com

domingo, 26 de febrero de 2017

ARCO: Entrevista a Larisa Luz Zmud, directora de la galería Slyzmud

Uno de los grandes protagonistas de esta semana es, sin duda, Argentina. Numerosas galerías del país latinoamericano han cruzado el Atlántico para participar como invitados en la feria nacional por excelencia: ARCO. 

Entre todos esos espacios me gustaría destacar principalmente uno en concreto. Se trata de Slyzmud, un espacio con base en Buenos Aires que ya ha trabajado con anterioridad  en nuestro país. Hablamos hoy con Luz Zmud, una de sus directoras, para que nos cuente su historia y sus planes


¿Cuándo y cómo surgió la idea de inaugurar Slyzmud?

Surgió en 2011. Natalia y yo habíamos coincidido anteriormente en diversos proyectos relacionados con el arte, pero fue en ese año cuando nos dimos cuenta de que teníamos algo particular y la fuerza para comenzar un proyecto propio.

¿Cuántas personas trabajáis detrás de esta galería?

Básicamente Natalia y yo, y una asistente que trabaja con nosotras desde hace dos años. Aún así solemos colaborar de forma temporal con otros profesionales cuando lo necesitamos: un montajista, una diseñadora, un electricista, un carpintero, y algunos asistentes extras.

Representáis a un buen número de artistas. ¿Cómo suele ser vuestro proceso de selección? ¿Tenéis algún criterio de elección?

En general una de las dos suele proponer el trabajo de un artista a la otra. Normalmente esa propuesta suele tener algún elemento que nos remite a aspectos de la galería o de la escena del arte que nos interesa. En general tenemos en cuenta la generación a la que pertenecen los creadores, así como el hecho de intentar generar un panorama variado de lenguajes y sentidos.

¿Qué suponen las ferias de artes para vosotros? ¿Crees que es importante estos eventos para la actividad de una galería?

Las ferias de arte son eventos muy significativos para la actividad de la galería en general. Y no son solo importantes en el momento en el que están ocurriendo por todo el networking que se produce, sino que a largo plazo se desencadena siempre un montón de trabajo muy productivo. Para una galería joven como la nuestra, el papel de una feria no es económico, sino más bien simbólico. Realmente son un paso inmenso para el crecimiento en todo sentido de la galería y de los artistas a los que representamos.

Estáis ahora en Madrid participando en esta última edición de ARCO. ¿Qué os ha animado a estar presentes?

Participamos en dos secciones distintas: Opening y Focus Argentina. En la primera estamos gracias a la invitación de Juan Canela, comisario de esa parte de la feria. Nuestra relación con él surgió tras nuestra participación en la pasada edición de ARCO (en la sección Solo Project). Ahí fue donde nos conocimos y posteriormente pudo visitar nuestra galería cuando vino a Buenos Aires durante arteBA. En la galería exponía entonces Mercedes Azpilicueta, que es una artista a la que Juan sigue, y le gustó mucho lo que vio (como te decía en la respuesta anterior, estar en una feria significa un gran crecimiento exponencial y relaciones a largo plazo).

Por otro lado, estaremos también en la sección Focus Argentina invitadas por Inés Katzenstein y presentando a los artistas Faivovich & Goldeberg y a Sol Pipkin.

Molecular Love, © Mercedes Azpilicueta.

¿Qué esperáis de este evento?

La verdad es que tengo muy buenas expectativas, sobre todo teniendo en cuenta que este es el año del desembarco argentino en ARCO y en la ciudad de Madrid. Creo que será una buena oportunidad para renovar la mirada que desde aquí se tiene sobre el arte argentino contemporáneo.

Por otro lado, creo que es estupendo estar en dos secciones diferentes porque nos permite mostrar diferentes obras.

En la sección Opening presentáis trabajos de Mercedes Azpilicueta y Alan Segal. ¿Por qué les habéis escogido a ellos para esta ocasión?

Esa fue una decisión en conjunto con Juan Canela. Él estaba seguro de querer presentar trabajos de Mercedes y pensé que sería bueno que viera el trabajo de Alan. Estaba segura que le iba a interesar y me parecía que funcionaba muy bien como dueto con Mercedes. Y afortunadamente estuvimos de acuerdo. Creo que es una excelente elección.

Y ¿qué trabajos suyos mostráis?

Mostramos dos instalaciones de Alan, ambas compuestas por video y dibujo. Una de ellas, Tutorial 7, es una proyección y un dibujo de la misma en espejo, realizado sobre la pared; otra es Fontalan, un trabajo mucho más complejo donde Alan desarrolla su propio alfabeto a partir del original, además de otros elementos. Parece más complejo de lo que es, por lo que os invito a visitarnos. ¡Es mucho mejor verlo en directo!

De Mercedes vamos a presentar un video y dos telas; ambos trabajos surgen de su última producción llamada Molecular Love.

Obra de Alan Segal 
expuesta en la galería.

Aprovechando que Argentina es el país invitado en esta edición de ARCO, me gustaría preguntar cómo ves el panorama artístico de este país en la actualidad. ¿Es Argentina un país potente a nivel artístico?

Es un país muy potente a nivel artístico y las producciones locales son de excelente nivel. Hay algo que está sucediendo que creo que está relacionado con la “falta” de academia: esa “falta” permite que se produzcan obras sin un obligatorio “contenido”, sin esa “fórmula del arte contemporáneo”. Hay que verlo; es realmente muy interesante lo que está sucediendo en el país. 

Eso sí, no puedo decir que haya de una sola manera de hacer arte en Argentina. No me parece que haya un arte contemporáneo “nacional”, como tampoco estoy de acuerdo con muchas segmentaciones que se hacen sobre “lo latinoamericano”... en fin.

Y ¿qué pensáis del mercado de arte español?

La verdad es que lo conozco poco. ¡De lo que sí estoy segura es de que la feria es buena! Como te dije antes, no sé si comercialmente hablando (sobre todo para una galería como la nuestra) será útil, pero sí es una feria muy activa, muy generadora de cosas y de gran nivel (gracias a sus galerías, artistas, curadores, programas, etc.). Del mercado en concreto no me animo a hablar porque estaría inventado si te dijera “pienso esto o aquello del mercado español…”.

¿Qué otras galerías y artistas argentinos nos aconsejaríais seguir a partir de ahora?

¡¡Todas!! (risas). Entre mis galerías preferidas están Isla Florante, Mite y Nora Fish (que casi galerías hermanas), pero también Ruth Benzacar, Ignacio Liprandi y Vasari. Estas son las “grandes” a las que sigo más de cerca.

En cuanto a artistas imprescindibles: Fernanda Laguna, Mariela Scafati, Mercedes Azpilicueta, Cecilia Szalkowicz, Diego Bianchi, Eduardo Navarro, Jazmín López, Ad Minoliti, Juan Tessi, Déborah Pruden, Adrián Villar Rojas, Santiago Villanueva, Víctor Florido, Magdalena Jitrik, Adriana Bustos, Ana Gallardo, Karina Peisajovich, Alan Segal, Miguel Mitlag, Santiago Porter, Irina Kirchuk… la lista es infinita… 

Podéis conocer más sobre esta galería 
visitando su página web: www.slyzmud.com

viernes, 24 de febrero de 2017

Drawing Room: entrevista a Mónica Álvarez, directora de la feria

Una semana intensa para el mundo del arte en la capital. Sin casi tiempo para respirar, muchos de nosotros pasamos días de un lado a otro viendo obras del arte, tomando numerosos cafés con compañeros y amigos, e intentando retener todo aquello que pasa a nuestro alrededor. 

Entre todos los eventos apuntados en el calendario, este año destaca Drawing Room, una feria dedicada al dibujo que cumple ya dos años. ¡Un placer para aquellos que adoran el dibujo tanto como yo! Su directora, Mónica Álvarez, contesta hoy a nuestras preguntas sobre el nacimiento, la importancia y el desarrollo de este evento. 


Empecemos con algo fuerte: ¿cómo ves el panorama artístico en nuestro país en general? ¿Crees que el arte tiene suficiente fuerza y valor en España?

En el aspecto creativo los artistas españoles no han dejado en ningún momento de producir trabajos excelentes; de eso podemos estar orgullosos. Respecto al sistema de promoción y difusión, creo que las galerías están recuperándose. Por otro lado hay muchas iniciativas independientes y trabajos más institucionales muy buenos que dan nuevos aires y hacen muy interesante al panorama artístico.

Y dentro de este panorama, ¿crees que el dibujo es un medio suficientemente valorado dentro de nuestras fronteras?

El dibujo siempre ha contado con entusiastas porque, por un lado, es una acción primigenia que se relaciona con la huella que nuestro cuerpo provoca en el mundo, al igual que los aviones dejan estela o un niño deja la marca de sus manos en la nieve, y por otro, es la primera forma de acceder al arte. Aún así hay una opinión extendida entre los expertos sobre el olvido histórico del dibujo en los museos y colecciones españolas que explica el momento actual de revisión de este soporte por parte de instituciones importantes como el Museo del Prado o la Fundación Botín.

Eres responsable de la feria Drawing Room. ¿Por qué decidisteis crear esta feria?

Vi la necesidad de revisar las diferentes prácticas actuales del dibujo a partir de variadas tradiciones culturales. Por eso en cada edición realizamos un acercamiento a un país distinto. Por otro lado el dibujo requiere una apreciación lenta, que valora mucho el público interesado en las artes. Todo esto requiere un espacio propio.


¿Qué crees que aporta al panorama nacional, saturado con tantas ferias, un evento cultural como este?

La diferencia más importante es la especialización en nuevas prácticas dibujísticas con la que no cuentan las demás ferias. Además tenemos un concepto de “salón”. Una muestra que presenta a los artistas con una cierta profundidad en un formato reducido es muy agradable de visitar para el público interesado en arte de todas las épocas. Sin duda este concepto levanta la curiosidad del espectador.

Este año celebráis ya la segunda edición. ¿Cómo evaluáis la primera, celebrada hace ya un año?

La primera edición salió mucho mejor de lo que yo hubiera podido soñar. Pero aun así, quedó pendiente conseguir apoyo institucional. Seguimos trabajando con los responsables públicos para que apoyen iniciativas como ésta.

Para la organización de ambas ediciones habéis trabajado junto con un comité curatorial, a la que se ha unido este año profesionales de la talla de Elsy Lahner e Inmaculada Corcho. ¿Cómo trabaja este comité y cuál es su función?

El comité curatorial de Drawing Room lo integra un grupo de expertos del que estoy muy orgullosa. Actúa de dos maneras en la feria: por un lado, nos ayuda a detectar a los artistas más interesantes y, por otro, asesora en la selección final, consiguiendo así que la feria tenga un carácter propio. Este año hemos aceptado a 21 galerías, la mitad de las que se presentaban.


Y a la hora de seleccionar a los participantes, ¿cuáles han sido los criterios básicos este año?

Hay dos criterios generales: nos interesa la práctica dibujística en los artistas emergentes, en los que el dibujo suele ser el objeto final, relacionado con otros soportes; y el dibujo como campo de reflexión en los artistas de media carrera (pintores, escultores, cineastas, fotógrafos, etc.) que lo utilizan mucho en la fase de proyecto, para pensar o incluso como divertimento.

Seleccionamos con la idea de que la muestra en su conjunto sea diversa y hasta cierto punto sorprendente.

Uno de los objetivos en los que está trabajando actualmente es en internacionalizar la feria. De hecho ya se está preparando primeras ediciones en Turín y Lisboa. ¿Por qué ese interés en llevar este evento a otros lugares? ¿No supone un considerable riesgo en todos los sentidos cuando la feria lleva tan poco abierta?

Llevar a cabo Drawing Room a estas dos ciudades sería bueno en todos los sentidos. Tenemos muchas relaciones de trabajo con Italia y Portugal y creemos que hay espacio para nuestro modelo porque los artistas italianos y portugueses están dibujando mucho. Además, los galeristas podrían beneficiarse de un circuito que amplía su red de clientes. No está totalmente cerrado, pero prevemos abrir en Turín a finales de 2017 y Lisboa en 2018.

Y para terminar, ¿cómo ves el futuro? ¿Crees que será prometedor?

Es muy prometedor, las nuevas tecnologías no anulan a las anteriores, sino que se complementan y desarrollan nuestra avidez por el conocimiento en general, incluyendo a todo lo que nos devuelve a nuestros orígenes. 

¡Muchas gracias Mónica! 
Si queréis más información sobre esta feria,
visitad su página web:
http://drawingroom.es

JustMAD: entrevista Cristina Herraiz, miembro de La Colmena

Este año JustMAD cumple ocho años de vida y lo celebra, de nuevo, conquistado la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM). Bajo la dirección de Gregorio Cámara (que repite por tercera vez como cabeza gestora), la feria pretende encontrar su hueco definitivo dentro de la semana del arte madrileño compitiendo con fuerza con otros eventos satélites. 

Entre todos los participantes de esta edición, me gustaría hablar hoy de La Colmena. Se trata de un proyecto artístico interesante y un poco fuera de lo común que personalmente conocí hace tan solo unos meses durante unas jornadas formativas celebradas en el MUSAC (León). Entre conferencias, presentaciones y debates me sorprendió mucho la candidez, cercanía y ganas de una iniciativa como esta en la que el trabajo en equipo es fundamental. 

Hoy hablamos con Cristina Herraiz, uno de los miembros detrás de La Colmena, para que nos cuente qué es realmente este proyecto, cómo funciona y por qué participa en JustMAD. 


En primer lugar, y para aquellos que todavía no os conozcan, dinos: ¿qué es y cuándo surgió La Colmena?

La Colmena es un proyecto artístico que surge bajo el paraguas de La Grieta, nuestro proyecto madre: una plataforma cultural sin ánimo de lucro que hace las veces de trampolín para desarrollar todo tipo de proyectos que fomenten la creación joven (desde una publicación digital hasta La Colmena o un gestor de eventos culturales), y que ha cumplido ahora dos años.

La Colmena surge como respuesta a una necesidad que nos parecía urgente, la de crear redes entre jóvenes artistas y gestores culturales, y darles visibilidad y formación. Muchas veces nos entienden como un colectivo, pero también como una residencia artística o como una familia. Intentamos que los artistas (todos menores de 35 años) se sientan parte del proyecto porque ellos son quienes lo conforman. Como ahora en JustMAD, por ejemplo, que lo hemos montado con la ayuda de todos.

¿Quiénes estáis detrás de este proyecto?

Durante estos dos años hemos ido perfilando el proyecto desde cero, y a través de su propio desarrollo ha ido cogiendo forma gracias a los colaboradores del equipo y todos los artistas que día a día aportan algo al proyecto. Vamos por la segunda convocatoria y hemos hecho cuatro exposiciones y varios talleres formativos que han tenido una gran acogida. Sabemos que se dice siempre, pero un proyecto como La Grieta no sería, ni habría nunca sido posible, sin la generosísima y desinteresada colaboración de un gran número de personas, tantas que es imposible comenzar a enumerar. El equipo de gestión y comisariado lo componemos unas siete personas de distintas formaciones, que dedicamos nuestros mejores ratos libres para que el proyecto siga adelante. Por otro lado, cada uno de los artistas que participan en las convocatorias le otorgan la identidad al proyecto y nos permiten  organizar exposiciones y eventos que creemos aportan mucho al panorama madrileño.

Y ¿de dónde surge ese nombre, La Colmena?

Este nombre, que tiene tantas referencias en nuestro país, desde Cela hasta Erice, lo elegimos por sus connotaciones de comunidad que mencionaba antes. Siempre concebimos el proyecto de forma colaborativa, y así se ha desarrollado. A pesar de la inherente precariedad que rige la cultura en este país, este modelo no solo es una imposición, en muchos casos, sino que nos ha permitido descubrir el potencial del grupo. Esto es, sin duda, lo mejor del proyecto. Todo el conocimiento generado y compartido, el debate, el “arrimar el hombro”. Por esto, una colmena, La Colmena, en la que cabemos muchos y construimos juntos, se nos atojó como una imagen muy certera de lo que estábamos buscando y que se materializó después.

Habéis trabajado con varios artistas en el pasado. ¿Cómo es vuestro proceso de selección?

Cuando concebimos La Colmena y decidimos trabajar con artistas emergentes, pensamos en cuál era la mejor forma de hacer esta selección. Tras darle muchas vueltas, optamos por el formato de convocatoria abierta, como la forma más democrática e interesante de enfocar esta cuestión. Queríamos conocer a artistas nuevos, no solo incluir a los que ya conocíamos.  Sin duda creemos que ha sido un gran acierto y es una enorme satisfacción ver cómo, a través de esta selección, se crean grupos que funcionan y en los que se tejen conexiones más propias de colectivos que de convocatorias temporales. Por eso nos sentimos un poco como una residencia, aunque no tenemos un espacio físico, por ahora, por la convivencia y la intensidad de las experiencias que se generan. Y también tiene un poco de “beca”, ya que todos los talleres que organizamos son gratuitos para  nuestros artistas.

En las convocatoria solo hemos pedido dos requisitos: residir en España y ser menor de 35 en la fecha de la convocatoria, lo que nos permite mantener un línea generacional y facilitarnos el trabajo logístico y de comunicación con ellos detrás de cada actividad. En cuanto a la selección, se lleva a cabo por el comité artístico del proyecto y un invitado externo. En el caso de la última convocatoria fue Tania Pardo, directora de exposiciones de La Casa Encendida. Intentamos que en este proceso resulten seleccionados un máximo de 13 artistas, un número que nos permite trabajar cómodamente con ellos, dados nuestros recursos.

Esta semana os podemos ver en JustMAD. ¿Qué os ha animado a participar en esta cita?

El objetivo de La Colmena es apoyar a los artistas jóvenes que no tienen todo el respaldo ni visibilidad que deberían. En este sentido, contar de nuevo con el apoyo de una feria como JustMAD (en 2015 ya tuvimos un stand) es fundamental tanto para los artistas como para el proyecto en su totalidad. Apoyamos totalmente las ferias menores que, bajo el escenario que posibilita la semana de un gigante como ARCO, permiten a proyectos de medio o inicial recorrido participar y mostrar a sus artistas.

2015
Jesu Yañez

¿Qué esperáis de este evento?

Esperamos en primer lugar disfrutar de la experiencia, conocer proyectos afines con los que poder colaborar y también darnos a conocer. Esto es fundamental para los artistas: tejer redes con otras plataformas, en España y fuera de ella, que permitan que su obra viaje, sea conocida por otros públicos, colaboren con otros creadores…. También confiamos y estamos muy emocionados con el gran número de visitantes que tiene la feria y que estamos seguros podrán interesarse en los artistas y comprar sus obras. Es una feria interesantísima, con artistas más jóvenes y emergentes y con un abanico de opciones muy amplia para todo tipo de coleccionistas.

¿Qué artistas presentáis en esta ocasión y por qué ellos?

En nuestro stand J34 presentamos obra de cada uno de nuestros 13 artistas. Nos parecía importante que estuvieran todos los de la segunda convocatoria y además nos gusta ver la variedad de disciplinas y contenidos que tiene el conjunto. Esperamos que sea una oportunidad para ellos de dar a conocer su obra. ¡Y vender, claro!

¿Qué trabajos suyos mostraréis?

Mostraremos trabajos recientes de los artistas y representativos del punto en el que están. Al tener el condicionante del espacio reducido y sin querer dejar de mostrar obra de cada uno de ellos, hemos seleccionado con especial cuidado las piezas que mostramos. Hay videoarte, fotografía, escultura, dibujo, instalación…

El stand J34, donde esperamos que nos visiten, será además un punto de información para conocer más sobre el proyecto y donde cualquier persona interesada puede acercarse a preguntar. Parte del equipo y los propios artistas estarán allí presentes, lo que nos parece un lujo. ¡Quién mejor que ellos para hablar de su obra! Es una gran oportunidad para acercarse al arte joven por parte de coleccionistas y curiosos por ver qué se cuece en el arte joven español.

Bottleflip11
Mar Reykjavik

Y para terminar, ¿qué otros proyectos tenéis pensado para el futuro?

Para el futuro seguimos construyendo poco a poco y estableciendo unas bases sólidas. A través del archivo digital vamos aumentando el número de artistas seleccionados, con los que seguimos trabajando en proyectos de exposición y formación. Pero nuestro objetivo en el futuro es tener un espacio propio y mantener un programa artístico más sólido y continuo.   

Os invitamos a seguir las novedades del proyecto, ¡estamos siempre buscando colaboraciones!

¡Muchas gracias!
Podéis saber más de ellos en: