Los colores según Mark Liam Smith

Nuestra percepción del arte se ve afectada por todos los elementos y vivencias que nos rodean. Factores como haber pasado un buen o mal día, estar o no descansados tras una dura jornada de trabajo o encontrarnos en una habitación lo suficientemente iluminada afectan cualquier enfrentamiento visual que tengamos con una obra de arte. Pero, por supuesto, también nos influye el punto desde el cual veamos ese objeto, la perspectiva, la composición… y, por supuesto, los colores. 

Es curioso estudiar el color y ver cómo este nos afecta en nuestra vida cotidiana. A pesar de la poca importancia que le damos cuando lo disfrutamos, está ahí y su ausencia nos provoca confusión. Aún así debemos recordar que los colores realmente no existen... o, al menos, no en el sentido literal. La hierba no es verde, los plátanos no son amarillos y el cielo no es azul. Realmente es nuestro propio cerebro el que “colorea” esos objetos gracias a los rayos de luz que nos llegan a través de las retinas de nuestros ojos. De ahí que cada uno perciba los colores con matices distintos (no hay más que recordar los debates que surgieron en las redes sociales con el archiconocido vestido a rayas hace ya unos años).

Si miramos al mundo del arte, vemos que hay numerosos artistas capaces de jugar con los colores (y nuestra percepción) de una manera original y diferente. Uno de ellos es Mark Liam Smith, artista ingles con base en Canadá cuya visión está marcada por una deficiencia visual: el daltonismo. Algunos podrían considerar esta deficiencia como un handicap para su profesión, pero Mark ha sabido convertir su "problema" en un valor para su obra. Él mismo explica su revelación con las siguientes palabras: "como artista daltónico, tuve que confiar durante un tiempo en fórmulas de mezcla de colores para recrear los tonos de la piel. Pero más tarde en mi carrera me di cuenta de que los colores normales sólo servían para restringir mi expresión. Al ver mi ceguera de color como una fortaleza más que como una debilidad, he abrazado el uso de colores no considerados normales para desarrollar mi trabajo".

Entre todos sus trabajos destacaría sobre todo su proyecto Imagined Narrativas, que es realmente una oda a la diferencia, un canto a la imaginación. Está compuesto por una serie de obras donde el uso de los colores no tiene razón lógica alguna. El artista sigue su propia inspiración, su propio instinto, para crear escenas realistas decoradas con formas geométricas y diferentes tonalidades de color que provocan sorpresa, asombro, extrañeza. Parece que entramos en otro mundo, uno irreal, uno onírico alejado de lo que estamos acostumbrados. Él mismo explica que crea "una narración que usa forma, color y personaje" y considera "cuidadosamente las relaciones cromáticas y espaciales en mis pinturas para lograr movimiento y equilibrio, al igual que un escritor utiliza dispositivos literarios para avanzar en el tema".

Si queréis saber más de él, podéis visitar su web:

www.markliamsmith.com

¿Qué les pasa a los museos con las mujeres artistas?

Como todos los años, el pasado 8 de marzo se celebró el Día Internacional de la Mujer con un objetivo claro: “reflexionar acerca de los avances logrados, pedir más cambios y celebrar la valentía y la determinación de mujeres de a pie que han jugado un papel clave en la historia de sus países y comunidades”, tal como dice la página web de la ONU. Un día para la celebración y la reivindicación, también en el mundo del arte y la cultura. De hecho, numerosos museos, centros de arte e instituciones culturales se unieron especialmente ese día para crear diversas actividades e iniciativas con las que reivindicar el trabajo de las mujeres. Muy bonito en teoría, si no fuera porque muchos de esos organismos olvidan el resto del año su responsabilidad a la hora de conservar, difundir, velar e investigar el arte con nombre femenino. ¡Qué fácil es aparecer en la foto cada 8 de marzo cuando todas las cámaras te están enfocando y olvidar tu papel cuando estas ya no están delante!

Si estudiamos las actividades realizadas por los museos de nuestro país durante el resto del año nos encontramos ante un problema descomunal. La mayoría de estas instituciones tienen la costumbre de exponer en sus salas obras en las que las mujeres aparecen sólo como modelos (presentándonos normalmente bajo dos estereotipos: como mujeres virgenes y recatadas, o como mujeres desnudas y provocativas); pero estos mismos centros menosprecian a la mujer como autora: apenas tienen obras creadas por ellas en sus colecciones y casi no exponen piezas de mujeres en sus proyectos expositivos (en comparación con los hombres).

Es curioso, además, darse cuenta de que este problema no sólo lo tienen centros como el Museo del Prado, en donde se conserva y expone arte de siglos pasados en los que las mujeres artistas eran realmente invisibles. Esa desigualdad tóxica también se respira en los museos de arte contemporáneo y es ahí donde radica fundamentalmente el conflicto: en un momento en el que hay leyes de igualdad y en el que las mujeres artistas son cada vez más numerosas, estas instituciones siguen haciendo más caso a los hombres. Y por supuesto existen ya ciertos estudios que muestran datos de ese olvido, de esa injusticia. 

Pieza realizada por Guerrilla Girls en 1989

La asociación Mujeres en las Artes Visuales (conocida popularmente como MAV) realizó, por ejemplo, varios estudios sobre el número de exposiciones individuales organizadas en más de 20 centros de arte en España entre 1999 y 2013. Los resultados fueron devastadores: en los primeros años, entre 1999 y 2009, se organizaron 973 exposiciones individuales en los espacios investigados y sólo 200 fueron dedicadas a mujeres (un 20,5%). Entre 2010 y 2013 los porcentajes mejoraron un poco pero se estaban aún lejos de conseguir una igualdad aparente: se realizaron 466 exposiciones dedicadas a 452 artistas diferentes y sólo 104 de esos artistas fueron mujeres (un 33% del total). 

¿Cómo se os queda el cuerpo? Es verdad que ya han pasado varios años desde el último estudio de MAV sobre este tema pero, si os soy sincera, no creo que los números hayan cambiado mucho. Y si sucede esta injusticia con las mujeres (casi el 50% de la población mundial), realmente no quiero pensar qué pasará con grupos sociales más minoritarios por su raza, religión o preferencia sexual (todos aquellos que no sean blancos, cristianos, occidentales y heterosexuales). Deberán estar realmente fastidiados. 

Sé que de todo esto ya he hablado en numerosas ocasiones con anterioridad, pero creo que es todavía necesario seguir metiendo el dedo en la herida, seguir mostrando lo que todavía sucede, seguir peleando. Y en este punto muchos os preguntareis: ¿qué se puede hacer ante una situación tan negativa? No hay que esperar a que los cambios vengan por si mismos. Entre todos se pueden crear numerosas acciones con las que cambiar el ambiente actual, como por ejemplo:

• Educar en las escuelas y universidades a los más jóvenes a través de libros que no omitan la importancia de las mujeres en el arte (y, por supuesto, en otros sectores como la ciencia, las biología o la literatura). 
• Reivindicar el papel de las mujeres artistas y rescatarlas del olvido, difundiendo su trabajo a través de charlas, conferencias, artículos,  revistas, plataformas y demás vías que conozcamos. 
• Exigir que más mujeres estén no sólo en la dirección de los museos y centros de arte, sino también en los patronatos (son estos quienes deciden en muchas ocasiones las adquisiciones de las instituciones y tenemos más posibilidades si hay más nombres femeninos en ellos).
• O pedir a los museos y a los coleccionistas privados que aumenten el numero de mujeres autoras en sus colecciones a través de llamamientos públicos y privados (tal como lo hicieron las Guerrilla Girls en 1986 con la carta adjunta debajo).

Carta para coleccionistas realizada por 

Guerrilla Girls en 1986

Debemos seguir alzando la voz. Si no tocamos las heridas, si evitamos las confrontaciones, nada cambiará. 

Las mil y una habitaciones: viaje a nuestros espacios más privados

En la actualidad muchas personas comparten casa con sus padres, hermanos, abuelos y/o algún miembro más de la familia. La crisis (y la falta de futuro y expectativas) ha provocado que mermen mucho las posibilidades de algunas personas para independizarse y vivir en sus propios apartamentos. Ante tal situación muchos ven sus propias habitaciones como su único rincón de privacidad. Esos espacios son sus castillos, sus islas, sus remansos de paz, prácticamente sus “repúblicas”. Pocos pueden entrar a esos lugares secretos. 

El fotógrafo y director de cine John Thackwray ha roto, sin embargo, muchas puertas para crear uno de sus últimos proyectos fotográficos: My Room Photos. Para realizar este trabajo, se ha ganado la confianza de varios adolescentes de entre 18 y 29 años y ha podido no sólo entrar en sus espacios más privados, sino también fotografiarlos. El resultado es estupendo: las imágenes resumen perfectamente la forma en la que se vive en diversos países, las distintas filosofías existentes o los diferentes conceptos de orden. ¡Un proyecto con el que viajar por todo el mundo sin necesidad de levantarse del sofá!

Podéis conocer este proyecto más a fondo 

en la siguiente página web:

myroomphotos.com

Mujeres y publicidad: buscando imágenes éticas y responsables

Quiero salir de mi zona de confort (el mundo del arte) para escribir sobre un asunto que, al fin y al cabo, nos afecta a todos aquellos que disfrutamos del mundo visual y trabajamos con los ojos: el poder de la imagen y el uso irresponsable (muchas veces incluso indecoroso) que se hace de ella.

La idea para este artículo comenzó hace unos días, más específicamente el pasado 12 de mayo. En esa fecha nos levantamos con una noticia curiosa: la organización de consumidores FACUA denunciaba al torneo de tenis Madrid Open por un folleto publicitario. A simple vista este parecía inocente: promocionaba los palcos vip con fotos de algunos de los jugadores que participaban en el evento. Hasta aquí todo bien. El problema se encontraba, sin embargo, en los textos que acompañaban dichas imágenes: a los tenistas hombres se les describía como “las mejores raquetas del mundo”, mientras que a las tenistas mujeres se las presentaba como ejemplos de belleza y elegancia.

Parte del folleto de Madrid Open

Esas descripciones eran en si ya un hecho grave. Pero lo peor de todo fue darse cuenta de que varios amigos, muchos de ellos jóvenes con estudios universitarios y cierta mente avanzada y progresista, parecían no darse cuenta de lo peligroso detrás de esas palabras. Al enseñarles el folleto por primera vez, un gran número de ellos parecía haber perdido su sentido crítico y no encontraba el problema en esas descripciones. No se daban cuenta de que esa publicidad estaba bastante fuera de lugar, al cosificar a las jugadoras y reducir al mínimo su valía profesional: ellos son muy buenos en el campo, pero ellas sólo están ahí por su hermosura, no por su habilidad deportiva y profesionalidad. Menudo ejemplo para los más pequeños: les estamos dando a entender que ellos pueden conseguir lo que quieran (y serán reconocidos), mientras que de lo único que se tienen que preocupar ellas es de estar guapas.

Nos encontramos en un momento en el que mucha gente cree que el machismo se ha reducido a casos aislados, pero siguen surgiendo situaciones machistas a diario en la televisión, en la publicidad y en la vida cotidiana. Y lo más deprimente es que hay gente que ha asumido tanto ese machismo que no es capaz de reconocer los signos en cuanto los ve. ¡Abrid los ojos! En la mayoría de los anuncios las mujeres son sólo objetos sexuales para premiar a los hombres o las únicas responsables del cuidado de sus casas (véase los spots de desodorantes y colonias masculinas, detergentes o productos de cocina); en las películas o series de televisión ellas sólo aparecen para hablar de sus problemas con los hombres o sus relaciones amorosas (como si no hubiera vida más allá de nuestras parejas); y en numerosos programas de televisión ellos van bien tapados y ellas están medio desnudas (porque ya se sabe: ellos son los listos, nosotras las guapas). El folleto de Madrid Open es, pues, sólo uno de los miles de ejemplos a los que nos debemos enfrentarnos las mujeres. La imagen de la mujer se ha simplificado, reducido y cosificado tanto que ya nos parece normal, pero ¿dónde están los demás prototipos de mujeres? ¿Dónde se representan esas mujeres fuertes, independientes, profesionales? Menudo panorama más desalentador.

Anuncio del desodorante AXE

No podemos negar que se han conseguido muchas mejoras hasta ahora (sólo hay que volver la cabeza atrás y ver esos anuncios de los años 50), pero aún quedan muchas cosas por las que hay que seguir batallando. Y los sectores de la publicidad, la televisión o el cine deben ayudar a romper con la tendencia machista que ha habido hasta ahora. Los responsables de estos contenidos deben darse cuenta del poder que tienen en sus manos y comenzar a utilizar las imágenes desde un punto de vista más ético y responsable.

Y no sólo lo digo yo. Hay muchos artistas que, dentro de sus posibilidades, critican el tratamiento de la imagen femenina en la actualidad. No podemos olvidar, por ejemplo, el trabajo de la activista española Yolanda Domínguez (personalmente me encantan trabajos suyos como Katy Salinas, Esclavas, Fashion Victims o Niños vs. Moda). Pero también hay otros nombres tales como Martha Rosler y su trabajo Semiotics of the Kitchen, Saint Hoax y su serie Make America Misogynistic Again, o Nadie Gómez Kenier y su trabajo Macho sobre todas las cosas. Sigamos sus pasos y critiquemos aquello que no nos guste.

Niños vs. Moda

de Yolanda Domínguez 

Elisa Rodriguez conquista las calles

Es mediados de mayo y el tiempo parece haberse vuelto loco en Valladolid: el sol y la lluvia llevan varios días luchando para ver quién es el rey. Aún así las calles continúan inundadas de peatones con paraguas, coches en marcha, tiendas abiertas y repartidores yendo de un lado a otro en sus furgonetas. Dentro de esta locura urbana, la gente pasa sin inmutarse frente a las vallas publicitarias que decoran la calle de Felipe II, en el centro histórico de la ciudad castellano-leonesa. Paso ligero, cabeza baja, ojos mirando las pantallas de sus móviles. Pocos de ellos parecen percatarse de que una de esas vallas contiene, desde hace unos meses, el último proyecto de la artista Elisa Rodriguez. 

Se trata de "Ocho por tres", una iniciativa realizada con el apoyo de la Fundación Villalar - Castilla y León. Gracias a una beca otorgada por esta institución, Elisa ha alquilado ese espacio destinado tradicionalmente a la publicidad con un fin muy original: ofrecérselo a una decena de creadores, entre fotógrafos, pintores y diseñadores gráficos, para que actúen sobre él durante los próximos doce meses.

Pero esta no es la única intervención artística que ha planeado la artista en Valladolid para estos meses: también ha conquistado otras marquesinas localizados en diferentes emplazamientos de la ciudad para presentar su propio trabajo artístico en ellos. Es un proyecto muy similar al que ella misma desarrolló entre 2012 y 2014 en Lituania con ocasión de un master de pintura que realizó en la Academia de Arte de Vilna, pero modificado para adaptarlo a su propia ciudad natal. Una idea sencilla, interesante y muy atractiva. 

¿Qué pretende Elisa con un proyecto así? La respuesta es sencilla: principalmente sacar el arte contemporáneo de los museos y centros de arte, considerados por muchos recintos cerrados y elitistas. La artista cree que las calles y demás espacios públicos pueden ser los lugares ideales para que jóvenes artistas, vetados de los grandes museos, puedan presentar su trabajo al público… y también son los espacios perfectos para acercar el arte a la gente menos interesada en él (ya se sabe: si la montaña no va a Mahoma, Mahoma va a la montaña).

Con todo este proyecto, Elisa continua una tendencia artística comenzada ya hace décadas. Debemos recordar, de hecho, como otros muchos artistas han conquistado ya en el pasado los espacios reservados a la publicidad para lanzar sus mensajes, tal como Julian Opie, Sarah Morris, Lisa Ruyter, Jenny Holzer o Felix González Torres. Pero esta es la primera vez que algo así se hace en una ciudad tan conservadora artísticamente como Valladolid y espero que la iniciativa cale fuerte en la ciudad y entre sus habitantes. 

¿Qué exposiciones ver esta primavera?

¡Por fin! La primavera trae consigo el buen tiempo, la poca ropa, las terrazas al sol y las cervecitas... Pero también surgen numerosas exposiciones a lo largo de la geografía española interesantes para visitar. Hoy os quiero recomendar una serie de muestras que pueden ayudarnos a disfrutar aún más de estos meses. Lógicamente, por falta de espacio, no puedo poner todas las que me gustaría, pero al menos si aquellas con las cuales podéis empezar. ¿Qué os parecen? 

LA HABITACIÓN DE LOS LIBROS PROHIBIDOS

Artista: Alicia Framis

Fechas: del 20 de enero al 14 de mayo de 2017

Lugar: Blueproject Foundation (Calle Princesa 57, Barcelona) 

Os recomiendo empezar el recorrido visitando la Blueproject Foundation, donde se acaba de inaugurar la nueva exposición individual de Alicia Framis. La artista catalana ha ocupado el espacio principal de la fundación, Il Salotto, con una gran instalación perteneciente actualmente a la Colección Banc Sabadell: “La habitación de los libros prohibidos”.

Esta obra, inédita en España, se enmarca dentro de “Habitaciones Prohibidas”, una serie de espacios en los que Framis cuestiona el entorno social y humano. En esta ocasión la artista crea una sala llena de libros que están o han sido prohibidos, y cuyos autores han sufrido o siguen sufriendo dificultades con el poder judicial o político. La sala se convierte prácticamente en un lugar de estudio y reflexión donde todos podemos evaluar los daños de la censura en libros a lo largo del tiempo, muchos de ellos considerados ahora verdaderas obras maestras. Los visitantes están invitados a entrar en el espacio y leer aquellos textos que quieran, enfrentándose así a lo prohibido, a lo secreto, a lo clandestino. ¿Os animáis?

SUJETO VULNERABLE 

Artista: Verónica Vicente

Fechas: del 31 de marzo al 27 de mayo de 2017

Lugar: Galería La Gran (Calle Claudio Moyano 16, Valladolid)

Nuestra segunda parada puede ser La Gran, un espacio en el centro de Valladolid. Esta galería inauguró el pasado 31 de marzo una nueva exposición de Verónica Vicente. Titulada “Sujeto vulnerable”, la muestra presenta la evolución estilística y filosófica de la joven artista gallega a través de varios trabajos.

Por un lado, nos encontramos con videos y fotografías en los que el cuerpo humano es el protagonista principal, pero de una forma diferente a la habitual. Verónica reduce los cuerpos prácticamente a objetos moldeados a través del volumen, la forma y la luz. Las personas retratadas se convierten casi en esculturas que ocupan un espacio hiperestetizado o completamente despersonalizado.

Por otro lado, también podemos disfrutar de una serie de pequeñas obras que juegan con nuestra percepción del entorno. A través de unas imágenes tomadas desde un punto de vista peculiar (colocando la cámara debajo de elementos colgantes o a través de estrechas rendijas), la artista nos convierte en auténticos voyeurs que esperamos ver otras vidas sin ser vistos. Son obras en las que parece que no sucede nada, pero de las que no podemos quitar la mirada: nos seduce el morbo, la curiosidad, y la posibilidad de que aparezcan secretos ocultos.

Con todas estas piezas, se destaca sin duda la capacidad de Verónica de crear imágenes con un increíble preciosismo técnico: presenta composiciones y encuadres perfectamente estudiados, en donde destaca el uso de “los juegos geométricos o el uso del color como elementos simbólicos.” Una exposición digna de ver y disfrutar.

RAMAS

Artista: José Manuel Ballester

Fechas: del 28 de marzo al 28 de mayo de 2017

Lugar: Tiempos Modernos (Calle Arrieta 17, Madrid)

Nuestro siguiente protagonista es el veterano José Manuel Ballester. Tras una larga carrera de más de veinte años, el pintor y fotógrafo vuelve a sus orígenes de dibujante para acercarse a la naturaleza más primitiva y básica. Y la prueba es su última exposición, “Ramas”, inaugurada hace unos días en la tienda madrileña Tiempos Modernos.

El artista muestra en esta ocasión una docena de dibujos de ramas, trabajados a la manera oriental. Usando pincel y tinta china, crea obras simples y sutiles, sin mucha parafernalia ni teatralidad, pero realmente seductoras. Cada pieza está compuesta por lineas sobrias, trazos limpios y papeles con texturas ricas, creando un resultado muy poético y minimalista. 

Ante estas piezas, no puedo dejar de pensar en aquellas palabras del escritor cubano Reinaldo Arenas en las que decían que “los árboles tienen una vida secreta que sólo les es dado conocer a los que se trepan a ellos.” Ballester se ha convertido en uno de los últimos exploradores que quiere mostrar al mundo el esqueleto y la simplicidad de los árboles. Una oportunidad única para disfrutar de una colección realmente agradable, y ver cómo es capaz de conversar con las antigüedades de la propia tienda en la que se presenta. 

SENTIDO DEL OLFATO

Artistas: Olafur Eliasson, Ernesto Neto y Pae White
Fechas: del 29 de marzo al 13 de mayo

Lugar: Galería Elvira González (Calle Hermanos Álvarez Quintero 1, Madrid)

Continuamos el recorrido visitando la veterana galería Elvira González. Los artistas Olafur Eliasson, Ernesto Neto y Pae White han ocupado las salas de este espacio para presentar  una serie de obras en las que se ha incorporado el sentido del olfato como un factor de percepción.

La estructura de cada una de las obras en la exposición está directamente ligada al olor o aroma que de ellas se desprende, como si se tratase de un elemento de composición más como pueden ser el material, la forma o el color. En primer lugar nos encontramos con la instalación “Moss Wall”, de Eliasson, una obra viva hecha con liquen de los renos tejido en una maya de alambre a lo largo de una de las paredes de la galería. También podemos disfrutar de “Relachando estou atento…” realizado por Neto con olor a clavo, canela, pimienta y cúrcuma y en la que respiramos las raíces brasileñas del artista. Y para terminar White ha instalado cinco módulos con distintos olores cotidianos asociados a situaciones concretas que despiertan nuestra memoria. 

Está es una oportunidad única para disfrutar de una exposición de una forma diferente: con la nariz, además de con los ojos.

MEMENTO MORI (RECUERDA QUE MORIRÁS)

Artistas: Cécile Giovannini, Marcos Martínez y Valero Doval
Fechas: del 24 de marzo al 25 de abril 

Lugar: Galería Mr.Pink (Calle Guillem de Castro 110, Valencia)

Podéis terminar el viaje en Valencia, visitando la galería Mr. Pink. Es aquí donde se presentó hace unas semanas una exposición que reflexiona sobre la fugacidad de la vida y la dimensión humana. Tres artistas invaden, de hecho, el espacio para presentar proyectos individuales que recuerdan que todo es pasajero y tiene un final.

El primero de ellos, Valero Doval, expone una nueva serie llamada "Pineal Variations" en la que habla sobre la percepción y la manera en que interpretamos lo que percibimos a través de nuestros sentidos. Por otro lado, Marcos Martínez muestra en esta ocasión un mundo onírico y surrealista en el que une lo estético y la descontextualización de la imagen. Y por último, Cécile Giovanni enseña obras en los que construye y deconstruye el cuerpo humano como si fuera un maniquí, uniendo en esas piezas todas sus influencias (el cine, la publicidad, etc.). Tres visiones distintas igual de interesantes que nos ayudarán a disfrutar del final de nuestro recorrido.

Como véis son sólo cinco recomendaciones, pero creo que todas ellas son propuestas muy atractivas. ¡Espero vuestras opiniones!

La precariedad cultural, esa gran losa

Hace ya unos años decidí acudir al I Encuentro de Cultura y Ciudadanía, celebrado en pleno centro de Madrid. Los organizadores, en un momento de creatividad, habían creado unas chapas con los nombres de diferentes profesiones del sector y nos pedían, nada más empezar, que eligiésemos una. La intención parecía clara: querían que el resto de asistentes fueran capaces de identificarnos con claridad en un mundo en el que las etiquetas parecen casi obligatorias. Aunque fuera un acto muy inocente (casi naif), no pude dejar de sorprenderme: ¿qué profesión elegir cuando he realizado trabajos tan diversos dentro del sector cultural en los últimos años? ¿Cómo catalogarme con una única expresión si mi curriculum demuestra la diversidad de mi pasado –y de mi presente– laboral (gestora cultural, periodista, comunicadora, comisaria, asistente personal, etc.)?

En ese debate interno me encontraba cuando alguien cercano a mi preguntó, de forma irónica, si no tenían alguna chapa en donde estuviera escrito “precaria cultural”. Me acuerdo reírme a carcajadas con tal ocurrencia, aunque pronto me di cuenta de la cruel realidad: a pesar de todos mis trabajos, a pesar de toda mi experiencia, era una precaria cultural de manual. Y eso que no era ya una estudiante recién licenciada con muchos castillos en el aire y pájaros en la cabeza. Había conseguido trabajar en un sector que me encantaba, había ocupado numerosos puestos (algunos ya con cierta responsabilidad), había creado proyectos propios (algunos de los cuales habían recibido buenas críticas), había colaborado con numerosas instituciones (algunas con gran prestigio)… pero todavía no había conseguido ni un empleo a largo plazo (o incluso a medio), ni un contrato en condiciones (no digo ya un contrato “bueno”), ni un salario realmente digno. 

Y os voy a hacer una declaración personal, brutal y algo desesperante: estoy a punto de cumplir 32 años y aún sigo siendo precaria. Sigo peleando día a día por conseguir algo más estable; sigo luchando porque mis proyectos salgan adelante (consiguiéndolo en 2 de cada 10 casos); sigo peleando por encontrar algo de financiación en un país en el que muchos sitios han cerrado el grifo; sigo rechazando ofertas de trabajo o colaboraciones deshonrosas (en los que me ofrecen sólo difusión en vez de salario porque "es bueno para mi"); sigo luchando día a día porque este sector es el que me gusta.  

Tengo que confesar que a veces desespera (sobre todo durante esos meses en los que llegar a fin de mes parece imposible). Incluso en muchas ocasiones he pensado que esta situación puede ser culpa mía: si a pesar de mis estudios, de mi formación, de mi experiencia, de mi entusiasmo, sigo siendo precaria es porque quizás haya algo que no este haciendo bien. Seguramente sea así en parte. Habrá cosas que pueda (y tenga) que mejorar durante mi búsqueda y lucha… pero lo más triste al enfrentarme a la precariedad cultural es haberme dado cuenta de que no soy la única que a mi edad se encuentra en esta situación. Numerosos compañeros comparten una desesperación parecida o similar a la mía. Incluso los que tienen algo más de suerte, aquellos que disfrutan de algún contrato que les otorga cierta estabilidad, tienen que enfrentarse a unas condiciones que en otros tiempos hubiesen sido calificadas de lamentables (salarios bajos, horas eternas, trabajos que no les corresponden, etc.). Sólo hay que recordar aquellas huelgas de trabajadores que afectaron a varios museos de Barcelona y Bilbao hace algo menos de un año (más información en el artículo Calidad laboral).

El Museo de Bellas Artes de Bilbao, uno de 

los centros afectados por las huelgas en 2016.

Varios amigos que trabajan en otros campos (muchos de ellos en sectores más estables y aburridos, todo hay que decirlo) me han recomendado intentar cambiar de sector… Y os juro que muchas veces me lo he planteado seriamente, más teniendo en cuenta la realidad a la que nos enfrentamos: estamos en un país en el que uno de cada siete españoles declara no pisar “nunca” un museo o biblioteca según las estadísticas oficiales (os recomiendo ver el informe publicado por el CIS hace ya varios meses). Desespera y asusta. A veces no se ve la luz al final del túnel.

¿Soluciones a la vista? Surgen muchas opciones: 

• Educar a la sociedad para que se interese más por este sector (y consuma más productos y servicios).
• Educar a los responsables de instituciones y proyectos culturales para que cuiden y mejoren las condiciones de sus trabajadores (creando empleo de calidad).
• Evitar que los puestos de trabajo se conviertan en vitalicios, dejando hueco a jóvenes promesas.
• Respetar los manuales de buenas prácticas (sobre todo en relación con asuntos laborales).
• Etc...

Si os soy sincera: la cultura no es sólo mi trabajo, es también mi pasión. Aunque en numerosas ocasiones llego a fin de mes gracias a trabajos externos a este mundo, siempre intentaré estar en contacto con la cultura porque es lo que me da vida. Y siempre animaré a gente más joven a trabajar en esto, a esforzarse y a educar a los demás, porque sin cultura no somos nada. Todos aquellos que intentan vivir de este sector saben lo duro y lo gratificante que es al mismo tiempo.